¿Qué prefieres, tocar en directo o grabar discos?

Siempre me ha encantado tocar en directo. Pero también me encanta grabar discos cuando todos los músicos se meten en una sala y se obtienen esos momentos de electricidad. Incluso aquí, algunas de las cosas más geniales que terminaron en el disco, fueron ideas que trabajamos en grupo, creando pequeños riffs entre todos.

Eso fue con todos nosotros en la sala de ensayo. Pero, de nuevo, estamos separados y hay un protocolo; igual que ahora no estoy sentado en una sala con vosotros, hacer música es muy parecido: grabamos archivos, los enviamos, la gente los pone en sus líneas de tiempo y ve qué puede hacer con ellos. Es una manera de trabajar y, de hecho, se ha vuelto de lo más común, pero probablemente no sea la forma más visceral de todas. Me encanta eso de simplemente subir al escenario; para mí es como ser un atleta, un jugador de fútbol, de béisbol o de fútbol americano.

El momento lo es todo, y todos esos fans cuentan contigo para ejecutar cada jugada: tocar todas las notas juntas, hacer que suene como la experiencia que imaginan al escuchar tu disco en casa. Para mí, no hay nada más emocionante. Es físico, seguro, y emocional. Siempre he dicho que es como una iglesia: la gente no viene a rezar por lo que aman, sino a experimentar juntos lo que aman en comunidad. Para mí, no hay nada más emocionante ni motivador que el directo. Esa es la única razón por la que todavía puedo subirme a aviones y caminar por aeropuertos, porque odio todo eso.

Sí, tiene sentido. Y por el momento, ¿esperas dedicar tu tiempo solo a Megadeth o vas a considerar otros proyectos?

¿Dices después de que termine Megadeth?

No, ahora mismo.

No, ahora mismo no; y si hubiera tiempo, ni siquiera me interesa hacer proyectos serios. Quiero decir, que a veces disfruto cuando alguien me envía algo para grabar para ellos. Me contratan para grabar en su música, y no son famosos, pero pueden ser realmente buenos. Constantemente escucho su música, y hay gente muy buena. Así que me encantaría intentar contribuir y darles ese pequeño extra que yo pueda tener, porque he hecho esto tantas veces…

Y porque ayuda a levantarlos y a avanzar en su camino. Cosas así me encanta hacerlas, y es muy simple: estoy ahora mismo en mi sala de música, así que puedo sentarme y darles mi interpretación, y ellos la toman y la usan para su música. Eso me emociona, porque a veces, cuando regresa lo grabado, es simplemente asombroso. Me da mucha esperanza para el futuro, el escuchar a toda esa gente todavía haciendo música a la vieja usanza.

En cuanto a otras cosas, acabo de hacer una fiesta de los Grammy con un montón de mis viejos amigos músicos y cosas así. No requiere nada: te aprendes un montón de versiones, subes al escenario y lanzas esa energía al público, y yo estoy aquí esperando para salir de gira. Así que, si es música, es música; me encanta hacerla, pero no tengo una banda extra ni nada por el estilo. Megadeth es mi prioridad de principio a fin.

Quiero mostrarte este álbum: el Rubber de Gilby Clarke, ex de Guns N’ Roses…

¡Sí! Yo hice esa portada. Sí, de verdad. Vale, es Gilby Clarke.

Es un buen disco, pero tú tienes una conexión muy fuerte con Guns N’ Roses; también tocaste con Slash.

Toqué con Slash allá por el 95… creo que fue 94 o 95. Sí, absolutamente. Veamos cómo terminó pasando eso: yo estaba sentado en casa y Brian Tichy me llamó. Yo estaba en la banda con Brian y Zakk Wylde: Pride and Glory.

Oh, banda increíble.

Me encantó, sí, realmente me encantó ese disco y tocar con esos chicos fue absolutamente increíble. Es de esas cosas en que entras a la sala y todos tocan juntos y se genera la electricidad; es de esas jam bands. Pero, de todas formas, no estaba haciendo nada, y Brian me llama; creo que Matt Sorum y Mike Inezoriginalmente iban a ir de gira con Slash porque acababan de hacer ese disco Slash’s Snakepit, pero ambos se fueron a hacer otra cosa.

Creo que en ese momento Mike Inez se había unido a Ozzy, y necesitaban un bajista a última hora. Yo estaba un poco reticente porque mi hija había nacido unos meses antes, así que realmente dudaba en no hacerlo, pero fue una de esas oportunidades en las que mi esposa estuvo muy acertada. Ella decidió quedarse a cuidar la casa y me dijo, “Deberías hacer esto porque no solo sería una gran experiencia, sino algo musical. Y sería bueno para tu carrera. La gente puede ver que también puedes tocar ese tipo de música”.

Así que nos fuimos un par de años de gira, y tengo que decirte, amigo, que probablemente nunca me haya sentido tan cerca de ser como los Rolling Stones que como viajando en esa gira. El primer lugar donde paramos fue Sudamérica. Casi me arrastran fuera de la furgoneta unos fans demasiado emocionados, y sin una razón aparente. Bueno, sí, razón aparente la había: Guns N’ Roses y todo eso. Gilby también estaba en esa gira, y así fue como llegué a conocerle, hacerme amigo y tocar luego con Gilby además de con Slash.

¿Recuerdas el primer disco que compraste con tu propio dinero?

Fue Sgt. Pepper de los Beatles. Vale, sí, soy tan viejo… Hombre, escuchábamos ese disco hasta quemarlo, en serio. Era algo que en su momento no habías escuchado nunca. Solo había que estar allí y comprobarlo…

¿Alguna vez has llorado en un concierto? ¿Recuerdas la canción y la banda que estaba tocando?

Oh, Dios mío… la verdad es que lloré en el escenario hace unos nueve años. Vale, podría emocionarme ahora mismo al recordarlo, así que prepárense para la historia: Cuando era un niño, tenía 11 años. ¿Qué escuchaba en la radio? Pues era Woodstock, ’69 y todo aquello. Tenía 10, 11 años, y ya tocaba la guitarra acústica. Tocaba cualquier cosa que sonara en la radio y la cantaba. Y, de todas las cosas que escuchaba, hubo una canción que me encantó de la Creedence Clearwater Revival, el “Have You Ever Seen the Rain?”

Así que allí estaba yo de mayor, tocando esa misma canción en el escenario junto a John Fogerty. Estoy allí tocando la canción, y de repente, toda mi vida pasa frente a mis ojos en medio de esta simple canción de dos acordes. Y pienso: “Oh, Dios mío, estoy tocando la canción que me inspiró cuando era un niño, antes siquiera de saber lo que hacía, y aquí estoy ahora, como profesional, tocándola…. Lloré”.

¡Genial! Muchas gracias James.

Ustedes son geniales, muchas gracias por esta entrevista.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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La entrada Entrevista a James LoMenzo, bajista de Megadeth (Parte 3): ‘Megadeth es mi prioridad de principio a fin’ se publicó primero en Stairway to Rock.

Aunque claro, después de escribir todos estos textos me pregunto ¿deberíamos seguir ahora escribiendo sobre lo que será el relevo generacional de estas leyendas?

11. Kreator (44 años)

Desde Essen, Alemania, Kreator emergió en 1982 como una de las fuerzas más salvajes del thrash europeo. Si Metallica llevó el género al gran público, Kreator lo empujó hacia la violencia extrema, la velocidad descontrolada y una agresividad sin concesiones.

Álbumes como Pleasure to Kill o Extreme Aggression definieron el sonido del thrash más brutal, influyendo directamente en el death y el black metal posteriores. Con el paso de los años, la banda ha sabido evolucionar, incorporando elementos melódicos y épicos sin perder contundencia, como demuestran trabajos más recientes.

Mille Petrozza se ha consolidado como una figura clave del metal europeo, tanto por su liderazgo como por su coherencia artística. Kreator no solo sigue en activo: sigue siendo relevante, combativa y feroz, demostrando que la rabia bien canalizada envejece mejor que muchos discursos vacíos. Y para muestra de ello el disco que acaban de lanzar este mes de Enero: Krushers Of The World

12. Megadeth (43 años)

Fundada en 1983 por Dave Mustaine tras su salida de Metallica, Megadeth representa la vertiente más técnica, política y afilada del thrash metal. Desde sus inicios, la banda apostó por composiciones complejas, tempos cambiantes y letras cargadas de crítica social, guerra y corrupción.

Discos como Peace Sells… but Who’s Buying?, Rust in Peace o Countdown to Extinction son pilares absolutos del género. Temas como “Holy Wars… The Punishment Due”, “Symphony of Destruction” o «A tout le monde» combinan virtuosismo con una agresividad quirúrgica.

A lo largo de los años, Megadeth ha sobrevivido a innumerables cambios de formación, problemas de salud y altibajos comerciales, pero Mustaine ha mantenido el timón firme. Hoy, la banda se enfrentan a nuevo material, Megadeth, y a su gira de despedida «This Was Our Life Tour» (o al menos así es como no la están vendiendo).

13. Testament (43 años)

Cerrando esta segunda parte, Testament representa la excelencia técnica del thrash metal estadounidense. Formados en 1983 en la Bay Area, su sonido combinó desde el inicio agresividad, precisión y un enfoque musical más elaborado que muchos de sus contemporáneos.

Discos como The Legacy, The New Order o Practice What You Preach los situaron entre la élite del género. Con el paso del tiempo, Testament ha sabido endurecer su propuesta, acercándose incluso al death metal sin perder identidad, algo que pocos han logrado con tanta solvencia.

La voz de Chuck Billy, junto al trabajo guitarrístico de Eric Peterson y sucesivos músicos de alto nivel, ha mantenido a la banda en una forma envidiable. Testament es el ejemplo perfecto de longevidad sin estancamiento: una banda que no vive de la nostalgia, sino de un presente sólido y respetado.

De hecho, en octubre del 2025 nos presentaban un nuevo disco Para Bellum con el que podremos verlos sobre escenarios españoles este 2026.

14. Guns N’ Roses, Dream Theater o King Diamond (41 años)

A mediados de los 80 surgieron bandas que, cada una a su manera, redefinirían el panorama del rock y el metal. Guns N’ Roses, Dream Theater y King Diamond comparten más de cuatro décadas de historia, y aunque sus estilos son distintos, las tres se han mantenido relevantes gracias a su talento y carácter inconfundible.

Guns N’ Roses irrumpió desde Los Ángeles en 1985 con una mezcla de hard rock crudo, blues y actitud callejera que explotó con Appetite for Destruction. Hits como “Sweet Child O’ Mine”, “Welcome to the Jungle”, «November Rain» o “Paradise City” convirtieron a la banda en un fenómeno global, capaz de combinar riffs explosivos con melodías memorables y una energía que sigue intacta en sus giras actuales.

Dream Theater, también de 1985, se inclinó hacia el metal progresivo, elevando la complejidad técnica a un nivel pocas veces visto. Álbumes como Images and Words, Metropolis Pt. 2: Scenes from a Memory o Six Degrees of Inner Turbulence han cimentado su reputación como virtuosos instrumentales, donde cada cambio de compás y solo de guitarra o teclado es una lección de maestría.

Su persistencia y evolución constante han mantenido a la banda fresca y admirada por músicos y fans por igual, así lo demuestra su último trabajo Parasomnia.

King Diamond, surgido en Dinamarca el mismo año, como proyecto solista tras la disolución temporal de Mercyful Fate, se convirtió en sinónimo de teatralidad, horror y heavy metal clásico. Con su voz única y sus historias macabras, álbumes como Abigail, Them o Conspiracy redefinieron el concepto de metal conceptual, creando un universo propio de máscaras, narrativas y riffs memorables que aún hoy cautiva a nuevas generaciones.

Las tres bandas han sobrevivido a cambios de formación, modas y décadas turbulentas, demostrando que la pasión por la música y la integridad artística pueden sostener una carrera de más de 40 años. Guns N’ Roses, Dream Theater y King Diamond no solo son historia viva del rock y el metal: son testimonio de que la fuerza de una visión creativa bien ejecutada trasciende el tiempo.

El relevo generacional: quién tomará el testigo del heavy metal

Durante décadas, el heavy metal ha vivido bajo el liderazgo de bandas que hoy superan con holgura los 40 o 50 años de trayectoria. La pregunta ya no es si ese relevo llegará, sino cuándo y quién está preparado para asumirlo. A diferencia de otros géneros, el metal no funciona por modas rápidas: exige identidad, constancia y una conexión real con el directo. Y en ese terreno, hay nombres que ya juegan en primera división.

Gojira (30 años)

Pocas bandas han logrado unir prestigio extremo y reconocimiento masivo como Gojira. Desde Francia, los hermanos Duplantier han construido una discografía coherente, poderosa y conceptualmente sólida, donde el death metal técnico convive con mensajes ecologistas y existenciales.

Álbumes como From Mars to Sirius o Magma han convertido a Gojira en un referente global. Hoy son cabezas de cartel en festivales y una de las pocas bandas modernas respetadas tanto por puristas como por nuevas audiencias. Su papel como líderes del metal contemporáneo es incuestionable.

Slipknot (31 años)

Si hablamos de impacto cultural, Slipknot juega en otra liga. Desde su irrupción a finales de los noventa, redefinieron el metal extremo para la era moderna, combinando agresividad, imagen, caos y una maquinaria escénica sin precedentes.

Discos como Iowa o Vol. 3 marcaron a toda una generación. Más allá de cambios de formación y polémicas, Slipknot sigue llenando estadios y encabezando festivales. Son, probablemente, el último gran fenómeno masivo del metal, y su influencia sigue muy viva.

Avenged Sevenfold (27 años)

Avenged Sevenfold representa el puente entre el metal clásico y el metal de estadios del siglo XXI. Influenciados por Iron Maiden, Metallica y el hard rock, supieron construir una identidad propia basada en grandes melodías, solos épicos y una producción impecable.

Con discos como City of Evil o Nightmare, la banda se consolidó como un nombre imprescindible en el circuito internacional. Su apuesta por la evolución artística, incluso a riesgo de dividir a su público, demuestra una ambición poco habitual en el metal moderno.

Parkway Drive (23 años)

Desde Australia, Parkway Drive ha protagonizado una de las evoluciones más notables del metal contemporáneo. Partiendo del metalcore más puro, han crecido hacia un sonido monumental, pensado para grandes escenarios.

Su capacidad para conectar con audiencias jóvenes y su espectacular directo los ha situado como cabezas de cartel en Europa y más allá.

Ghost (20 años)

Puede gustar más o menos, pero Ghost ha logrado algo que parecía imposible: llevar el metal a audiencias masivas sin renunciar a una estética oscura y una narrativa propia. Su combinación de heavy metal clásico, rock teatral y melodías pop ha roto barreras.

Álbumes como Meliora o Impera los han convertido en una banda capaz de llenar grandes recintos y dominar listas de ventas. Ghost demuestra que el metal puede evolucionar, mutar y seguir siendo relevante sin perder identidad.

Reflexión final: ¿cuánto tiempo queda para el relevo definitivo?

El heavy metal se encuentra en un momento de transición histórica. Las grandes bandas fundacionales siguen en activo, pero el relevo ya no es una promesa: es una realidad en marcha. Gojira, Slipknot, Ghost, Parkway Drive o Avenged Sevenfold no son “el futuro”; son el presente.

Aun así, el metal necesita tiempo. No para desaparecer, sino para asimilar el cambio. La próxima década será clave para consolidar nuevos nombres y permitir que la antorcha pase de mano sin romperse. Si algo ha demostrado este género, es que no muere: se transforma, se endurece y sigue avanzando.

Serie de textos firmados por Irene Kilmister.

Irene Kilmister

Mi nombre es Irene, y todo el mundo me conoce por mi apellido Kilmister adquirido por el que ha sido y será mi mayor ídolo en esta vida. Lo cierto es que yo empecé en esto de la fotografía sin pensarlo mucho. Era la típica amiga de la cámara, pero de que me quise dar cuenta me propusieron entrar a colaborar en un medio profesional en 2017 y desde ahí he pasado de ser esa amiga de la cámara a evolucionar y coinvertirme en lo que conocéis ahora.

Apasionada de la música en todos sus géneros y amante de la lectura y los conciertos, aunque mi verdadera profesión no tenga nada que ver con todo esto.

La entrada ¿Cuántos años tienen tus bandas favoritas? Parte III se publicó primero en Stairway to Rock.

Guns N’ Roses están listos para volver a conquistar el planeta. La banda liderada por Axl Rose y Slash ha anunciado una ambiciosa gira mundial para 2026, una serie de conciertos que promete recuperar la grandeza, la energía salvaje y el magnetismo que convirtieron al grupo en uno de los titanes indiscutibles del rock. Bajo el nombre World Riot Tour 2026, la formación recorrerá América, Europa, Asia y Oceanía con un espectáculo diseñado para unir nostalgia, potencia y una producción renovada.

La banda presentará una escenografía completamente nueva, con un setlist que abarcará desde los himnos inmortales del Appetite for Destruction hasta material reciente y algunas sorpresas de catálogo que llevan años sin sonar en directo. Fuentes cercanas al equipo de gira adelantaron que el grupo busca “capturar el espíritu incendiario de los primeros años, pero con la potencia tecnológica de la actualidad”.

El anuncio ha provocado una oleada de expectación global: las primeras fechas, en Estados Unidos y Latinoamérica, se agotaron en cuestión de horas, demostrando que la mística de Guns N’ Roses sigue intacta cuatro décadas después de su formación. En Europa, las ciudades más grandes ya se preparan para recibir un espectáculo que promete ser uno de los eventos rockeros más importantes del próximo año.

La gira arrancará en marzo de 2026 y se extenderá hasta finales de noviembre, con más de 70 conciertos confirmados. Aunque aún no se ha revelado la lista completa de países, la banda ha asegurado que su intención es visitar “todos los lugares donde el público nos ha mantenido vivos”.

Guns N’ Roses vuelven a rugir, y el mundo entero está preparado para escuchar.

Guns N’ Roses Announce Massive 2026 World Tour: Rock Icons Return at Full Power

Guns N’ Roses are gearing up to take over the world once again. The legendary band led by Axl Rose and Slash has officially announced a massive 2026 world tour, an international trek designed to reignite the fire, attitude and swagger that made them one of the most influential rock acts of all time. Under the banner World Riot Tour 2026, the band will storm across the Americas, Europe, Asia and Oceania with a show crafted to blend nostalgia, raw energy and a renewed production approach.

The new tour promises a completely revamped stage design and a setlist that spans the band’s full career — from the explosive classics of Appetite for Destruction to more recent material, plus a handful of deep cuts long requested by fans. According to sources close to the touring team, the goal is to “capture the band’s early reckless spirit while unleashing the technical power of modern live production.”

The announcement sparked immediate global frenzy: the first shows, scheduled in the United States and Latin America, sold out within hours, proving that the Guns N’ Roses legend remains as strong as ever, nearly four decades after their formation. European promoters are already preparing for what is expected to be one of the most anticipated rock events of the upcoming year.

The tour kicks off in March 2026 and will run through late November, with more than 70 confirmed dates. Although the full list of countries has not yet been unveiled, the band stated their intention to visit “every place where fans have kept our music alive.”

Guns N’ Roses are roaring back — and the world is more than ready.

Irene Kilmister

Mi nombre es Irene, y todo el mundo me conoce por mi apellido Kilmister adquirido por el que ha sido y será mi mayor ídolo en esta vida. Lo cierto es que yo empecé en esto de la fotografía sin pensarlo mucho. Era la típica amiga de la cámara, pero de que me quise dar cuenta me propusieron entrar a colaborar en un medio profesional en 2017 y desde ahí he pasado de ser esa amiga de la cámara a evolucionar y coinvertirme en lo que conocéis ahora.

Apasionada de la música en todos sus géneros y amante de la lectura y los conciertos, aunque mi verdadera profesión no tenga nada que ver con todo esto.

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“Nada dura para siempre (…) bajo la fría lluvia de noviembre.”

Qué bonitos recuerdos de los 90 y qué grandes llegaron a ser Guns N’ Roses… Dominaron el mundo durante unos pocos años y en esos días eran la última gran banda de estadio. Lo consiguieron con los dos Use Your Illusion, discos excesivos, sobreactuados y maravillosos. Qué podían hacer para superar el ¿Apettite for Destruction? Pues usar la imaginación por mucho que eso implicase que se te fuera la cabeza completamente hasta el punto que la megalomanía se instaló en el cerebro de Axl Rose durante unos largos años. Hablaremos largo y tendido de los dos Use Your Illusion, pero esperaremos al día del aniversario (será este año).

Mientras tanto toca recordar una de las más grandes canciones de ese doble disco: lo más excesivo de los excesivo: “November Rain”. Esta canción era una apuesta para que Guns N’ Roses llegaran a los corazones de toda una generación… y a sus padres. Un intento de decirle al mundo que los Guns podían gustar a todo el mundo por mucho que sus excesos y polémicas marcharan sin freno alguno. No se reparó en gastos y se lanzó la casa por la ventana para marcarse una de las más grandes power ballads de la historia. De hecho, “November Rain” es la definición más perfecta de lo que es una power ballad.

Recuerdo en esos tiempos cuando en la escuela, en la clase de inglés, la profesora trajo la canción de Guns para un ejercicio de “Fill in the Gaps”, ese trabajo tan divertido que era rellenar la letra de la canción mientras la oías para ver si entendías la lengua de Shakespeare. La profesora puso toda feliz el “November Rain” en clase creyendo que así hacía un guiño a la facción más beligerante de la clase, que por mayoría era heavy metalera, incluso se vestía su estética. Al parecer la chica, siempre bienintencionada, cortó el tema justo cuando empieza el solo de Slash y se acelera la canción.

Lo del guiñó terminó en una injuria y los fanes de Guns nos tomamos ese final abrupto en el que dejaba fuera la electricidad de la canción como una provocación siendo el ejemplo plasmable de que se-censuraba-el-heavy-metal-y-la-guitarra-eléctrica-en-general. Reaccionamos como macacos enjaulados golpeando mesas y paredes para dejarle claro a esa señora que el “November Rain” tiene un final eléctrico y que este es intocable. Esa demostración cargada de testoesterona adolescente tuvo el castigo posterior de salir 20 minutos más tarde, pero de verdad que valió la pena, lo hicimos por ella.

El single se lazó en 1992 si bien el disco es de 1991 y arrasó en todo el mundo especialmente por el vídeo que acompañó los más de nueve minutos de canción. Es una composición larga y pomposa y el vídeo es una película en si misma. Es uno de los videoclips más caros de la historia, y también de los más logrados.

La historia va de la boda de Axl con su entonces novia Stephanie Seymour, con la cual no terminó nada bien, por cierto. Hay ese momento de Axl tocando solo en la iglesia que acogió su boda y el posterior funeral de su amada, pero antes ya nos muestra un Axl tomando pastillas, afectado por la muerte de su ser querido. Todo está excelentemente dirigido por Andy Morahan que intercala momentos en un teatro con el grupo tocando con la orquesta, cristos llorando sangre, velas que se apagan y vientos que mueven cortinas en su habitación. Axl recuerda la felicidad de su casamiento con una deslumbrante Stephanie y su vestido de novia ultracorto y con toda la banda de padrinos de boda. Se ven los momentos de relax del grupo y la chica en el Rainbow de Los Ángeles si bien ya vas viendo que algo anda mal en las caras de preocupación de la novia en el momento de salir de la iglesia. Presumiblemente ella sufre una enfermedad terminal que no ha querido revelar al señor Rose.

Es magistral cuando se pasa del ramo de flores a las mismas del funeral en una iglesia que es bastante más pequeña desde fuera que desde dentro. Hay muchos momentos míticos con ese solazo de Slash con el cabello al viento y con un travelling que le da una épica excepcional y una fuerza al vídeo enorme. Con toda seguridad se utilizó un helicóptero.

Luego hay ese momento en el que la lluvia arremete contra los invitados que se ponen a cubierto siendo un claro elemento premonitorio del drama final. Es impensable que antes de una boda no mires si va a haber chubascos en esa fecha… pero la licencia era necesaria. Estamos hablando de más de nueve minutos de canción y el título es una lluvia de noviembre… Es realmente poético y bello. El otro momento que anticipa el drama es un señor de etiqueta cayendo sobre el pastel de nupcias de forma sobreactuada. Puro Neymar. Ese otro momento mítico que queda para el recuerdo es ese en el que padrino Slash no encuentra el anillo y lo tiene Duff en el meñique. Un poco te indica que el fiestón de la despedida de soltero se les fue de las manos.

La música

Vientos y ruido de pastillas dejan paso a los aplausos que nos centran a la orquestación grandilocuente para los versos maravillosos y delicados que incluyen campanitas y extra de reverb en la batería de Matt Sorum. Violines, flautas… para que abra Axl arropado por voces femeninas angelicales vistiendo de etiqueta la tonada. La interpretación vocal incluye todos los puntos fuertes vocales del divo y su característica voz rota y rasgada. Expresividad sublime, gran dicción y con unos tiempos marcados que son pura belleza.

Las guitarras van entrando con fuerza hasta el primer solo de Mr. Saul Hudson, que aquí se dará un festín con todos los clichés y detalles que siempre ha lucido Slash. De verdad que es un guitarrista que lo escuchas y sabes que es él. La primera parte muere y el teclado da paso a ese plus que la hace inmortal que no es otro que el solazo final acelerado y coreable. Axl tira de agudos rasgados y los coros entran con clase siendo una composición que un poco se base en el “Stairway to Heaven” por el modo en el que se rompe la canción. Magistral… Luego queda el ruido de la lluvia sobre el suelo.

La letra

En si misma la letra no es que sea poesía pura ni es lo más brillante que nunca escribió W.A.R. pero es innegable que cuando las imágenes y la música van al unísono es cuando se consiguen esos momentos inolvidables. Pregúntale a cualquiera que vivió los 90 de adolescente si recuerda este vídeo y te aseguro que posiblemente lo recuerde más que el “Smells Like Teen Spirit” o el “Enter Sandman”. La letra son todos los tópicos del amor roto puestos en fila y desfilando… En esto mismo cimentó Camela su carrera y puedo decirte que tenían ideas más rompedoras que las aquí expuestas.

Ya que hablamos de Camela, los reyes de los autochoques y las gasolineras, también os digo que deberíamos dedicarles un día un reportaje a sus videoclips… ¿Sabías que en los videoclips de esta gente hay uno con el desembarco en Normandía? Si me pierdo en mis palabras es simplemente porque el texto de Axl es un pastelazo de cuidado y entiendo que Duff y Slash no quisieran meterse en este fregado… Pero su vocalista (afortunadamente se salió con la suya) tenía razón, otra cosa es la letra: Pastelería barata con extra de almíbar.

«Cuando te miro a los ojos
Puedo ver un amor contenido
Pero, cariño, cuando te tengo
¿No sabes que siento lo mismo?

Porque nada dura para siempre
Y los dos sabemos que el corazón puede cambiar
Y es difícil sujetar una vela
Bajo la fría lluvia de noviembre

Hemos mantenido esto por un largo, largo tiempo
Tratando simplemente de matar el dolor

Pero los amantes siempre vienen y van
Y nadie está realmente seguro de a quién está dejando
Alejarse hoy

Si pudiéramos tomarnos el tiempo
Para decir las cosas claramente
Podría descansar mi cabeza
Simplemente sabiendo que fuiste mía
Toda mía
Así que si quieres amarme,
Entonces cariño no te contengas
O simplemente terminaré caminando
Bajo la fría lluvia de noviembre

¿Necesitas tiempo para ti misma?
¿Necesitas tiempo a solas?
Todo el mundo necesita algo de tiempo para sí mismo
¿No sabes que necesitas algo de tiempo sola?

Sé que es difícil mantener un corazón abierto,
Cuando hasta los amigos parecen estar para herirte
Pero si pudieras hacer cicatrizar un corazón roto
¿No quedaría tiempo para cautivarte?

A veces necesito tiempo para mí
A veces necesito tiempo solo
Todo el mundo necesita algo de tiempo para sí mismo
¿No sabes que necesitas algo de tiempo sola?

Y cuando tus miedos amainan
Y quedan todavía las sombras
Sé que puedes amarme
Cuando no hay nadie más a quien culpar
Y no te preocupas de la oscuridad
Aún podemos encontrar un camino
Porque nada dura para siempre
Ni siquiera la fría lluvia de noviembre

¿No crees que necesites a alguien?
¿No crees que necesites a alguien?
Todo el mundo necesita a alguien
Tú no eres la única
Tú no eres la única»

Veredicto

Lacrimógena, excesiva y maravillosa. En esos días los videoclips acaparaban los presupuestos que ahora disfrutan las series y Axl luchó mucho contra Slash y Duff para sacar esta canción adelante. Su cabezonería siempre ha sido irritante, pero no le faltaba razón… “November Rain” es la definición perfecta de lo que es una power ballad por excelencia. El impacto musical se une a lo visual y hay ciertos detalles como las gafas a lo Elton John del divo puesto que la composición se inspiró en el “Funeral for a Friend” del Sir inglés. Amor, muerte, orquesta, macarrismo de bar y glamour Hollywoodiense. “November Rain” es una pasada y posee uno de los mejores videoclips de la historia de la música. Esto va más allá del rock.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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Y cuando Axl salió al escenario y empezó a cantar, simplemente me derrumbé porque instantáneamente volví a ser una niña de 11 años en 1987, la Carla de 11 años, que estaba completamente obsesionada. Esas canciones tienen mucho significado para mí, son muy importantes. Pero también os diré que Charlie Benante y yo vimos a Elton John hace un par de años. Ahí también lloramos. Hemos llorado en muchos conciertos.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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Así que así empezaste con el baterista de Anthrax… ¿conociste a Charlie gracias a los cómics?

Sí, bueno, nos conocimos en el backstage de un concierto, porque Butcher Babies hizo una versión de una canción de S.O.D. llamada “Pussy Whipped”. Luego tocamos en un show con Anthrax y yo estaba en el backstage, vi a Charlie y él se me acercó para hablar. Me preguntó por la versión que habíamos hecho. Me dijo: “¿Por qué elegisteis esa canción?”. Y empezamos a hablar, y fue una sensación muy rara. Cuando hablábamos, era como si no hubiera nadie más alrededor, ¿sabes?

Estábamos muy conectados. Y empezamos a hablar de arte; él es artista visual, yo también soy artista. Y lo que pasó después es que empezamos a enviarnos obras de arte uno al otro. Y entonces empezamos a salir. La primera vez él voló en avión para verme, porque vivíamos en ciudades distintas, y luego me llevó a Chicago para visitarlo. Entré en su casa y había un stormtrooper (soldado del imperio de Star Wars) y todo tipo de objetos de colección por todas partes. Y pensé: “Por fin, un chico que me entiende”, porque la mayoría de los novios que tuve se avergonzaban de la cantidad de coleccionables y cómics que yo tenía, pero Charlie no.

¿Sabes que hay una banda que se llama The Butcher Sisters?

Sí, la conozco. Las he visto. Sí.

¿Hay alguna relación o solo es una coincidencia en el nombre?

Solo coincidencia.

¿Puedes compartir con nosotros la experiencia más loca, absurda, ridícula o extraña que hayas vivido en tu carrera musical? Ese momento “Spinal Tap”.

Bueno, una de las cosas más chulas fue que fuimos a Filipinas a tocar. No muchas bandas tienen la oportunidad de ir a Filipinas, y tocamos en una convención enorme.
Y antes de ir allí, nos dijeron… “¿Necesitáis algo especial para el escenario?” Dijimos que solo un pequeño elevador — esas cajitas pequeñas en las que saltas, y bajas, nada complicado…. Tenemos eso en nuestros shows en Estados Unidos, un elevador pequeño. ¿Y qué pasó?

Cuando llegamos al show, los elevadores que nos pusieron eran esas plataformas grandes que salen del escenario y suben como 3 metros con humo debajo. ¡Nos quedamos, como: “qué diablos”! No lo esperábamos para nada eso en las Filipinas. Fue realmente increíble. Literalmente teníamos elevadores que salían del escenario con humo. Nos sentimos como si estuviéramos en KISS o algo así ese día. Fue el mejor momento de todos. Ese show fue una locura.

Normalmente bajamos a la primera fila, nos paramos al terminar para estar con el público y agarramos las manos de los fans. Pero ese día, es que nunca lo olvidaré… los niños intentaban arrancarme los anillos y las joyas. Tenía que mantener las manos bien apretadas para que no me robaran los anillos, porque estaban arrancando ropa y joyas. Fue un show salvaje. Los elevadores fueron toda una experiencia loca. Incluso había aparecimos en una cartelera gigante de Butcher Babies en el centro de Manila. Fue una locura. Nos sentimos como las mayores estrellas de rock que había ese día.

Sé que Arnel Pineda, el cantante de Journey, es de Filipinas.

Sí, sí… Hay muchos cantantes geniales ahí. Les encanta el karaoke.

Hablando de estas situaciones, ¿has vivido alguna situación mala o rara, digamos, por ser mujer en una banda?

Creo que todos, sean hombres o mujeres, han pasado por situaciones raras. A veces los fans son increíbles, literalmente son la razón por la que podemos hacer esto, y lo son todo para nosotros. Pero a veces la gente se vuelve un poco demasiado pasional. Encuentro que mucha gente está muy sola y a veces se pasan de la raya. Así que sí, hemos tenido acosadores. Esto es problema tanto para hombres como para mujeres, también les pasa a los hombres en la industria.

¿Pero también te pasó en tu casa?

No, más bien por todos lados. La gente puede volverse muy loca. Así que tienes que transitar esa línea entre ser amigable, estar abierta y querer compartir con la gente,
pero también reservarte un poco para que tu vida no se consuma por completo.

¿Tienes sueños o metas en tu carrera y en la vida?

Creo que el momento en que dejas de tener metas nuevas es el momento en que, como que te mueres, definitivamente… Siento que este es un momento muy emocionante para mí. Porque, aunque da miedo empezar de nuevo, también es genial comenzar otra vez y sentir esas emociones de nuevo, esa emoción cuando consigues un show o un festival. Todo se siente nuevo otra vez. Quiero hacer una gira por Estados Unidos con The Violent Hour. Quiero hacer una gira por Europa. Quiero tocar en los grandes festivales otra vez. Y quiero sentir esa emoción, esa emoción inicial otra vez.

¿Cómo es lo de trabajar con tu pareja? ¿Está bien? ¿Separáis el tiempo de trabajo y el tiempo social? ¿O trabajáis las 24 horas pensando en la música?

Sí… Mi vida es prácticamente trabajar 24 horas al día, porque tengo un trabajo de día y luego escribo música en la noche. Pero trabajar con Charlie fue increíble, todo muy orgánico. Como dije, nos despertábamos por la mañana, tomábamos café, y él empezaba a tocar algunos riffs. Cuando escribe la canción, la música, realmente no me meto mucho en eso, porque es muy bueno en lo que hace, y honestamente, se adapta a mis gustos. Así que él sabe cuándo está escribiendo algo si me va a gustar o no.

No hay duda de ello. Esa parte es realmente fácil. A veces es muy opinativo cuando se trata de mis letras. Y al principio yo estaba como… que tengo que ser muy fuerte y decir: “no, no voy a cambiar esto”. Me encanta. Así que, discutimos un poco sobre ciertas cosas, pero en su mayoría él me da la libertad para hacer mis voces como quiero, y yo le doy libertad para hacer la música, y confiamos el uno en el otro.

Bueno, terminemos con nuestras tres preguntas clásicas. La primera es: ¿Cuál fue el primer álbum que compraste con tu propio dinero?

El primer álbum que compré con mi propio dinero fue Appetite for Destruction, porque escuché “Welcome to the Jungle” en la radio, y esa fue la primera canción que me puso la piel de gallina y me emocionó mucho por la música, y tuve que tenerlo. Ahora estoy viendo un DVD, que está en Disney, pero en la música del mismo aparece el “Welcome to the Jungle”, y es el mismo riff en cada capítulo, así que tengo esa canción metida en mi mente ahora.

La segunda pregunta es: Si tuvieras todo el dinero del mundo para gastar solo en un concierto, en un show en vivo, ¿Qué espectáculo te gustaría hacer?

¿Oh, puedo hacer lo que quiera para un concierto? Vaya, esa es buena, sí. Definitivamente una pasarela, y luego los elevadores, y tal vez algo aéreo, siempre he querido volar sobre la multitud. ¿No sería genial? Me encantaría hacer eso.

Vamos con la última. ¿Recuerdas la primera vez que lloraste en un concierto? ¿Recuerdas la canción y la banda?

La primera vez que lloré en un concierto… esta es difícil. Te diré que lloré la primera vez que vi a Guns N’ Roses, porque no pude verlos cuando era adolescente. Mi mamá pensaba que estaba demasiado obsesionada con Guns N’ Roses, así que no me dejó ir. Así que la primera vez que vi a Guns N’ Roses, ya era mayor. Y cuando Axl salió al escenario y empezó a cantar, simplemente me derrumbé porque instantáneamente volví a ser una niña de 11 años en 1987, la Carla de 11 años, que estaba completamente obsesionada. Esas canciones tienen mucho significado para mí, son muy importantes. Pero también os diré que Charlie y yo vimos a Elton John hace un par de años. Ahí también lloramos. Hemos llorado en muchos conciertos.

Tengo que decir que la primera vez que lloré fue con Guns N’ Roses cuando tocaron “Civil War”.

Ah, mira, entonces tenemos algo en común. Sí, me encanta.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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5 de julio de 2025 – Genting Arena – Birmingham

Back to the Beginning

Fotos: Louder Sound, Pere Guiteras, Gabriel Matos y «Nil»

Crónica: Pere Guiteras

Para un servidor es un auténtico placer empezar a formar parte de la redacción de Stairway to Rock, con la crónica del que seguramente será el mayor evento de metal que presenciaré en mi vida. Como seguidor acérrimo de Black Sabbath (llevo tatuados a Henry, su icónico ángel caído, en el hombro izquierdo, junto al ángel de Led Zeppelin en el otro), tuve suerte de no perderme esta mastodóntica cita, cuyas 40.000 entradas volaron en menos de quince minutos, con más de 500.000 personas registradas en listas de espera online.

A sabiendas del esperado revuelo, Sharon Osbourne anunció que las actuaciones se transmitirían asimismo a través de un streaming de pago por 26,99€, a partir de las 16:00h CET del mismo día. Producido por Mercury Studios, consiguió batir un Guiness World Records, con más de 5.8 millones de espectadores simultáneos.

El cuatro de febrero de 2017 ya fui afortunado de estar en el concierto final de su gira de despedida The End Tour, que se celebró en el Genting Arena de Birmingham. El pasado cinco de febrero, ocho años después de esa cita de ensueño, cuando se anunció este Back to the Beginning tuve claro que haría todo lo posible para disfrutarlo en directo.

Evidentemente la situación era muy diferente que antaño, ya que en esta ocasión se retirarían con la formación original sobre el escenario, incluso con el batería Bill Ward, con quien habían tenido notables diferencias. En ese entonces, con Tommy Clufetos sustituyéndolo, descargaron un setlist completo, algo que quedaba descartado por los problemas de salud del propio Ward y de Ozzy, quien actuó sentado sobre un negro trono coronado por un murciélago.

Para conmemorar semejante efeméride era necesario un cartel de bandas y músicos a la altura, que iremos desvelando a lo largo del artículo. El recinto escogido fue el Villa Park, estadio del equipo de futbol del Aston Villa F.C., que fue equipado con tres pantallas gigantes, para que pudiéramos ver las actuaciones desde cualquier localidad. Andy Copping, de la promotora Live Nation, explicó que estuvo dos años trabajando detrás del acontecimiento, cuyo director musical fue Tom Morello, antiguo guitarrista de Rage Against the Machine.

Mastodon

La banda encargada de abrir la anhelada velada fue Mastodon alrededor de las 13h, si bien poco puedo hablar sobre su actuación. Debido a las inmensas colas para acceder, mi amigo y yo llegamos justo cuando estaban terminando, con la versión de Black Sabbath de “Supernaut”. Se les unieron entonces los bateristas Mario Duplantier de Gojira, Danny Carey de Tool y Eloy Casagrande, ex de Sepultura y ahora en Slipknot. Antes habían tocado dos canciones propias: “Black Tongue” y “Blood and Thunder”. Recientemente Brent Hinds, su guitarrista y vocalista, había abandonado el grupo, tras veinticinco años girando juntos desde su fundación.

Rival Sons

Poco después saltó sobre el escenario el presentador Jason Momoa, actor conocido por sus papeles en Game of Thrones o Dune entre otros, para caldear el ambiente y dar paso a Rival Sons, formación que ya teloneó a Sabbath durante el The End Tour. Estuvieron correctos, con dos temas propios como “Do Your Worst” y “Secret”, además del cover en medio de “Electric Funeral”.

Anthrax

El primer punto fuerte de la tarde llegó con mis queridos Anthrax, a quienes hacía tiempo que no veía en directo, si bien fue demasiado breve. Uno no puede evitar animarse cuando Belladonna entona el clásico Indians, así como un peculiar cover de Into the Void, pero no tuvieron más tiempo. Cuando apareció un video de Marilyn Manson para felicitar a los de Iommi no fue bien recibido por parte del público, a raíz de las recientes acusaciones de abuso sexual, para poco después mostrar por las pantallas otros agradecimientos de Jonathan David de Korn.

Halestorm

En una mayoría de artistas masculinos, cabe destacar la presencia de Lzzy Hale y sus Halestorm. A pesar de no haber escuchado con anterioridad su propuesta musical, he de reconocer que tuvieron muchas tablas. Tras un par de composiciones propias como “Love Bites (So Do I)” y “Rain Your Blood on Me”, vino la primera versión de Ozzy, en “Perry Mason”.

Lamb of God

Poco después se proyectó una felicitación en video del gran Billy Idol. Era el turno para Lamb of God, que inicialmente sonaron algo fuera de lugar, pero no tardaron en ponerse a los oyentes en el bolsillo con “Laid to Rest”, “Redneck” e hicieron propia “Children of the Grave”. Su vocalista, Randy Blythe terminó tirando al público sus zapatillas, en uno de los momentos cómicos de la noche. También nos sacaron unas risas la aparición de Ozzy en la película Little Nicky (2000), así como diferentes parodias como la de The Sixth Sense (1999) que se fueron mostrando para entretener los descansos (cuando no tocaba el DJ), que en su día ya aparecieron durante el Ozzfest.

Supergrupo 1

Tomarían el relevo uno de los dos supergrupos formados por Tom Morello, si bien él participaría directamente en el segundo. La ya mencionada Lzzy Hale, junto al gran guitarrista Jake E. Lee, otrora miembro de Ozzy, que compartió las seis cuerdas con Nuno Bettencourt de Extreme, el ex bajista de Megadeth David Ellefson, el batería de Faith No More Mike Bordin y Adam Wakeman en los teclados (quien también estuvo en Ozzy y es hijo de Rick Wakeman de Yes). Versionaron “The Ultimate Sin” de Ozzy, para luego entrar en las voces David Draiman de Disturbed, quien fue ampliamente abucheado por los asistentes, por apoyar el genocidio palestino. Este tocó “Shot in the Dark” y, cuando se le unió Scott Ian de Anthrax, “Sweat Leaf” de Black Sabbath.

Fue sustituido después por Whitfield Crane de Ugly Kid Joe, quien cantó “Believer” de Ozzy. Especialmente emotiva resultó la increíble versión de “Changes” de Black Sabbath realizada por YUNGBLUD, que nos encandiló con su registro. Para estas dos últimas entró Frank Bello de Anthrax en las cuatro cuerdas. Nuno la dedicó a su congénere Diogo Jota, futbolista del Liverpool F.C. recientemente fallecido en un accidente de tráfico, junto a su hermano.

Poco después se emitió un video de la interpretación de Mr. Crowley hecha por el crack de Jack Black (cantante de los cómicos Tenacious D y actor de School of Rock, entre otras), junto a niños como Revel Ian en el bajo, Roman Morello (hijo de Tom Morello) en la guitarra, Yoyoka Soma como batería y Hugo Weiss en los teclados. Como en su día hiciera Ozzy con el añorado Randy Rhoads, Jack terminó levantando a Roman durante el solo.

Alice in Chains

Saltaban sobre el escenario una de las pocas bandas de grunge todavía en activo: Alice in Chains, que empezaron con dos temazos como “Man in a Box” y “Would?”, que fueron seguidos por una versión de “Fairies Wear Boots”.

Gojira

Después de emitirse otro homenaje de la genial Cindy Lauper, aparecía una mezcla musical muy diferente, de la mano de Gojira. Su death progresivo nos pilló desprevenidos con “Stranded” y “Silvera”, para culminar con la adaptación que ofrecieron durante los JJOO de verano de París 2024: Mea Culpa (Ah! Ça ira!), en la que contaron con la poderosa mezzo-soprano Marina Viotti, también para esta ocasión. ¡Por algo se alzaron este año con el Grammy a la mejor interpretación de metal! Agradecimos asimismo el poco habitual cover de Under the Sun de Black Sabbath. Dolly Parton también felicitó a la banda en vídeo.

Segundo supergrupo

Morello introdujo un breve Drum-Off, con los baterías Travis Barker de Blink-182, Chad Smith de Red Hot Chili Peppers y Danny Carey de Tool, que versionaron parte de “Symptom of the Universe” también de los Sabbath, junto al propio Tom, Bettencourt y Rudy Sarzo, bajista de Quiet Riot. Poco más tarde sorprendieron a propios y extraños, con la incorporación de Billy Corgan de Smashing Pumpkins en las voces, el guitarrista legendario K.K. Downing de Judas Priest y el también guitarrista Adam Jones de Tool. Este segundo supergrupo interpretó “Breaking the Law” de los Judas (Corgan y Halford solo se parecen en su peinado), además de “Snowblind” de Sabbath. A Billy se le notó algo fuera de lugar, pero a buen nivel.

Bajaron las revoluciones con la entrada del ex Van Halen Sammy Hagar, que versionó “Flying High Again” de Ozzy e interpretó Rock Candy de sus Montrose. Tomó su lugar en las voces Papa V Perpetua de Ghost, para versionar “Bark at the Moon” también del Príncipe de las Tinieblas. El colofón de este último supergrupo lo puso el mítico Steven Tyler. Nadie creería su diagnosticada fractura de laringe, ya que estuvo excepcional con “The Train Kept A-Rollin’” de Tiny Bradshaw, hecha famosa por su banda de hard rock y junto a Ron Wood de The Rolling Stones, “Walk This Way” de sus recientemente retirados Aerosmith, además de versionar magistralmente “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin.

Pantera

Jason Momoa introdujo encantado a Pantera, para poco más tarde meterse de lleno en el pogo como cualquier seguidor. Creo que vi mejor a los de Anselmo durante el pasado Rockfest, pero animaron al público con “Cowboys from Hell” y “Walk”, además de las versiones de “Planet Caravan” y “Electric Funeral” (por segunda vez en la noche, quizás podrían haberse puesto de acuerdo con Rival Sons), de la homenajeada banda del bajista Geezer Butler. En claro contraste aparecieron después los progresivos Tool, cuya adaptación de “Hand of Doom” les encajó como el guante, para su apuesta musical introspectiva, así como ofrecieron dos propias como “Forty Six & 2” y “Ænima”, ambas de su segundo disco.

Slayer

Era la hora de tomar fuerzas, ya que se venían los platos fuertes de esta megalítica cita. Sobre las 19h salía al escenario un clásico del thrash americano del nivel de Slayer. Como era de esperar, pasaron como un auténtico maremoto sobre nuestras cabezas, con un setlist que empezó con “Disciple” y “War Ensemble”. Los de Tom Araya intercalaron luego su tributo de “Wicked World” con la propia “South of Heaven”, para finalizar por todo lo alto con “Raining Blood” y “Angel of Death”.

Guns N’ Roses

Seguramente el punto más flojo de todas las actuaciones lo dieron Guns N’ Roses. Iniciaron con tres atípicas covers como “It’s Alright” (parte de ella, con Axl Rose en el piano), seguida por “Never Say Die” y “Junior’s Eyes” del mismo elepé. Levantaron a los confundidos espectadores con “Sabbath Bloody Sabbath” y, en especial, con sus “Welcome to the Jungle” y “Paradise City”. Musicalmente muy competentes, pero se nota que la voz de Axl ha vivido tiempos mejores.

Metallica

Después de un mensaje de reconocimiento del cómico británico Ricky Gervais, las luces se centraron en la última banda invitada: los célebres Metallica. Toda su actuación fue redonda: desde las inesperadas versiones de “Hole in the Sky” y “Johnny Blade” de Sabbath, además de las composiciones conocidas de los de Hetfield como “Creeping Death”, “For Whom the Bell Tolls”, “Battery” y “Master of Puppets”. Quizás por momentos no del todo preciso Hammett, si nos ponemos puntillosos, mientras que Trujillo estuvo excelente. La última de las dedicatorias estuvo reservada para el carismático Sir Elton John, muy querido por todos.

Ozzy Osbourne

La espera aumentaba nuestras expectativas al límite, para despejar la incógnita sobre la actuación de Ozzy Osbourne en su estado de salud actual. Y lo cierto es que, tanto en solitario como junto a sus eternos compañeros de banda, resolvió de manera digna la papeleta, a pesar de su limitada movilidad. Junto a Zakk Wylde en la guitarra, Adam Wakeman en los teclados, Tommy Clufetos en la batería y Mike Inez de Alice in Chains en el bajo, cayeron temazos como “I Don’t Know”, la hipnótica “Mr. Crowley”, “Suicide Solution”, la emotiva “Mama, I’m Coming Home” y la pegadiza despedida de “Crazy Train”, para deleite nuestro.

Black Sabbath

Como guinda final, un vídeo sobre la historia de Black Sabbath, con música de “Sabbra Cadabra”, nos hacía relamernos los dientes ávidos del anhelado postre. Después de interpretar el inicio de su canción homónima, los padres del metal iniciaron con un himno como “War Pigs”. Aunque fuera durante poco tiempo, se notó lo mucho que disfrutaron sobre el escenario Tony Iommi como maestro de los riffs doom, Geezer Butler como brújula vital en su bajo, Bill Ward sin camiseta marcando el ritmo en la batería y Ozzy Osbourne entonando clásico tras clásico.

Todos ellos fueron introducidos durante “N.I.B.”, tras el célebre solo en las cuatro cuerdas de Butler, en esta canción que nos habla en tono cómico de Lucifer enamorándose. Los que fuimos afortunados en asistir estallamos en éxtasis con “Iron Man” y “Paranoid” como desenlace de la velada, que terminó con fuegos artificiales y con sus compañeros entregándole emocionados una tarta a Ozzy. ¡Auténtica magia grabada a fuego en nuestras memorias!

Todos nos fuimos a casa con un inmejorable sabor de boca, pero hay algunas cosas que se podrían haber mejorado y debemos resaltar. Creo que la alternativa de convocar a menos grupos pero otorgarles un mayor tiempo de actuación seguramente estuvo sobre la mesa. También me parece algo grave que, ya que se recordó el legado de Black Sabbath, debería haberse reconocido el indispensable papel de Ronnie James Dio en la banda, aunque fuera con alguna versión, por no hablar de otros vocalistas directamente ninguneados como Tony Martin.

Si bien fueron acompañados por un sinfín de músicos de enorme prestigio, se echó demasiado de menos a la banda que refinó el metal parido por Sabbath: Judas Priest, procedentes de la misma ciudad, que durante esa fecha tocaban en Hannover, Alemania, para festejar los sesenta años de carrera de Scorpions. Dejamos a continuación el homenaje particular de la banda liderada por Rob Halford, con esa versión excelsa de “War Pigs” de Black Sabbath:

Para finalizar, cabe mencionar que se recaudaron más de 140 millones de libras, que se destinarán íntegramente a organizaciones benéficas como Cure Parkinson’s (enfermedad que el propio Ozzy padece), el Hospital Infantil de Birmingham y el Hospicio Infantil Acorn.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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También anunciaremos otro fichaje en la redacción (que es quien cubrirá el evento), que crece en número y en calidad. Pero realmente la noticia no es Stairway to Rock y sí la despedida sonada en la que… ¡estará Bill Ward! Se suele decir que es una locura que esté Ozzy, pero es que siempre que montaron algo el baterista se caía a último momento.

Back to the Beginning es un próximo concierto de la banda de rock inglesa Black Sabbath, programado para el 5 de julio de 2025 en Villa Park, en Aston, Birmingham.

Se prevé que sea el concierto final tanto de la banda como del vocalista Ozzy Osbourne. También marcará la primera vez desde la gira de 2005 de Ozzfest que la formación original de la banda (Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward) actúe junta en directo.

El nombre del evento hace referencia a la formación de la banda el año 1968 en Birmingham.

El evento durará 10 horas y media, desde las 12:00 hasta las 22:30.

Tom Morello será el director musical del concierto y Jason Momoa presentará el evento durante todo el día.

El promotor Andy Copping ha dicho que el evento utilizará un escenario giratorio para cambiar rápidamente entre actos musicales, un concepto usado ya en 1985 en el Live Aid.

Las entradas para el concierto se agotaron en 16 minutos. El concierto se transmitirá en línea mediante pago por visión, con un retraso de transmisión de tres horas, comenzando a las 15:00.

Los beneficios del concierto se destinarán a apoyar Acorns Children’s Hospice, Birmingham Children’s Hospital y Cure Parkinsons.

Las bandas participantes serán:

• Black Sabbath

• Ozzy Osbourne

• Metallica

• Guns N’ Roses

• Slayer

• Tool

• Pantera

• Gojira

• Halestorm

• Alice in Chains

• Lamb of God

• Anthrax

• Mastodon

• Rival Sons

Y los músicos invitados…

• Frank Bello

• Mike Bordin

• Billy Corgan

• Whitfield Crane

• Jonathan Davis

• K. Downing

• David Draiman

• Fred Durst

• David Ellefson

• Sammy Hagar

• Lzzy Hale

• Scott Ian

• Jake E. Lee

• Duff McKagan

• Tom Morello

• Papa V Perpetua

• Vernon Reid

• Rudy Sarzo

• Slash

• Sleep Token

• Chad Smith

• Soundgarden

• Steven Tyler

• Andrew Watt

• Zakk Wylde

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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Estará el próximo día 15 de noviembre en la sala Rocksound de la mano de la promotora Rock Chicks y parece que esta vez viene con una banda al completo. Sus últimos intentos de llegar a los conciertos con la banda siempre han fracasado. Apunta todo pues a una noche de diversión en la que lo imprevisible será la tónica. La última vez que le vi en directo paró el concierto para venir a tomar una copa conmigo. Así que el día 15 llegan emociones fuertes.

Como el amigo no se ha estirado a la hora de responder hemos hecho “una entrevista dentro de una entrevista” para daros toda la información, como en la película “Origen”. De Leonardo Di Caprio hace Jesús Valverde y de Christopher Nolan Jordi Tàrrega:

La última vez que te vi en directo tocaste tú solo. ¿Qué es lo que vamos a ver en tu próxima gira? ¿Adam Bomb sólo o con banda?

Tengo una banda completa para esta gira. En el último tour cometí un error girando con unos tíos de Madrid que no tenían ni idea de lo que era vivir en la carretera. Pero ahora he armado un buen equipo junto a Ian Hawkins (de Inglaterra) al bajo y Ralph Bouchara a la batería (de Francia).

He estado mirando algunos de tus últimos set lists y en algunos conciertos has llegado a tocar más de 40 temas. ¿Nos va a tocar ir a dormir tarde ese día?

No lo creo. Vamos a tocar en el Rocksound y normalmente en ese bar tienen una hora límite para la música en directo.

Cómo defines tu música. ¿Glam rock con alma gitana sería una buena aproximación?

Rock a alto volumen con muchos de trucos de guitarra.

Cuéntame por qué rompiste con Get Animal. Tus dos discos eran muy buenos, tenías un buen grupo con el bajista KK McKay y estabais en SPV, que es una muy buena discográfica…

Es una larga historia… Lo cuento en mi libro “Druggy Stardust & Empress in Clubland”:

Ya que el amigo Adam Bomb no quiere hablar del tema, posiblemente por pereza, y ya que en el concierto de Haggard pude hablar con Jesús Valverde sobre Adam Bomb, os amplio los datos entrevistando (dentro de la entrevista) al que fuera el dueño de Discos Rocknellà, exbatería de Samarkanda y… (pocos lo sabíais esto) batería de Adam Bomb por un breve tiempo:

¿Cómo llegaste a hacer las pruebas para batería de Get Animal – Adam Bomb?

Para contestarte a esta pregunta tenemos que remontarnos a el año 1999/2000 si mal no recuerdo, cuando Get Animal abrió los conciertos de WASP en la gira de Helldorado. Yo conocía la trayectoria de Adam, pero no tenía ni idea de Get Animal. ¡Aquel trío me voló la cabeza en su concierto de Barcelona! Era autentico Rock n Roll callejero sin aditivos. Desde aquel día me hice fan de la banda.

 

Pocos meses después actuarían en el Hard Rock Café Barcelonés y acudí a verlos. Aquel día pude charlar con dos miembros de la banda Adam, por aquel entonces apodado Pink Gibson, y con Dennis Marcotte, que por aquel entonces era apodado como K.K Mckay. Con este último, que residía en Barcelona por aquellos años, fue con quien más conecte. De hecho, nos invitó a mi mujer y a mí a la celebración de su cumpleaños en su casa, donde también acudieron Tyla de The Dogs D’amour o el promotor Robert Mills.

 

Aquella noche me comento que la banda estaba cansada de tener a un mercenario como batería y que querían tener un batería propio que se involucrara en el grupo. Su batería en esos años pertenecía a una banda española que ahora mismo no recuerdo. No me lo pensé dos veces y le dije: «¡Soy el tipo que buscáis!». La gente que me conoce sabe que soy un melómano y me gustan muchos estilos dentro del Rock / Metal, pero lo que más, es el Hard Rock de corte más americano y sleazy.

 

Él me contesto «¡Ok, hagamos una audición!». Y así fue. Por aquel entonces yo militaba en la banda Samarkanda, y tras comentarles a mis compañeros que me había salido la oportunidad de tocar con una banda con un par de discos en el mercado, y con la intención de girar por todo el mundo, me dijeron que adelante, que no me lo pensara, es más, para la audición me dijeron que usara nuestro local de ensayo. ¡No lo olvidaré en la vida!

 

Fue un domingo al mediodía cuando dicha audición se iba a realizar. Por nuestro local apareció K. K. Mckay con su bajo, pero… ¿dónde estaba Adam? Me dijo que él se encargaba de todo ya que Adam no estaba en España. Empezamos a tocar varios temas de sus discos y aquello sonaba realmente genial. Hicimos una pausa y K.K Mckay me dijo: «¡El puesto es tuyo!». La verdad es que me hizo mucha ilusión, ¡imaginaros mi cara! Acto seguido me dio una camiseta que sólo, según me dijo K.K., la tenían los miembros de la banda. Camiseta que aún conservo.

 

Me dijo que había preparada una gira abriendo para bandas de renombre. Aunque estaba muy contento había algo que no me cuadraba… ¿Qué pensaría Adam de esta decisión? Le dije que cuando hablara con Adam y todo estuviera Ok, que me avisara. Fueron pasando los días y no tenía noticias, hasta que me enteré que habían tenido una gran discusión los dos y la banda se había disuelto.

 

Por lo visto Adam volvía a hacer cosas en solitario. Poco después de esto incluso estuvo tocando con Michael Monroe. Aunque parezca extraño, me alegré de no haber empezado la gira y que hubiera habido problemas después. Yo me jugaba mucho en esta historia. Poco a poco nos fuimos distanciado K.K Mckay y yo hasta perder el contacto.

 

Personalmente creo que Adam ni siquiera me recuerda y quizás nunca supo de aquella audición.

 

Finalmente, la cosa quedó en nada y disolvió el grupo. ¿Qué pasó realmente desde tu punto de vista?
Personalmente creo que hubo diferencias a la hora de cómo llevar la banda y como seguir adelante. Su segundo trabajo salió con una discográfica conocida como Steamhammer y parecía que la banda iba hacia arriba, pero no fue así.

 

¿Qué es lo que te gusta más de Adam Bomb?

Sin duda su tesón. No ha tirado la toalla nunca. Su trayectoria es alucinante. Además de codearse en su momento con músicos de renombre. Tocó con la banda TKO, hizo una audición para KISS tras la salida de Ace Frehley, compartió apartamento con Izzy de Guns n’ Roses y un largo etc… Sin olvidarnos que estuvo en Geffen Records, sello que lanzó a muchos músicos al estrellato. 

 

Otra de las cosas que me gusta es que es un auténtico rockstar, en el escenario es una apisonadora. Da igual si toca para 100 o para 1000, lo da todo en escena. Su actitud es 100% autentica.

¿De dónde sacaste tu preciosa guitarra rosa?

Yo considero que fue ella la que me encontró a mí. Y sí, es un símbolo del rock and roll en general.

¿Nos puedes contar la historia de cuando un perro te rompió la guitarra en Barcelona? 

Un perro que pasaba por allí olió la sangre que salpicaba mi guitarra. Estábamos quitando el equipo después de haber tocado de teloneros de Metal Church (fue en la sala Garatge en 1999). El perro subió a la camioneta y la guitarra se estrelló contra el suelo.

Me encanta cuando quemas tu guitarra… ¿Por qué te decidiste por este truco?

Empecé a hacerlo cuando estaba en el final de una gira en Madrid. Fue en 1996.

A lo largo de todos estos años has llegado a tocar con gente como Michae Monroe, Izzy Stradlin, Geoff Tate, Steve Stevens, Tommy Thayer… ¿Si pudieras elegir a tu propia banda, a quién elegirías?

Yo siempre prefiero para mi banda a chicos que no beban hasta caer borrachos en la Gran Vía de Barcelona y que me abandonan cuando la gira pasa cerca de su casa. Michael Monroe es un buen líder. Siempre lo recuerdo escalando en el Mephisto de Barcelona cuando abrí para él hace ya muchos años. Se quedó allí atrapado durante cinco minutos.

¿Qué hay de cierto de que pudiste entrar a tocar en Guns N’ Roses y en KISS?

La verdad es que son historias muy largas para que te dé una respuesta correcta a ello. Te remito a mis libros. Pero para darte una respuesta rápida te diría: En Guns N’ Roses sí y en KISS no.

¿Por qué te decidiste por hacer la versión de Antonio Flores de “Siete vidas tiene un gato” (“Siete lonchas tiene un gramo”) y por qué cambiaste la letra en versión drogadicta?

Me enamoré de España al descubrirla. Las letras las cambié estando con mis compañeros de sustancias ilegales. Hicimos broma y terminamos haciendo una parodia de su canción. Creo también que Antonio era jodidamente cool.

¿Cuál es el truco de directo que siempre le hubiera gustado hacer a Adam Bomb pero nunca ha logrado?

Me encantaría tocar en la plaza de toros de Madrid o en el “estadio de Barcelona” (no especifica cuál).

¿Dónde te ves dentro de 10 años?

Ojalé siga respirando. Y si sigo vivo seguiré tocando rock and roll y fumando porros.

Gracias Adam, nos vemos el día 15 de noviembre en el Rocksound.

Gracias Jordi (en castellano), ¡Rock like Fuck!

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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9 de junio de 2025 – Estadi Lluís Companys – Barcelona

Live Nation

Fotos: Marc Tomàs i Gimó

Crónica: Jordi Tàrrega

Me niego a tener malas palabras hacia una banda que me marcó para siempre y por la que he llegado a derramar alguna lágrima de emoción. Pero no fue en este concierto, en el que sufrí de añoranza a pesar de que el grupo en si tocó muy bien, están en plena forma y Axl está motivado y vuelve a tener un gran aspecto físico. No paró ni un momento y fueron tres horas largas de concierto. Pero se ha perdido la magia y la voz del astro ya no ilumina como antaño. Y ya no digo del Axl de los 90, digo del Sr. Rose de 2011 cuando te erizaba el vello cuando cantaba ese primer tramo de “This I Love”, que, por cierto, tocaron en la ciudad condal.

Mr. W.A.R. sigue siendo como es y de él espero que aparezca media hora tarde o que vete a la prensa. Pero ya sabemos que toda acción tiene una reacción y que los videos de la gente o las ganas que tenemos de escribir sobre ellos tampoco van a impedir que dediquemos unas líneas, por placer, a uno de los grupos que más nos han hecho vivir el rock a lo largo de nuestras vidas. Y el problema de Guns es el mismo que tienen Dream Theater con LaBrie, pero es que tampoco podemos quejarnos de que el paso del tiempo haga mella en nuestros héroes. Digno concierto del que salí enamorado del gran Duff McKagan.

Rival Sons, “Sons” de sala y no de telonía

Los californianos me parecen una banda tremenda que quedó especialmente desdibujada en un gran escenario, con el sonido algo capado y con la gente hablando y estando por otras cosas. Entraron con la intro mítica de Ennio Morricone, y de verdad, que seguro que hay más entradas musicales… Grandes en “End of Forever” y especialmente en “Electric Man” (temazo), con un Jay Buchanan especialmente motivado, vestido de rojo y descalzo. Era mi primera experiencia en vivo con ellos y muero de ganas de verles en su propio show en sala.

Dos valkirias les acompañaban en el telón rojo de fondo y el feeling que tienen se perdió en la lejanía del estadio. Su hard rock con tintes setenteros lució a medias con esa preciosa guitarra Gretsch azul de Scott Holiday y piezas certeras como “Secret”. Juegan con los riffs y se nota que saben lo que proponen, que dominan los grandes recintos, pero el horario diurno y la gente, no acompañaron a un grupo realmente especial, llamado a hacer grandes cosas en un futuro inmediato. Agradecieron a Guns el hecho de estar allí y dijeron que ellos tocan rock n’ roll… Bonita declaración de principios.

Guns N’ Roses cumplen sin convencer

Con media hora de retraso aparecieron nuestros Bad Boys favoritos atacando fuerte y a la yugular: “Welcome to the Jungle”. Sonido horroroso y un Axl que lo dio todo y que se quedó sin fuelle a las primeras de cambio por mucho que su actitud y despliegue físico fuera rotundo. Dados de fondo en la canción que toma nombre del día que llegó Axl en bus desde Indiana. Un vagabundo le dijo: “sabes dónde estás? Estás en la jungla baby”. Reposó el cantante con un “Mr. Brownstone” de tonalidades más bajas, acompañada de imágenes psicodélicas y calaveras. Una alegoría de la temática de la canción, pues versa sobre las drogas.

Rose se sacó las gafas de sol, dio el “Good Evening” de rigor y pasaron a “Chinese Democracy”. El sonido fue mejorando, pero la guitarra de Slash apenas de oía. Las coristas ayudaban, pero eran bastante inaudibles y la cosa lució luego con el “Bad Obsession”, seguida del “Out ta Get Me”, de corazón muy AC/DC. Vimos que el bueno de Duff lucía un chaleco con “L.A.M.F.” en letras azules, todo un homenaje a los Heartbreakers y a Johnny Thunders por extensión. El de Seattle brilló muy especialmente en lo vocal. Y ya que hablamos de homenajes, cayó el “Slither” de Velvet Revolver y luego esa joyaza perdida que es “Absurd”, especialmente punk.

A partir del “Live and Let Die” de los Wings la cosa mejoró, pero ese gran momento que es este tema en directo tampoco nos hizo despegar. “Double Talking Jive” fue absolutamente guitarrera con Slash de absoluto protagonista, pero luego llegó el turno de “You Could Be Mine” y la gente se volvió loca. Había referencias a Terminator en las pantallas, con esa mano de cyborg para luego hacer cantar a toda la parroquia Gunner con la versión de Dylan: “Knocking on Heaven’s Door” Los tonos azulados y la corista ayudaron en uno de los grandes momentos del directo.

Duff inició con su bajo el “Hard Skool”, un temazo que es puramente Guns de la buena época y que en su día cayó en el olvido. Directa y muy cruda, pero no lució para nada el “Yesterdays”. Mítica canción en la que se evidenció que Axl ha ido perdiendo esos detalles únicos de su portentosa voz. Vino acompañada de imágenes de un reloj de fondo. No hubo interacción alguna con la gente y naufragaron en un “Rocket Queen” en el que el vocalista lo pasó especialmente mal. Slash jugó con una talk box a modo de curiosidad. Mejoraron en “Better” y “Coma”, y luego momento de reposo para el divo mientras Duff lo bordaba vocalmente con el “Attitude” de los Misfits. Sencillamente espectacular. Richard Fortus estuvo exquisito en el trabajo de equipo.

Y toca destacar, de entre lo mejor de la noche, ese “It’s so Easy”. Y es que en los tonos más bajos Axl sigue siendo Axl. Y si la última vez lloré con “Civil War”, no puedo decir que sucediera lo mismo esta vez. Guiño a Hendrix y presentación de la banda para pasar al solazo de Slash, siempre espléndido. El delirio generalizado y los móviles en alto saludaron al inicio de “Sweet Child O’ Mine”, seguida por ese baladón que es “November Rain”, con piano de cola incluido. De verdad que cuando suenan estas inmortales canciones se te pasan todos los males. Axl a esas alturas vestía una camisa hawaiana para dar color.

“Wichita Lineman” fue la concesión acústica que derivaría en la preciosa “Patience” en la que Rose llegó a silbar incluso. Estos detallitos siempre gustan… Camisa de brilli brilli y cruces de fondo. Y de verdad que aquí W.A.R estuvo muy bien, llegándose a adornar. Incluso añadiría que fue de menos a más… Y sorprendieron a propios y extraños con el “This I Love”, tema que adoro, pero en el que veo que todo ha ido para abajo. Y es que a nivel vocal se defendió bien, pero años ha, cuando terminaba los versos del principio de esta canción, la gente aplaudía a rabiar… y eso ya no sucede.

Me sorprendió que la versión de U.K. Subs “Down in the Farm” la cantase Axl y no Duff. Y ya encarando el final cayó el “Estranged”. Por fin pudimos escuchar un poco de la labor del percusionista. Y en esa remontada vocal pudimos dejarnos la voz en el “Nightrain”, una de las más grandes canciones que nunca ha creado esta banda definitiva. Estaba claro que el fin de fiesta lo iba a poner “Paradise City”, pero la fiesta final no incluyó confeti ni pirotecnia, ni nada. El protagonismo fue de lo musical y sin aditivos.

Los comentarios al salir iban en la línea de esta crónica y lo agridulce era el sabor dominante, pues hay pólvora y espinas, pero el tiempo ha pasado y la gente sigue empecinada en que los Guns de 2025 suenen a los de 1993. Tres horas de concierto, un estadio muy lleno, por mucho que haya quien quiera decir lo contrario, y un repertorio que no incluyó “Don’t Cry”, pero que me sigue pareciendo espectacular. De mis cinco experiencias con Guns ha sido la peor de todas, pero para nada hablaría de mal concierto, ni mucho menos. Querer enterrarles es una estupidez, simplemente hay que asumir que no estamos en 1993. Yo repetiré cada vez que vuelvan.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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Celebramos la visita de Guns N’Roses a Barcelona con un reportaje de 14 páginas. Ánchel P. Sol, autor de la biografía de G N’R, El crimen perfecto, repasa la actualidad de la banda desde la reunión, la nueva gira y el material que podría formar parte de su próximo disco.

Frank Meyer (Streetwalkin’ Cheetahs, Trading Aces) recuerda la primera vez que vio a Axl Rose en directo con su banda Rapid Fire, y el primer concierto de Guns N’ Roses al que tuvo oportunidad de asistir, mucho antes de la publicación de Appetite For Destruction.

Además, Ánchel y Alberto Díaz comentan las canciones más representativas de la historia del grupo.

Samantha Fish se ha convertido en una de las grandes revelaciones del blues rock en los últimos años. Hablamos con ella sobre su evolución hasta ahora y comentamos además toda su discografía, en un artículo de 8 páginas.

Otra de las grandes estrellas del blues rock actual que aparece en este número es Erja Lyytinen. Fernando Tanxencias charló con ella sobre su trayectoria, sus encuentros con leyendas como Robert Plant o Carlos Santana, y su admiración por bandas como Deep Purple, Black Sabbath o… Anthrax!

La vieja guardia del blues también está presente en este número. Entrevistamos nada menos que a Taj Mahal y a Keb’ Mo’, que acaban de publicar su segundo álbum conjunto, Room on the Porch.

Con motivo del cuarenta aniversario de Misplaced Childhood de Marillion, Modes García analiza la grabación del disco y su correspondiente gira, y de paso recuperamos algunas imágenes de sesiones de fotos de la banda con Popular 1 en 1984 y 1985.

Además, Jordi Tàrrega cubre el reciente Marillion Weekend en Girona con fotos de Enric Minguillón.

Se cumplen treinta años del inolvidable programa televisivo de José Luis Garci, ¡Qué grande es el cine!, de modo que Rafa Gómez y Miguel Tovar han dedicado un artículo de homenaje al director, en el que además comentan sus libros y su actual podcast, Cowboys de medianoche.

The War and Treaty publicaron recientemente su nuevo álbum, Plus One, y ofrecerán tres conciertos en España en julio. Hablamos con Michael Trotter Jr. y Tanya Blount sobre sus experiencias con Don Was y Buddy Miller, o su admiración por parejas artísticas como Marvin Gaye & Tammi Terrell o Ashford & Simpson, entre otras muchas cosas.

Blue Öyster Cult también nos visitan pronto. Tocarán en el BBK Legends Festival. Fernando Tanxencias charló con Eric Bloom sobre el breve período que pasó viviendo en España en su juventud, los inicios de la banda, el célebre sketch de SNL inspirado en su canción (Don’t Fear) The Reaper, etc.

The Dead Daisies regresan con Lookin’ For Trouble, un disco en el que versionean clásicos del blues. John Corabi le cuenta a Diego Peñalver cómo surgió la idea de grabar el álbum, y habla también sobre Mick Mars, la película The Dirt, sus experiencias con Ratt y Brides of Destruction, etc.

Otra banda que regresa a España este verano es Lynyrd Skynyrd. Estarán presentes en la nueva edición del Rock Festbarcelonés. Hablamos con el que fuera protagonista de nuestra portada de enero, Rickey Medlocke, sobre su reincorporación a Skynyrd en 1996, la nueva gira, la marcha de Keith Cristopher, que dejó el grupo por problemas de salud, el disco de Drive-By Truckers, Southern Rock Opera, dedicado a Skynyrd en parte…

Fantastic Negrito se ha convertido en los últimos años en una figura clave de la música negra actual. Javier Casamor repasa su trayectoria hasta ahora.

Dirty Honey acaban de publicar su primer disco en directo, Mayhem & Revelry Live. Diego Peñalver charló con su vocalista, Marc LaBelle, sobre sus álbumes en vivo favoritos de la historia del rock, las nuevas bandas que han captado su atención, o el apoyo que han recibido por parte de músicos legendarios como Slash o Chris Robinson.

Jordi Tàrrega entrevista a Don Airey con motivo de la edición de su nueva obra en solitario, Pushed to the Edge. Y por supuesto, habla también sobre sus trabajos con Deep Purple, Ozzy Osbourne o Judas Priest, entre otros.

En este número también destacan Vundabar, Wednesday 13 y Ángela Hoodoo.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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