Sala Wolf Barcelona

17 de marzo de 2026

Redacción por Jordi Tàrrega

Fotografías por Marc Tomàs i Gimó

 Por mucho que sea especialmente fan de Rage, y de lo que es lo mismo, de “Peavy” Wagner, me toca decir que los constantes cambios de formación y la numerosa discografía con la que cuentan, hizo que me despegara un poco de ellos y les perdiera interés. También apareció el proyecto Refuge, que casi que me era más apetecible que su banda madre, pero… tras lo visto en Barcelona con la formación actual, me toca volverles a revindicar como la bandaza que son, siempre han sido y siempre serán. Menudo conciertazo, y eso que era la décimo-quinta vez que les podía ver.

Wasteland Clan metal postapocalíptico

Antes de que los alemanes tomaran las tablas le tocó el turno a Wasteland Clan, interesante formación en formato quinteto, liderados por una chica vocalista y unos trajes de inspiración Predator. No lo hicieron mal a pesar de tirar de pregrabados, pero la homónima “Wasteland Clan” ya nos dejó claro que su metal es muy moderno y que la chica combina limpias, growls y guturales. En “Unleash the Beast” sonaron muy bien, bajo luces amarillas, pero sin terminar de captar la atención de los presentes. Y es que no es una banda que maride especialmente bien con Rage.

“All for One” tiene su punto tecnológico y su guitarrista totalmente disfrazado de Predator (Mashl) dio mucho color al concierto, que contrastó por lo directo de “Murderer”, que empezó como si de un circo decadente se tratara. Hubo momentos teatrales, pero el grupo suena previsible y no tienen grandes rasgos personales. Acústicas que sonaban sin que nadie las tocara en “Stronger tan Before” y eso dio paso a un discurso feminista muy potente de Jesabell Blake, el problema es que la gente estaba por otros menesteres…

Mejoraron las cosas en “Wasted”, muy hímnica que incluso fue acompañada por palmas. Y se despidieron con “United in Metal”, que fue la que más gustó, pero es que el título parece sacado de 1998. Y cumplieron con creces, pero demasiado modernos para una sala tan clásica y ávida de Rage hasta el punto de que mucha gente se saltó directamente a los dos teloneros.

Rook Road: la sorpresa hard rockera germana

Atención a los germanos Rook Road, porque nos encontramos en ellos una sorpresa absoluta. Si eres fan del hard rock de corte más clásico tienes que verles en directo, pues nadie imaginaba una banda de semejante nivel. Son un quinteto con un vocalista excepcional y con un organista de Hammond que te retrotrae al classic rock de antaño en cortes como “Heart of the Sea” o “World of Betrayal”. Telón de fondo con su logo testigo de esa guitarra doblada con el Hammond de época y con un baterista que se animaba a hacer coros y voces muy agudas en “Romeo”.

Hubo problemas en la batería y su vocalista hizo un speech para conseguir tiempo para luego continuar con “Sometimes”, con un solazo de guitarra impresionante. Pero si hubo un tema que nos dejó con la boca abierta ese fue la maravillosa “Killing the Giant”, uno de esos temas puramente Rainbow que lució y que dejó a toda la Razz 2 aplaudiendo a rabiar. Ya se nos habían ganado. Y nos dijeron adiós con “Talk too Much”, una pieza muy de hard rock inglés que me recordó especialmente a Thunder. Esta gente tiene muchas tablas y ya pueden volver cuando quieran. Apuntad el nombre: Rook Road.

Rage combina pasado y presente a un alto nivel

Había esa cortina que separa la sala en dos, pero llegó mucha gente para ver a la enésima encarnación de unos Rage que siguen estando a un nivel muy, muy alto, demostrándolo ya desde la nueva “Innovation”. Si es que los temas de nuevo cuño valen mucho la pena… El sonido estaba muy alto, pero desde las zonas centrales todo sonaba perfecto. Un Peavy muy motivado y simpático y un Jean Bormann a la guitarra que se atrevió con algún que otro growl como en “Under a Black Crown”. La respuesta de la sala fue tan rotunda que Wagner nos dijo: “sois alucinantes”, a la vez que conseguía que la gente hiciera palmas en “Nevermore”.

Estaba claro que iban a caer muchos clásicos y nos recordaba de que la última vez que tocaron en Barcelona fue hace siete años. Presentó a su guitarrista para luego ir a por “Until I Die”, tema del Black in Mind. Y luego consiguieron que la gente botara en la preciosa “Days of December” del XIII. Iban repartiendo juego y la batería de Vassilios “Lucky” Maniatopoulos no es la de Terrana, pero se le acerca en lo técnico y en la pegada, que no en la espectacularidad. “A New Land” me pareció un temazo de nueva factura en el que pude vislumbrar ese logo mítico del grupo en el telón de fondo. Y luego agitaron el avispero de antaño con “Solitary Man” y “Refuge”, dos piezas míticas y especialmente queridas por lo presentes. En esta última se añadió un fragmento reggae y de verdad que nos quedamos embelesados con ese juego momentáneo.

“Fire in Your Eyes” empezó como balada hasta que creció a medio tiempo para vivir luego el “Price of War”, temazo que suena a clásico y que fue ejecutada bajo luces azules. Peavy estuvo muy simpático hasta el puto de presentar “End of All Days” como una canción de amor. Sí él te lo dice, pues te lo crees… Estábamos encantados y si después te brindan algo tan grande como el “Grat Old Ones” del Soundchaser, pues se disfruta a lo grande… La gracia es que se atrevieron con oldies tan queridas como el “Sent by the Devil” del disco Black in Mind, y obviamente, la audiencia respondió.

Fue un puntazo lo de recuperar el “Sent by the Devil”, bajo luces verdes y con toda la sala cantándola. Por otro lado, se me hace muy cansina la clásica “Higher than the Sky” por eso de hacernos cantar, pues la tocan siempre, ya que es de las imprescindibles. Más allá de los solos de Jean Bormann, huelga decir que le da muchísima movilidad y dinamismo al show yendo de un lado para otro. Y ya en los bises: atención a “Freedom”, pues va para clásico y tiene esos momentos “uooo uooo” con los que el grupo puede jugar con la gente.

La única pega es que se comieron el “Straight to Hell” y dieron carpetazo a la velada con la infaltable “Don’t You Fear the Winter”. Himnazo de la vida cantado a pleno pulmón por un público encantado con el gran concierto del grupo. Y si lo piensas… Rage tienen tanto fondo de armario que son una de las pocas bandas del mundo que podrían tocar un set totalmente diferente y sus fans estarían más que complacidos. La cantidad de canciones míticas que poseen es algo que les diferencia de muchas otras agrupaciones. Rage son una especie única y es increíble que no llenen salas mucho más grandes.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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Liderados por el incombustible Peavy Wagner, Rage aterriza en la ciudad condal tras un exitoso paso por Japón y en un momento creativo especialmente sólido. Con más de 40 años de trayectoria ininterrumpida, la banda presenta su álbum número 26, A New World Rising (2025), un trabajo que recupera su sonido más directo, potente y orgánico.

Por supuesto, el repertorio no olvidará clásicos imprescindibles como “Don’t Fear The Winter” o “Higher Than The Sky”, auténticos himnos que siguen sonando tan épicos como el primer día (y que siguen poniendo pelos de punta sin necesidad de efectos especiales).

Un cartel internacional sin concesiones

El evento, coproducido por Lion Rock Fest y Z! On Tour, se plantea como una noche de metal integral, sin rellenos ni pausas innecesarias. El cartel se completa con dos bandas alemanas de primer nivel:

Rook Road: hard rock clásico con un Hammond demoledor que promete calentar la sala desde los primeros compases.

Wasteland Clan: metal de estética postapocalíptica con una propuesta visual impactante y contundente.

Fundada en 1984, Rage ha encabezado festivales de referencia como el Wacken Open Air y se ha consolidado como una de las formaciones más constantes y respetadas del metal mundial. Su capacidad para evolucionar sin perder su esencia los mantiene como una leyenda que, en pleno 2026, sigue sonando peligrosa.

El 17 de marzo, Barcelona no solo escuchará heavy metal: lo sentirá en el pecho. Y probablemente al día siguiente también.

Irene Kilmister

Mi nombre es Irene, y todo el mundo me conoce por mi apellido Kilmister adquirido por el que ha sido y será mi mayor ídolo en esta vida. Lo cierto es que yo empecé en esto de la fotografía sin pensarlo mucho. Era la típica amiga de la cámara, pero de que me quise dar cuenta me propusieron entrar a colaborar en un medio profesional en 2017 y desde ahí he pasado de ser esa amiga de la cámara a evolucionar y coinvertirme en lo que conocéis ahora.

Apasionada de la música en todos sus géneros y amante de la lectura y los conciertos, aunque mi verdadera profesión no tenga nada que ver con todo esto.

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El tour, producido por Z! Live ON Tour y Lion Rock Fest, llevará a la formación a cinco ciudades de nuestro país, donde desplegarán un potente repertorio que combinará sus nuevas composiciones con los grandes himnos que han marcado su trayectoria.

Como parte de este esperado regreso, Rage contará con dos invitados de lujo: Rook Road, que presentarán su segundo álbum Rook Road II, y Wasteland Clan, quienes mostrarán la fuerza de su debut The End of Time.

Las fechas confirmadas son las siguientes:

• 17 de marzo – Barcelona, Sala Razzmatazz 2 (18:30 h)
• 18 de marzo – Zaragoza, Sala López (18:30 h)
• 19 de marzo – Burgos, Andén 56 (19:00 h)
• 20 de marzo – Madrid, ReviLive (19:00 h)
• 21 de marzo – Bilbao, Santana – Blue (19:00 h)

Con esta gira, Rage reafirma su vínculo con el público español, que siempre ha recibido con entusiasmo cada una de sus visitas.

Yolanda Sabater Algarra

Nanotecnóloga y química de formación y amante de la música como pasión. Me gusta la música en todas sus vertientes. Empecé tocando el violín y de la música clásica pasé al rock y al metal (mis primeras bandas fueron AC/DC y Mägo de Oz, por supuesto). No tengo muchas bandas predilectas, aunque Rulo siempre encabeza el podio. Helloween, Volbeat o Greta Van Fleet le siguen de cerca. Mis gustos han cambiado a lo largo de los años pero siempre abierta de mente, así que le doy al hard rock, al power, al death metal (melódico) y a todo lo que me haga descubrir cosas nuevas o me sepa impresionar.

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80/100

26 de septiembre de 2025

Steamhammer

No Innovation, Yes Identity

Hay bandas que envejecen. Otras que evolucionan. Algunas, incluso, involucionan. Y luego está Rage, que parece haber firmado un pacto con el acero: no parar jamás, y nunca sacar un disco “repetido”. Con A New World Rising, su álbum número 27 (no contamos los proyectos paralelos Refuge o LMO), Peavy Wagner y compañía vuelven a demostrar que la longevidad no está reñida con la frescura ni con la potencia.

Afterlifelines (2024) fue una obra conceptual, introspectiva, casi filosófica, y personalmente, debo añadir que me encantó. Este nuevo trabajo, en cambio, es una declaración de intenciones: Rage ahora quiere sonar directo, positivo, enérgico y contundente. Esa positividad es, sin duda, uno de los sellos distintivos del álbum, como el propio Peavy ha declarado: “El mundo se está ahogando en negatividad y miedo, y gran parte de ello está siendo manipulado. Nuestro mensaje es simple: pensad por vosotros mismos y no creáis todo lo que os dicen”.

El alegato no solo apunta a la desinformación generalizada, sino también a la manipulación mediática, y se traduce en un disco que, sin perder contundencia, apuesta por la claridad de ideas y la reafirmación de valores, con una perspectiva positiva. Y no se trata solo de una decisión estética, sino de un posicionamiento claro frente al clima social actual. Eso sí, no confundamos esa positividad con dulzura ni con almíbar. La formación actual, con Jean Bormann a la guitarra y Vassilios “Lucky” Maniatopoulos en la batería, estable desde hace tres discos, ha vuelto a pisar el acelerador.

Salvo tres o cuatro excepciones, los temas de A New World Rising se caracterizan por una vuelta “tangencial” a un sonido que yo encuadraría en la época de Black in Mind, aunque más actualizado y limpio. Y no lo digo por decir: en su reciente paso por Madrid, hasta cuatro temas de dicho álbum clásico cayeron (su mejor set list en años y me lo pierdo). Comparados con etapas previas, el trío actual apuesta por un enfoque más orgánico, clásico y crudo, sin perder versatilidad. Quedan fuera  los arreglos sinfónicos y las estructuras complejas (apuesta personal: tarde o temprano volverán).

Como el yin y el yang, esa vertiente que comenzó allá por 1996 con Lingua Mortis, sigue siendo una dualidad con la que la banda juega. De hecho, Afterlifeness nos ofreció las dos facetas en un mismo lanzamiento. Esta vez es el turno de la crudeza: aquí no hay orquesta, ni suites, ni interludios barrocos. A nivel estilístico, ya sabéis de lo que hablo: speed, thrash, power… todo condensado en un material de alto octanaje, con riffs afilados, estribillos memorables y una producción que prioriza la claridad y el impacto. A New World Rising es un disco conciso, frontal y directísimo.

Me falta información, pero tengo la impresión de que ha sido grabado en el estudio como si fuera una toma única en directo. De lo contrario, no logro explicar que sean capaces de sacar un álbum doble en 2024 y otro en menos de un año. La producción es limpia, con guitarras bien definidas y batería potente. Incluso la voz de Peavy Wagner se ha “actualizado” y casi diría que por primera vez nos encontramos con un registro más afilado, aunque sin perder su sello personal: sigue transmitiendo la misma fuerza y emoción (para eso Peavy es único).

Tampoco han escatimado en número: trece temas, la mayoría entre tres y cuatro minutos, salvo una pieza hacia el final ligeramente más extensa. Lo que también merece ser destacado es la capacidad de Rage para sacar discos con regularidad sin perder calidad, algo que muchas bandas jóvenes ni siquiera logran con uno.

En definitiva, aunque A New World Rising no alcanza los niveles de innovación de otros puntos álgidos de la carrera de Rage, sí puedo decir que mantiene la media de sus últimos trabajos. La sensación final, en realidad, dependerá de si eres más fan de su etapa más técnica o sinfónica, o si disfrutas con los arranques de puro speed endemoniado.

¿Me ha gustado? Sí. ¿Me ha sorprendido? No demasiado. Pero me ha convencido, y eso, en una banda con más de 40 años de trayectoria, es un mérito considerable (y sí, soy “Team Lingua Mortis”). Vamos con los temas:

El viaje musical de A New World Rising comienza con el tema homónimo a modo de breve introducción instrumental. No busca protagonismo, pero sí crea atmósfera: acordes ascendentes, guitarras limpias, narración de fondo y una sensación de apertura que prepara el terreno para lo que viene.

La verdadera apertura llega con “Innovation”, un tema absolutamente directo que funciona como escaparate perfecto de lo que nos deparará el resto del álbum. El protagonismo absoluto lo tiene el riff, donde Jean Bormann se luce con una ejecución que roza el thrash metal, mientras Lucky Maniatopoulos sostiene el pulso con una batería precisa y contundente.

El estribillo es claro, sin adornos, pegadizo, y ya en este primer corte se percibe el tratamiento diferenciado que ha recibido la voz de Peavy Wagner, perfectamente alineada con el carácter combativo del tema. Este arranque no solo marca el tono musical del disco, sino también su actitud: directa, sin rodeos, y con una producción que prioriza la inmediatez y el impacto.

“Against the Machine” no da tregua y mantiene la tensión con un enfoque marcial que refuerza su carácter combativo. Aunque la velocidad sigue siendo alta, el tempo se relaja mínimamente, permitiendo al oyente mover el cuello con entusiasmo, una necesidad fisiológica en este corte, sin riesgo de luxación cervical. El groove es extremo, y el trabajo de guitarras se vuelve más técnico y afilado.

Peavy adopta un tono vocal más áspero, acorde con la densidad sonora del tema. La estructura juega con contrastes bien definidos: estrofas contenidas que desembocan, tras una breve pausa, en un estribillo explosivo. Aquí se percibe claramente el trabajo conjunto de la banda, con una percusión que brilla especialmente en la sección instrumental, quizás el rasgo más distintivo de toda la composición.

“Freedom”, por su parte, recupera una orientación ligeramente más melódica (muy ligeramente, que nadie se asuste). Fue tema de adelanto del álbum, y está claramente concebido como un single “directo al directo”. El protagonismo recae en su estribillo coreable, diseñado para levantar puños y gargantas en los conciertos, ya que pide ser cantado en vivo, con coros masivos y ese oOoOoOo! ascendente que no puede estar más hecho aposta. Por lo demás, el riff es más abierto aunque igualmente certero, y la base rítmica relaja el tempo sin perder pegada. Y sí, confirmamos que ya forma parte del repertorio en directo.

La dinámica del álbum cambia levemente con “We’ll Find a Way”, construido sobre un riff ultradenso que no deja resquicio al silencio, y un estribillo intenso y desgarrador, que vuelve a ser el protagonista del tema (y atentos a los guturales justo antes de los solos).  El cierre es épico, con el acelerón final de Lucky, que te deja sin aliento.

“Cross the Line” recupera la vertiente más técnica de Rage, con riffs etéreos en la introducción que pronto evolucionan hacia un rugido de pura contundencia. El desarrollo equilibra fuerza con una melodía reintroducida que flota sobre el estribillo, aportando contraste y profundidad. Sostenida por una estructura dinámica y abruptos cambios de compás, esta canción remite directamente a la etapa más compleja de la banda, aquella en la que Victor Smolski y Mike Terrana dejaron una impronta profunda e inconfundible.

Eso sí, los músicos actuales imprimen su propio sello, y logran aquí coronar el que quizás sea mi tema favorito del disco. El final se impone con personalidad: un súbito cambio de tempo hacia una sección “a cámara lenta”, una ralentización que personalmente me evoca a una locomotora descomunal frenando poco a poco, pero sin perder ni un ápice de su potencia. De nuevo, una forma de cierre que no deja indiferente, como ya ocurría en el tema anterior. ¡Abajo los fade-out!

“Next Generation” baja las revoluciones en su introducción y se adentra en terrenos más cercanos al power metal. Las escalas orientales con las que la guitarra abre el tema son una auténtica delicia, aportando un toque exótico y evocador. Pronto tornan hacia un riff más convencional, en un corte que vuelve a jugar con el tempo con energía y convicción. Breve, sencilla y muy efectiva: una píldora de contundencia melódica que funciona como respiro sin perder intensidad.

Con “Fire in Your Eyes”, Rage parece por fin dispuesto a darnos un respiro. El tema destaca por un groove más relajado, una estructura clásica y una línea vocal cargada de melancolía. Es una canción funcional, ideal para intercalar en el setlist sin perder ritmo, cumpliendo exactamente esa función dentro del tracklist de A New World Rising. Eso sí, termina con un fade-out que deja una sensación de joya inacabada, como si la banda hubiera decidido apagar la luz justo cuando empezábamos a ver con claridad.

“Leave Behind” vuelve la mirada hacia el heavy más convencional. Iniciada con el riff más áspero del disco, pronto evoluciona hacia un medio tiempo construido sobre guitarras limpias y una interpretación vocal cargada de emoción e intensidad. Sería injusto no destacar el solo de guitarra de Jean Bormann, rebosante de virtuosismo y velocidad, sin caer en el exhibicionismo.

“Paradigm Change” presenta el inicio más lento del álbum, aunque una vez entra el riff, queda claro que estamos ante otro medio tiempo, esta vez con un marcado carácter hard rockero. Mención especial merece la estudiada colocación de los temas más “lentos” hacia la mitad del tracklist. Sin duda el conjunto se percibe como natural y bien integrado, dada la intensidad de los mismos.

Hacia la mitad del tema, emerge un guiño inesperado a “Straight Out of Hell”, lo cual no deja de llamar la atención, ya que una versión actualizada de dicho clásico tiene el honor de cerrar el álbum. ¿Un pequeño adelanto de lo que vendrá? Sea como sea “Paradigm Change” es un grandioso “Straight Out to the 80’s”, nada disimulado.

El clímax llega con el tema “largo”: “Fear Out of Time”. En poco más de cinco minutos, Peavy y los suyos logran construir atmósferas cargadas de oscuridad y jugar con dinámicas muy variadas. El riff inicial es lento y pesado, casi doom, y la estructura netamente progresiva permite explorar distintos registros, creando una narrativa musical compleja y emocional. A pesar de la solemnidad y la ambición compositiva, quizás no sea de mis favoritas, aunque no negaré que el trabajo aquí es sencillamente excelso. No tengo pruebas, pero tampoco dudas, de que este corte pasará a engrosar el setlist de la banda en la inminente gira. Hay que lucirse, y este tema es perfecto para ello.

El cuasi-cierre lo trae “Behind the Shield of Misery”, que devuelve al disco a su esencia más clásica con una lección de speed metal directa, sencilla y de estribillo fácil. Quizás, después del periplo musical que ha ofrecido el álbum hasta este punto, deja un cierto sabor a déjà vu, especialmente en su línea vocal, lo que le resta algo de impacto. Aun así, sigue siendo un corte muy decente y funcional dentro del conjunto, en el que lo mejor es el riff de inicio tremendamente reconocible, capaz de retrotraernos a épocas pasadas con una sola escucha.

Hablábamos de cuasi-cierre porque el último tema es una versión actualizada: “Straight to Hell ’25”. Todo un himno atemporal que, por su brillantez, sigue siendo uno de los puntos álgidos de la era “Terranolski”. Poco más se puede hacer con él, más allá de aplicarle una capa de barniz actual. La producción es más limpia, la batería gana presencia, y la voz de Peavy suena más clara y definida. Es un homenaje al pasado con sonido de presente, un broche perfecto para cerrar el disco mirando al pasado con respeto, pero sin perder de vista el presente.

A New World Rising consolida la etapa actual de Rage con una formación estable que ha permitido afinar el sonido y reforzar la química entre sus miembros. No hay grandes sorpresas, pero sí una ejecución sólida, una energía constante y la decisión de abandonar el sinfonismo para abrazar estructuras más directas y efectivas.

Y si alguien aún duda de su vigencia sobre las tablas, que se acerque a verles en directo. Los que tuvieron la suerte de asistir al concierto en Fuenlabrada saben de lo que hablo: Peavy Wagner no tiene intención de parar, y lo demuestra sobre las tablas con una entrega que sigue siendo marca de la casa. No reinventa ni innova como promete en su primer corte, pero sí redirige. Y eso, cuando llevas más de 25 discos, es casi milagroso. El resultado es un álbum personal, único, en el que cada canción está donde debe estar. Y en 2025, eso ya es mucho decir.

Dr. Reifstein

“Dr. Stein grows funny creatures, while Dr. Reifstein dissects albums, analyzes concerts, and synthesizes interviews.”
Aunque trabajo en ciencia (sí, lo de Dr. no es un guiño casual), hace tiempo que dejé la química y cambié los elementos de mis matraces: [Fe] por Iron Maiden, [Ne] por Neon Knights… y así.
Coruñés de adopción y habitual en Madrid, también he vivido en Cataluña, Reino Unido y California. Como suelo decir: del Whisky a Go Go a la Sala Canciller (D.E.P).
Helloween y Angra son mi laboratorio sonoro, pero mi vocación científica me empuja a explorar todos los estilos. La ciencia explica el mundo; el metal le da sentido a mi existencia: brújula, refugio y combustible.
Ejerzo en Stairway to Rock desde su nacimiento… ¡bienvenidos al laboratorio del metal!

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Instagram

Esto de hablar de uno mismo es un poco complicado, pero bueno, a ver qué sale.

Antes que nada, quería agradecer a Stairway To Rock haberme invitado a participar en su sección de fotografía. Es un honor para mí teniendo en cuenta la calidad de los/as fotógrafos/as que ya han sido publicados/as. Además, que a penas llevo un mes estrenando mi Instagram dedicado a mis fotografías. ¡Mil gracias!

La fotografía siempre me gustó desde que era un enano. De pequeño me encantaba coger la cámara de mis padres para hacerles fotos a ellos y la familia. Desde bien joven, me llevaba la cámara con carrete a los conciertos, por desgracia ahí no tenía mucho dominio y las fotos eran bastante malas. Luego me pasé a la típica cámara compacta digital, donde me dejaban entrar a los fosos. El resultado tampoco era una maravilla.

Con el paso del tiempo, ya no dejaban entrar con cámaras “pequeñas”, así que tuve que hacerme con una cámara réflex. Fueron muchas horas de aprendizaje, tragarte centenares de horas en Youtube y mucha lectura para saber para qué valía cada botoncito. Todo el esfuerzo tiene su recompensa. Estar tan cerca de las bandas, gozar de su música y su buen trato (de casi todas), no tiene precio.

La posición de las fotos no sigue ni fecha, orden alfabético o calidad. Simplemente las he ido ordenando según mis sentimientos. Por cierto, que casi todas hayan sido en marzo, es pura casualidad.

1. LORIHËN

09 de marzo, Barcelona. 2025

Siempre he sido un gran amante del metal de Suramérica, concretamente de esta banda. Me enteré a última hora que venían, así que me compré la entrada, preparé la cámara y me fui para allí. Le tengo cariño a esta foto porque ha sido la primera banda a la que he disparado habiendo regresado este 2025. A pesar de haber sido todo un poco improvisado, creo que no quedó nada mal. Además, tengo que agradecerles que me vieron tirando fotos y me invitaron a entrar al foso. Todo un detalle.

2. AVANTASIA

11 de marzo, Barcelona. 2016

Desde adolescente he sido un gran fan de Tobias Sammet con su maravillosa banda Edguy. Cuando editó su primer disco de Avantasia, “The Metal Opera” aluciné y me enganché a su música mucho más. Ahora ya he tenido la suerte de verle muchas veces y poder haberle hecho fotos, pero en el 2008 iba a ir ver a Avantasia por primera vez en Zaragoza. Supongo que es recordado por mucha gente, pero por una gran tromba de agua se suspendió el Monsters Of Rock y el Metalway del día posterior. El siguiente intento fue en 2010 para ir a verlo a Suecia. Tenía billetes de avión para ir a Estocolmo con unos amigos, pero por la famosa huelga de los controladores aéreos no pudimos viajar. Al menos, nos devolvieron todo el dinero, incluido el de la entrada.

3. MEDINA AZAHARA

18 de marzo, Reus. 2017

A nivel de gustos musicales voy por el Death, Black, Heavy, Power, Hard Rock hasta llegar a estilos como el Rock Andaluz. Eso sin tener en cuenta la música que no tiene prácticamente nada de Rock. Probablemente, la banda que más veces he visto en directo y/o cubierto, es la de Manuel Martínez. Para mí, mi grupo favorito sin lugar a duda. Ese año con la gira presentando su disco “Paraíso Prohibido” no pude asistir el viernes a Barcelona, así que el día siguiente me fui al concierto de Tarragona. Medina Azahara no podía faltar entre estas diez fotografías.

4. AXEL RUDI PELL

25 de marzo, Barcelona. 2025

Excelente día para poder disfrutar de mis amigos Jolly Joker y su gran concierto. También tuve la gran oportunidad de ver a Axel Rudi Pell, banda que juraría no haber visto en directo, ¡y me encantó! No creo que sea de las mejores fotos que he hecho, pero es la última formación que he fotografiado tras desempolvar mi cámara nuevamente.

5. ANGELUS APATRIDA

28 de enero, Barcelona. 2017

Tengo varias fotografías de este estilo, pero esta es una de mis favoritas. La posición de José J. Izquierdo, su pelo acompañándole en el movimiento de su cabeza y la iluminación, dándole más protagonismo si cabe.

6. AMON AMARTH

12 de noviembre, Barcelona. 2016

Los suecos venían presentando su último trabajo “Jomsviking”. Son una apisonadora en directo y lo dan todo en cada uno de sus conciertos. Prueba de ello es esta fotografía, donde Johan Hegg usaba todo su potencial a la voz y enviaba todo su metal al público presente.

7. MYRATH

08 de marzo, Barcelona. 2018

En aquella época, este grupo de Túnez no era aun excesivamente conocido. La verdad es que no estaban muy contentos con la asistencia de público, pero yo les expliqué que, siendo Barcelona y entre semana, deberían estar muy contentos. Yo ya los conocía personalmente de un par de años atrás, y concretamente con el vocalista Zaher Zorgati, te llevas unas cuantas risas.

8. REGRESIÓN

12 de marzo, Barcelona. 2016

Esa noche Regresión repartieron buen Heavy Metal junto a Zenobia, de los cuales también creo que tengo buenas fotos, pero prefiero hablar de diferentes fechas. Era un concierto emotivo porque era la marcha del vocalista Pedro Guijarro, cediendo su posición al inglés Antony Ellis. Poco después la banda se separó. Hace unos meses han vuelto a unirse con nueva formación.

9. RAGE

12 de febrero, Barcelona. 2020

Formación que con todos los años que lleva y los excelentes trabajos que Peavy ha editado, desde mi punto de vista, debería estar más arriba. Lo que me ha hecho elegir esta fotografía, es la combinación de los dos colores y con el Sr. Wagner en medio.

10. FIREWIND

06 de marzo, Barcelona. 2024

Buena noche para ver de nuevo a dos grandes bandas como Masterplan y Firewind. Aunque uno de mis cantantes favoritos, Henning Basse, ya no está en el grupo, el griego Gus G. ha sabido encontrar un gran sustituto, buen cantante y muy simpático.

Yolanda Sabater Algarra

Nanotecnóloga y química de formación y amante de la música como pasión. Me gusta la música en todas sus vertientes. Empecé tocando el violín y de la música clásica pasé al rock y al metal (mis primeras bandas fueron AC/DC y Mägo de Oz, por supuesto). No tengo muchas bandas predilectas, aunque Rulo siempre encabeza el podio. Helloween, Volbeat o Greta Van Fleet le siguen de cerca. Mis gustos han cambiado a lo largo de los años pero siempre abierta de mente, así que le doy al hard rock, al power, al death metal (melódico) y a todo lo que me haga descubrir cosas nuevas o me sepa impresionar.

La entrada Diez fotos de 10: Jaime V. “JAIMAX” se publicó primero en Stairway to Rock.

A día de hoy poseen un gran trabajo Wings of Rage y una formación que funciona. Quizá no tiene el glamur ni el currículum de las anteriores, pero Rage vuelven a demostrar que siguen vivos y con cosas a aportar. Estarán pronto en nuestros escenarios y eso es siempre una buena noticia.

Hola Peavy, tengo que confesar que vuestro último álbum me parece uno de los mejores de estos últimos años. En mi opinión, el mejor desde Carved in Stone (me encanta ese disco). ¿Estás teniendo buenas críticas, supongo de los fans y la prensa? ¿No es así?

Sí, las reacciones han sido abrumadoras. Tanto de los fans como de los medios en general. No teníamos tan buenas críticas en las revistas y medios más grandes desde hace mucho tiempo, incluyendo un número 1 en la revista alemana Soundcheck, y los críticos coinciden en que el álbum es extraordinario …

Recientemente me hice con la serie La dimensión desconocida en DVD. Es genial que tengas una canción llamada «Chasing the Twilight Zone». Supongo que te encantaron las cinco temporadas y la música de Herrmann. ¿Por qué The Twilight Zone en un disco de Rage?

Esto es más una coincidencia que otra cosa. La canción trata sobre el lado oscuro de mi alma, mis depresiones y de la imposibilidad de ponerme en contacto con el mundo exterior, a veces.

Me da la sensación que en algunos temas habéis tratado de sonar como Black in Mind y End of All Days de principios de los 90. ¿Querías volver a este tipo de estilo?

La idea era no volver a algo en concreto. Queríamos combinar todas las señas de identidad y estilos de nuestra historia y reunirlas en un solo álbum.

Tengo que preguntarte sobre un excelente álbum llamado Ghosts. ¿Por qué no tocáis canciones de este álbum?

Oh, de vez en cuando tocamos cosas de este álbum. De hecho, en nuestros últimos shows tuvimos «Back in time» en el set list…

La última vez que asistí a tu show fue en Barcelona en Rock Fest y tocaste XIII en su totalidad con la orquesta. Para la mayoría de los fanáticos de Rage fue un sueño hecho realidad. ¿Por qué tocaste con la orquesta y por qué XIII en Barcelona?

Era el vigésimo aniversario de este álbum y tocamos una gira completa de festivales en todos los festivales de Europa, e incluso en el extranjero, como por ejemplo en el 70000 Tons of Metal, con la Orquesta Lingua Mortis y este mismo set. La verdad es que fue muy bien aceptado por el público.

Cuando comenzaste con la Orquesta Lingua Mortis (un álbum increíble, por cierto) eran de la República Checa, pero ahora la orquesta es de Barcelona. ¿Por qué cambió?

Bueno, bajo el nombre de Lingua Mortis Orchestra siempre tuvimos diferentes músicos, principalmente del sitio dónde tocamos, esto abaratar los costes de viaje. Todo este proyecto es inmensamente caro, como puedes imaginar…

Una cosa que me encanta es que Marcos es fan de Rage. Creo que es el guitarrista perfecto para el grupo. ¿Cómo lo contrataste?

Ya conocía a Marcos desde hace mucho tiempo. Recuerdo como nos conocimos, nos encontramos por primera vez hace 15 años en Londres, coincidimos en medio de la calle. Empezamos a hablar y luego nos mantuvimos en contacto. Siempre quise hacer un proyecto paralelo con él, mucho antes de que finalmente le pidiera que se uniera a mí en Rage…

Un amigo mío que amaba a Rage murió hace cinco años (Álex Barnet) y su canción favorita era «Saddle the Wind», de Rage. En su funeral escuchamos la canción y leímos la letra. Fue realmente hermoso ¿Qué sientes cuando sabes que algunas de tus canciones pueden ser tan importantes para mucha gente?

A veces escucho historias como la de tu amigo, incluso en diferentes aspectos, especialmente me gusta cuando las letras de mis canciones ayudan a las personas a pasar por momentos complicados en sus vidas. Esto siempre me toca profundamente y me siento muy orgulloso de ello. Me dice que lo que hago, no es en vano.

La primera vez que asistí a vuestro show fue en 1996 en Barcelona. Tocasteis junto a Gamma Ray y Stratovarius. Tenías el pelo largo… Grandes recuerdos. ¿Qué extrañas de tus primeros días?

(Risas) probablemente mi cabello (más risas). No es tampoco que eche de menos esos momentos, ¡pero estoy orgulloso y feliz de haberlos tenido en mi vida!

A finales de los 90 Rage fue etiquetado como power metal y, tal vez, no erais una banda como Helloween, Stratovarius o Gamma Ray. Creo que estabais más cerca de Grave Digger. ¿Te sentiste cómodo de ser etiquetado como power metal?

Yo no nos vería cerca de Grave Digger, la verdad. Creo que Rage siempre ha estado en su propio mundo. Todavía somos una banda a descubrir…

Toca hablar sobre tu proyecto Refuge y el álbum Solitary Man. Pensé que Refuge era sólo un proyecto en directo, pero increíblemente sacasteis un álbum. ¿Qué podemos esperar de este proyecto en los próximos años?

Refuge es un proyecto que a día de hoy se encuentra congelado. Me concentraré al 100% en Rage durante al menos los próximos dos años. Refuge nunca fue una banda normal con la fórmula de «disco/gira». Fue nuestro pequeño viaje sentimental hacia el pasado destinado a renovar nuestra vieja amistad. Nunca pensamos que llegara a desarrollarse tanto…

¿Qué sentiste la primera vez que estuviste en el estudio ensayando nuevamente con Manni Schmidt y Chris Efthimiadis?

Todos lo disfrutamos, me sentía como en los viejos tiempos.

Como fan, debo confesar que amo «Higher than the Sky», pero la he visto muchas veces al final de sus shows. Echando un vistazo a las canciones más reproducidas de Rage, podemos encontrar un Top 5: «Don’t You Fear the Winter», «Higher than the Sky», «Down», “Sent By the Devil” y «Set the World on Fire». ¿Crees que «Higher than the Sky» es tu mejor canción?

No podría juzgar si es el mejor, pero seguramente es una de las más populares…

Otra vez, y como fan, quiero recordarte algunas canciones excelentes como: «Without a Trace», «Long Hard Road», «In a Nameless Time», «Under Control», «Suicide» o «Wash My Sins Away». ¿Crees que podrían tener espacio en tus próximos set lists?

Claro. Cualquiera de nuestras canciones podría estar dentro. ¡Discutimos esto siempre y es difícil! “In a Nameless Time” y “Under Control” ya las hemos tocado en directo en estos últimos años.

¿Cómo se decide Rage la lista de canciones para una gira?

Discusiones interminables, muchos ensayos y pruebas posteriores en directo, en donde podemos descubrir las reacciones…

Hay muchas bandas que están tocando sus mejores discos en su totalidad … ¿Crees que Rage podría hacerlo en un futuro cercano? ¿The Missing Link, Black in Mind o Unity podrían ser los elegidos?

Ya hicimos eso con Black in Mind y XIII. Seguramente alguno más les seguirá en el futuro. Veremos cuál.

Finalmente, estoy trabajando en un reportaje sobre «canciones perfectas». ¿Podrías decirme tu opinión sobre estas?

«The Final Countdown» – Europe: ¡Es un gran éxito pop! Una buena composición, aunque tal vez la instrumentación podría haber sido un poco más heavy para mi gusto, pero entonces no habría sido tan grande, tal vez…

«Black Rose» – Gary Moore: También es una composición muy bonita, me gustaba mucho cuando era yo un adolescente.

«Free Bird» – Lynyrd Skynyrd: Esta canción nunca fue un tema importante para mi. Sé que es un clásico, pero nunca significó mucho para mí …

Muchas gracias por tu apoyo y mis saludos a todos los fans españoles. Hasta pronto, nos vemos en la gira.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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La entrada Entrevistas históricas: Rage (2020): ‘No teníamos tan buenas críticas en las revistas y medios más grandes desde hacía mucho tiempo’ se publicó primero en Stairway to Rock.

Yúbal Fernández

• Iotunn – Kinship

  Pocas veces en mi vida me ha pasado que una banda relativamente nueva consiga llegarme tanto, y menos aun que coincida que hacen una mezcla de géneros absolutamente a mi medida. Para mi es de sobra el mejor disco de metal de este año, y una maravillosa banda que voy a estar siguiendo durante mucho tiempo.

• Wintersun – Time II

  Otra gran obra maestra. Melódica, agresiva, melancólica y profunda. Son pocas canciones, demasiado pocas para lo que me gustaría, pero cualquier espera que Wintersun nos haga soportar para próximos trabajos será bienvenida.

• Devin Townsend – PowerNerd

  Aunque el primer adelanto nos hizo pensar que sería un disco ligero y desenfadado, es totalmente lo opuesto. Es un disco nacido de la depresión, y tan lleno de tristeza como de esperanza por seguir adelante. No me convence la mezcla de sonido porque entierra demasiado la voz de Townsend, pero es uno de los discos que más me ha gustado de su discografía.

Yolanda Sabater

• Vola – Friend of a Phantom

No conocía de nada a estos daneses y su tercer disco me ha sorprendido sobremanera. Nuestro compañero Oriol los ensalzó tanto en su crítica que era imposible que pasara desapercibido. Con un metal progresivo como base en este disco han explorado una gran variedad de elementos con los que han dado con su estilo único y aunque ha visto la luz a finales de 2024, se ha convertido en uno de mis discos favoritísimos. No debemos ser los únicos que vemos su potencial, pues el próximo año podremos disfrutarles en el Z Live.

• Evergrey – Theories of Emptiness

Descubrí a Evergrey a raíz de su actuación en el Rock Fest Bcn 2018, desde luego fueron uno de mis grupos revelación. Su frontman Tom S. Englund tiene un timbre vocal único y realmente son una de mis bandas de referencia. Este año tuve la oportunidad de entrevistarlos por este nuevo álbum y la verdad que me embarqué en un viaje fascinante. Tengo especial predilección por los discos introspectivos, con ese aura deprimente. Y este álbum llegó a mi vida en un momento de bajón y significó mucho para mí.

• Eclipse – Megalomanium II

  Puede ser que el AOR sea uno de mis géneros favoritos actualmente, y Eclipse la banda que encabeza. Suecia es la cuna del hard rock melódico y Eclipse han sabido moldearlo a su gusto y darles su toque distintivo. Lo prolífico de su líder Erik Mårtensson me fascina, y aunque la crítica no ha estado a mi favor para mi Megalomanium II ha superado a su predecesor con creces. Es un álbum con muchos matices y que en ningún momento baja de intensidad. Lo he disfrutado mucho y me ha recargado pilas.

Jordi Tàrrega

• Sólstafir – Hin Helga Kvöl

Me tengo que rendir al poder que viene de Islandia… Enamorado me quedé de sus últimos discos, y con este nuevo, de verdad que me vuela la cabeza. En la entrevista que pude tener con su líder me decía que era un disco más, pero considero que la accesibilidad del mismo es absolutamente magistral y que el grupo se ha sacado de la magna una obra capaz de aunar lo que siempre han intentado con el acceso sonoro a todo el mundo. Es absolutamente variado a la vez que mantienen todas sus señas de identidad. No pude verles en directo, y me duele en lo más hondo…

• Sonic Universe – Is It What It Is

Cuando el líder de Living Colour puede dar rienda suelta a todo lo que tiene en mente y se junta con un guitarrista tan excepcional como Mike Orlando, la magia fluye a borbotones. Corey Taylor sienta cátedra a sus más de 60 primaveras con un proyecto excepcional, y que, de hecho, si hubiera venido bajo el sello de su banda madre, todo el mundo aplaudiría a rabiar. En brazos de la senectud, este vocalista está atravesando uno de los periodos más fértiles e impresionantes que se le recuerdan.

• Beth Hart – You Still Got Me

  Una de las grandes damas del rock, y de demás estilos, presenta nuevo disco después de hacer magia con un proyecto en el que cantaba canciones de Led Zeppelin. Participan en el disco Slash de Guns ‘N Roses y Eric Gales, pero tanto da, porque el álbum sobrepasa las colaboraciones y la certifica como la enorme vocalista que es. Podemos pasar del cabaret Brechtiano a canciones que se acercan a las películas de James Bond, y todo sigue brillando a un nivel impresionante. Sin ser su mejor disco, Beth demuestra que es una de las grandes realidades actuales, más allá del rock.

Dr. Reifstein

• Rage – Afterlifelines

Todo comenzaba allá por 1984 con una formación de nombre Avenger, que tenía poco que ver con superhéroes (aunque para nosotros, nuestro querido Peavy sin duda lo es). 40 años y un cambio de nombre después, tocaba celebrar las Bodas de Rubí. Ojo, no estamos hablando de ninguna gema del infinito, sino de una joya en forma de álbum: Afterlifelines. Todo un regalo que ha destacado por tratarse de un extenso trabajo doble que rinde pleitesía a dos estilos muy diferenciados en la historia de la banda: el sinfónico (apoyado con orquesta) y el más crudo speed-power, siendo para mí imposible decantarme por ninguno de los dos. Semejante regalo tenía que ser destacado aquí, y es que la calidad que atesoran las dos caras de esta moneda no solo es continuista con la extraordinaria trayectoria de la banda, sino que supone un peldaño más hacia la excelencia, tanto en lo compositivo como en el sonido alcanzado. ¡A por los 50!

• Nightwish – Yesterwynde

A pesar de que vuelve a ahondar en la brecha con parte de los fans de toda la vida de la banda, no tengo ninguna duda en considerar esta nueva obra de Holopainen y los suyos como uno de los lanzamientos de este año. Además de presentar una producción galáctica (eso sí, con el “pero” habitual del volumen de la voz de Floor), los arreglos, coros y orquestación han llegado aquí a un nivel de elaboración extremo en el que todo queda al servicio de 12 piezas únicas e irrepetibles. Además, cuando quieren dar prioridad a la vertiente metálica, lo hacen (y de qué manera). Echamos de menos la voz de Marko, y echaremos más de menos el poder contemplar esta obra en directo. Cuando una banda perdura en el tiempo y, fieles a su visión, hacen evolucionar su sonido, la tarea de generar consenso entre los seguidores siempre es virtualmente imposible. La realidad es que Yesterwynde es una obra compleja y exquisita, cuya grandeza quizás le hará ser incomprendida, pero insistiré en lo dicho en su momento: requiere tiempo (y un buen equipo) para disfrutar de todos sus matices.

• Virtual Symmetry – Veils Of Illumination

  Con el empuje que ha supuesto su reciente tour con Evergrey, los italo-suecos, comandados por el talentoso e incansable (por militar a la vez en tantas bandas) Marco Pastorino y por el extraordinario guitarrista Valerio Æsir Villa, se han sacado de la chistera la sorpresa de final de año. Ya de entrada nos llama la atención su original distribución, vendiéndolo primero de forma anticipada durante el tour (un lujo), y distribuyéndolo con cuentagotas por streaming (cada mes sacan un tema nuevo). Aunque a estas alturas debería estar ya en las tiendas, no deja de parecernos una actitud valiente que no deja de chocar con el extraordinario nivel alcanzado en Veils Of Illumination (se merecería un sello discográfico de primer nivel y un lanzamiento mundial con amplia promoción). 8 temas de puro power-prog (uno de ellos una suite de 20 minutos absolutamente bombástica) destilados al máximo nivel de pureza, en los que la clave está en la luz y la energía que desprenden, en buena consonancia con su título y artwork. Eso sí, no supone un salto brusco con respecto a sus trabajos previos. Lo que han hecho es potenciar todo hasta el infinito y más allá, dando a cada tema un nivel de emotividad y sensibilidad que llegan a abrumar, para bien. El “tapado” de última hora…¡no os lo perdáis!

Oriol Torras

• Caligula’s Horse – Charcoal Grace

Este disco se estrenó a principios de año y ya por entonces apuntaba a ser el disco del año. Caligula’s Horse ha ejecutado una gran obra llena de fuerza y emotividad. No llegué a tener el nivel de adicción que me dieron los discos de Tesseract y Nospūn del 2023 pero para mí es un disco refugio que he revisitado de forma muy regular este año.

• Mother of Millions – Magna Mater

La banda griega Mother of Millions publicaron en octubre su cuarto LP “Magna Mater” consolidando su estilo único. Los descubrí con su anterior disco “Artifacts” y se han ganado un rinconcito de mi corazón con una música solemne y épica, sin virtuosismo instrumental pero un conjunto de sonido perfecto. Este disco afianza más a la banda para que ocupe el lugar que merece en la escena del prog.

• VOLA – Friend of a Phantom / Pure Reason Revolution – Cumong up to consciousness

Creo que la tercera posición la merecen a partes iguales VOLA y Pure Reason Revolution. Los primeros han hecho un álbum en el que han perfeccionado su estilo, añadiéndole detalles que acaban de enamorarte de esta banda. Por otro lado, PRR ha apostado por un disco más íntimo lleno de fuerza y sensibilidad que logra resonar con tu cuerpo y alma y que merece estar también en esta lista.

Yolanda Sabater Algarra

Nanotecnóloga y química de formación y amante de la música como pasión. Me gusta la música en todas sus vertientes. Empecé tocando el violín y de la música clásica pasé al rock y al metal (mis primeras bandas fueron AC/DC y Mägo de Oz, por supuesto). No tengo muchas bandas predilectas, aunque Rulo siempre encabeza el podio. Helloween, Volbeat o Greta Van Fleet le siguen de cerca. Mis gustos han cambiado a lo largo de los años pero siempre abierta de mente, así que le doy al hard rock, al power, al death metal (melódico) y a todo lo que me haga descubrir cosas nuevas o me sepa impresionar.

La entrada Top 3 de discos internacionales de 2024… según Stairway to Rock se publicó primero en Stairway to Rock.

Trapped! poseía una colección de temas absolutamente geniales que pasarían a ser clásicos del grupo como “Shame On You”, “Solitary Man” o “Baby I’m Your Nightmare”. Casi todas las canciones venían firmadas por el gigantón bajista que en esos tiempos estaba delgado, lucía el pelo largo y podía llegar a agudos con cierta facilidad. Curiosamente los grandes temas de esta obra serían firmados por Wager y Schmidt y “Enough Is Enough” era una de esas. A modo de regalo incluían una versión del “Fast As a Shark” de Accept, un tema ideal para el estilo que practicaban los Rage en 1992. Eran buenos tiempos y estaban en la mejor discográfica europea de la época: Noise Records.

La canción

Curiosamente “Enough Is Enough” (Ya es suficiente) era una de las canciones más accesibles de la obra y apuntaba un poco hacia un metal más clásico y melódico sin perder contundencia ni velocidad. Temas como este les harían caer años más tarde en el cajón del power metal a pesar de que lo de Rage siempre fue muy suyo. La canción es un alegato pacifista y reflexivo hacia una humanidad agresiva y que invertía sólo en tecnología deshumanizándose. Sí… seguimos igual en la actualidad. Destaquemos esa intro con un riff que se enseña pero que no termina de llegar hasta que eclosiona de forma instrumental la melodía del estribillo. La verdad es que es un tema bastante largo para lo que solían hacer Rage en la época.

Mandamos satélites al espacio, construimos misiles enormes, gastamos en tecnología y, sin embargo, no podemos vivir en paz con nuestros vecinos. Las enfermedades mentales van en aumento… Este retrato en los primeros versos sirve para definir el mundo actual sin utilizar una prosa especialmente rica ni tirar de metáforas. La entrada es realmente brillante y potente destacando el gran papel de la rapidísima batería y un riff que podría haber salido de Running Wild. Adornos en contramelodías de guitarra y Peavy tirando de agudos.

«We send satellites to space
And we own the biggest missiles
We give millions of support for technology
But still we can’t even live in peace with our neighbour
Most of us are insane of neuroses»

El puente irrumpe con “Ya basta, podemos controlarlo, Ya basta, aquellos que no tienen conocimiento”.

“Enough is enough – you can control
Enough is enough – those who don’t know”

El estribillo emboca con que el mundo va directo hacia el desastre y que pronto habrá un final. Las empresas que tienen dinero lo emplean en comprar tecnología hasta el punto de que la van a implantar en nuestras almas y que entonces será el final de todo. La miseria mental que tendremos nos hará libres, pero vamos a perecer en ello. Va todo a doble bombo y entre estribillo y versos vuelven a tirar de otro fraseo constante que sirve de andamio al tema.

“Faster – this world is heading straight into a big disaster
Tell me, when will it reach its end?
Bigger – when moneymakers stamp our souls with technology
Believe me, this got to reach an end
All this misery in our minds will break free, you will see…”

La psicología social busca la llave de nuestra salvación, y necesita inversión, el estudio de las personalidades individuales, pero… ¿quién invierte? Esta frase es un poco un homenaje al Peace Sells… but Who’s Buying? De Megadeth. Luego hay una frase más incomprensible en la que nos dice que si estamos débiles mejor para ello, lo que no queda claro es si es un beneficio para la gente en general o para los que pagan la industria. A veces primaba más el hecho de rimar que de firmar una letra perfecta y redonda. Luego viene otra ronda de puente y estribillo en el que en la primera parte se varía la letra respecto al primer puente.

“Social psychology – seek the key for our salvation
This science needs more support, it could help that
The understanding of the single person can grow,
But who pays
‘Cause if we stay weak we are much better to use”

Luego una de las grandes claves del tema es el solazo de Schmidt, muy imaginativo y jugando con el riff base de un tema espectacular.

“Enough is enough – head over heart
Enough is enough – right from the start

Faster – this world is heading straight into a big disaster
Tell me, when will it reach its end?
Bigger – when moneymakers stamp our souls with technology
Believe me, this got to reach an end
All this misery in our minds will break free, you will see…”

“La ciencia puede ser buena o mala dependiendo de quien la emplee, y si queremos que haya un mañana deberíamos gastar un 10% de nuestro dinero dedicado a armamento al desarrollo de la mentalidad de la gente de cada nación”. No estamos ante Espronceda precisamente, y Peavy va directo a porcentajes en otra oda a la funcionalidad más que a la poesía. El último verso está cantado más agudo hasta volver al puente y estribillo, guerrero y positivista.

 

“Science is only as good or as bad
As the people who use it
And if we want to have a tomorrow
We should take ten percent of the money from our armies
And develop the minds of our nations”

En la ronda final se repite el puente y el estribillo de la primera ronda y vuelven a hacer otra con el estribillo, cambiando la letra. La victoria sobre el miedo es la gran gloria, y créeme que el primer paso ya está hecho. Un progreso que nos hará ganar calidad por encima de la cantidad. Dejaremos la miseria y tendremos las mentes libres. Un final positivo para un inicio de canción realmente gris y agorero. De todas formas, juegan con acordes mayores y el riff da cierto optimismo general y musicalmente transmite muy buen rollo y feeling. Gran final y agudo para una ronda final de riff base y despedida.

 

“Enough is enough – you can control
Enough is enough – those who don’t know

Faster – this world is heading straight into a big disaster
Tell me, when will it reach its end?
Bigger – when moneymakers stamp our souls with technology
Believe me, this got to reach an end

Faster – a victory ‘bout fear, this is the greatest glory
Believe me, the first step has been made
Bigger – the real progress – another quality in our way of life
From quantity to quality
Away from misery in our minds, make them free, it’s got to be…”

Veredicto

“Enough is enough” es un temazo y una canción que no suele caer en los directos de Rage, pero si no cae, es porque es bastante aguda y Peavy pasa un mal rato en el que se tiene que dejar la voz. Saben que es una canción especial y muy querida y eso quedó claro cuando en un DVD la sacaron del mismo, y la editaron sólo en la edición de CD, para que el fan muy fan, tuviera que comprarse ambos formatos. A nivel de letra, la cosa justea, pero el riff y la fórmula de verso + puente + estribillo es impecable, siendo una de las concesiones más netamente heavy metal en lo que es un disco espectacular. Definitivamente es un tema que debería tener más presencia, pero en el fondo, es la segunda canción que más suena del disco detrás de la maravillosa “Solitary Man”. Por temas como este Rage se ganaron los corazones de mucha gente.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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