4 de febrero de 1991

EMI Records

Todavía puedo recordar aquellos días en los que Queen dominaban la tierra. Cuando salió Innuendo fue todo un acontecimiento y se podían ver aquellos videoclips alucinantes por la tele. No había banda mayor que Queen en esos días, o si más no, no había grupo más respetado tanto por fans, prensa, negocio… e incluso por gente que no le gustaba el grupo. ¡Y era imposible que no te gustase Queen!

Musicalmente hay un intento de retorno a los sonidos más clásicos y al espíritu de la banda original. Todos los elementos que uno piensa cuando oye el concepto Queen están allí. Lo onírico, la fusión de estilos, el punto de locura, la excesiva comercialidad o el hard rock, si bien el disco es algo irregular, pasando desde la obra maestra a lo correcto. De todas formas, un disco que empiece con “Innuendo” y se cierre con “The Show Must Go On” no merece otra que aplauso y reverencia.

Freddie había sido diagnosticado de SIDA en 1987 y las complicaciones derivadas de esa, entonces, “nueva” enfermedad, demoraron bastante las sesiones de grabación. El eterno vocalista era consciente de que el tiempo se le escapaba y quiso dejar un último gran disco para ser recordados. Grbaron en Suiza, Montreaux, lejos de la prensa acosadora británica. Los tabloides británicos andaban detrás de que Mercury estaba enfermo, pero no atinaban a saber qué sucedía pues el secreto fue muy bien guardado. Por otro lado, Freddie no desmentía todo rumor, sí sus compañeros de banda en apariciones públicas. Se suponía que un disco nuevo y su voz aplacarían rumores que apuntaban directamente al SIDA. La traducción de Innuendo vendría a ser “insinuación”, por lo que todo queda bastante conectado en el fondo.

La bellísima portada

El grupo utilizó un célebre dibujo de Jean-Jacques Grandville, un ilustrador francés de dibujos satíricos del siglo XIX. Este mismo dibujo ha sido utilizado como cubierta de La vuelta al mundo en 80 días de Julio Verne y el grupo decidió colorearla. Se trata de “El malabarista del otro mundo”. Maravillosa e icónica, con fondo en blanco, con el clown haciendo malabares con los planetas y con un plátano apareciendo por allí, marcando la parábola.

El lanzamiento del payaso de bigotes dalinianos y rubios yerra su cometido y un señor se protege como puede del impacto bananero. Payaso y señor están sobre varios globos terráqueos. Quizá alusiones a su dominio mundial, quizá a que esto es simplemente entretenimiento por lo del clown… La forma del plátano puede aludir a la luna menguante y al miedo atávico de que tememos que algún día la luna nos caiga encima. Podría ser una alegoría de Dios pues tiene el payaso guardado en su bolsillo, cual canguro, otro globo terráqueo.

Los vídeos de Innuendo

Más allá del precioso artwork del libreto merecería un capítulo aparte todo el contenido de los vídeos de ese disco de Queen. Son muchos y las referencias van desde los grandes pintores al póker, pasando por animales y un plátano que volverá a aparecer. A todo ello súmale el querer ocultar la enfermedad del gran Farrokh Bulsara (su nombre real).

La música

La canción “Innuendo” es una auténtica barbaridad. Un intento de volver a rememorar la gloria de “Bohemian Rhapsody” y la estructura compleja se asemeja a una rapsodia si bien vuelven a recuperar el estribillo. La letra es un homenaje de Roger Taylor a los Led Zeppelin y combina flamenco con el hard rock pasando por los momentos orquestales y la épica. Tras el redoble de Roger Taylor se van sucediendo todos los elementos que han hecho grande a Queen yendo de lo onírico a lo oscuro. Ese fragmento flamenco con guitarra de Steve Howe (Yes) es sencillamente sublime. Consiguieron un pasaje clásico de un estilo ajeno. La teatralidad de Mercury y la solemnidad en el inicio es soberbia. Nació todo de una jam entre los tres músicos de Queen y quedó rematada cuando Freddie bajó de las escaleras y vio que estaban con algo muy grande entre manos.

“I’m Going Slightly Mad” posee un aura mágica. Todavía recuerdo ese extraño videoclip con May vestido de pingüino. Era una especie de sueño, potenciado por esos efectos y esa experimentación que les situaba bien en la década de los 90. El grunge no había explotado, sí Guns N’ Roses, y Metallica andaban cerca de explotar. Y todos ellos eran fans de Queen. Una oda a la locura y a la genialidad con un Mercury expuesto en blanco y negro, maquillado y disfrazado. Una de las consignas claras era esconder su enfermedad a toda costa.

La parte operística es inherente al grupo y aparece con fuerza en el inicio de “Don’t Try so Hard”. Una entrada vocal en la que Freddie sigue sentando cátedra. Se nota que viene de su puño y letra. En “Ride the Wild Wind” hay un poco esa vena cinematográfica ya expuesta anteriormente en el film Los Inmortales, manteniendo el pulso rockero con efectos de coche veloz y juegos con ecos y coros. Es la continuación de “I’m in Love with My Car”, por lo que Taylor está a las voces y es una de sus muchas aportaciones al disco.

El “Headlong” es un trallazo a ritmo de tren. Es más, en el videoclip cuentan con una locomotora desbocada avanzando a ritmo de este hard rock pegadizo y 100% Brian May. Es comercial pro muy en la tradición rockera del grupo, aunque en primera instancia era un tema que no iba a ser para “la reina”, iba para el discazo Back to the Light en solitario que se estaba marcando May. Hubo un día en la que Freddie la empezó a cantar y Brian tuvo claro que aquello tenía que ir en un disco de Queen.

Los samplers conviven con la guitarra rockera de Brian en un “I Can’t Live with You” con mucho de hímnico y con los sempieternos coros del grupo. Es una canción feliz que mantiene pie y medio en los 80 y el talón en el rock. Con otra orientación más rockera podría haber sido un clásico, pero esto es un disco en la cima de las cimas, y había que contentar a todas las parroquias.

Y hablando de despedidas “These Are the Days of Our Lives” es el tema. En el videoclip ves que la enfermedad ha hecho estragos y Mercury va con toneladas de maquillaje a la vez que se nos está despidiendo. Duele esta canción, obra de Roger Taylor. Melosa y aderezada con congas. Al final Freddie mira a cámara y dice eso de “I still Love You”. Quizá no sea de sus mejores baladas, pero la carga emocional que conlleva es tremenda.

“Delilah” es puramente Mercury, y es una canción dedicada a uno de sus 11 gatos. Nunca le gustó a Brian, pero en esas tesituras se permiten todos los caprichos del divo. Para el recuerdo queda ese maullar tan de Mercury con ese genial “Miau”. El eco de la guitarra en talk box de May da la réplica en un tema correcto pero muy definitorio de la genialidad del de Zanzíbar. Quizá lo menos recordable del disco sea esa otra composición hecha a medias entre Mercury y Mike Moran que iba para otro proyecto y en la que la temática era africana. Un poco la cadencia de “All God’s People” lo delata… y también que iba para otro proyecto. Conectable con la intrascendencia general de Hot Space.

Lo más cercano al rock duro toma cuerpo en “Hitman”. Retazos metal y hard rock con capas frondosas de coros y el universo Queen bien presente. Representa lo hecho en “Sheer Heart Attack” o en “Stone Cold Crazy”, o si más no, es un acercamiento. “Bijou” es un bonito capricho, un mano a mano entre vocalista y guitarrista que toma inspiración de Jeff Beck. Efectos de teclado visten al tema encajando perfectamente en el disco, antes del gran final…

Palabras mayores cuando hablamos de “The Show Must Go On”. Ya el título de esta composición de Brian May tiene una fuerza asombrosa, pero es que tiene evidentes connotaciones de despedida y de lucha para seguir a flote. Memorable medio tiempo intenso y abrumador cantada con una fuerza sobrehumana. Himno de una banda de himnos poniendo un punto final a la vez que el título alude a que puede que sea punto y seguido. La pude vivir cantada por Elton John en 1992 en el Mini Estadi y de verdad que eso fue apoteósico. Esa entrada de teclado, ese reverb y ese bajo detallista de Deacon. Una canción perfecta.

Veredicto

En Gran Bretaña obviamente el disco llegó al número 1 como tantas otras veces y en gran parte del mundo sucedió lo mismo, pero en Estados Unidos la cosa nunca les fue nada fácil. Afortunadamente llegaron al disco de oro, algo que no conseguían desde los tiempos de The Works en 1984. Me parece el disco perfecto para la despedida por mucho que Made in Heaven apareciera años más tarde. También por esas fechas estuvo el mítico “Barcelona” con Montserrat Caballé que terminaría dando la vuelta al mundo y que es el himno no oficial de la ciudad.

Sigue poniéndome la piel de gallina, aunque también escuchar todo el Innuendo. En esos días no había banda mejor sobre la faz de la Tierra. Con el tiempo Queen han quedado en su justo pedestal, al lado de Beatles, Rolling Stones o ABBA. Lo único que me falta en esta obra es el tema típico de John Deacon que se sale del guion y enamora, pero eran tiempos difíciles.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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4 de mayo de 1990

EMI Records

Es imposible tirar para atrás, pensar en ese diciembre de 1990 y no recordar con nostalgia la irrupción de Héroes con la tremebunda “Entre dos tierras”. Menuda canción y menuda revolución. Los Héroes del Silencio estaban allí para quedarse y lo hacían a golpe de canciones míticas y con un triple platino. Sólo en España se han vendido más de 300.000 discos, pero eran tan buenos que en Centroeuropa, Italia y México la cosa caló como nunca se había visto por estos lares. España conocía a su banda más internacional, y posiblemente la mejor que ha surgido de la piel de toro. Embajadores del rock en castellano, hasta el entonces príncipe Felipe les recibió en audiencia. Al parecer le gustaba el grupo. ¡A todos nos gustaba ese grupo!

Producción e influencias

Los ecos de The Cult, especialmente, y también la influencia de New Model Army estaba presente ya en su anterior disco, pero ese sonido rotundo de guitarras tan Billy Duffy, ligado a la garganta única de Enrique Bunbury les hacía únicos. Había una evidente evolución rockera desde su primer y anterior obra. No había grupo en España que pudiera ni acercarse a tres pueblos de lo que conseguía el grupo. El nombre se toma de la película El sendero de la traición (Betrayed) de 1988 y el resto es historia.

Para la producción estuvo el afamado músico ex de Roxy Music Phil Manzanera, todo un lujo. Se suele decir que Phil quedó prendado de ellos en un concierto, y la ciudad elegida para enamorarse de ellos fue Calatayud. Para Manzanera esa colaboración fue dar la campanada y le abrió todo un mercado nacional en el que fue prolífico ganándose un nombre. Toda una personalidad, entre sus muchos logros involuntarios está el de que Diamond Head tomaran su nombre de un disco suyo, justo la banda clave en la gestación de Metallica.

La música

El inicio de “Entre dos tierras” es sencillamente estelar, evocador, oscuro, triste… pero también luminoso. Es la cadencia, ese toque tan New Model Army y esa pátina gótica que se manifiesta en el tratamiento de las guitarras de Juan Validivia. La línea vocal es antológica y la voz de Bunbury corona uno de los temas más perfectos que se han hecho nunca en la lengua de Cervantes. A día de hoy sigue apareciendo en anuncios y Phil Manzanera les dijo que ese inicio con los ecos de guitarra le hubiera gustado que se le hubiese ocurrido a él

La otra maravilla es “Maldito duende”, otra muestra de la excelencia del momento. Menudo inicio. En ambas canciones las letras también son bastante claras y digamos… coherentes o entendibles. Algo que no suele suceder en Enrique pero que es parte de la mística. Definitivamente muchos consideran que “Maldito duende” es el mejor tema de Héroes del Silencio y no seré yo quien diga que no, pues es un medio tiempo alucinante, aglutinador de todos sus puntos fuertes y nos deja un par de frases para el recuerdo: “y este cuarto no para de menguar” y “Amanece tan pronto, y yo estoy tan solo”.

Hay que destacar el gran papel de Joaquín Cardiel y Pedro Andreu a la base rítmica pues especialmente luce la batería con bombos y cajas potentes y brillantes, pero con los platos muy opacos. Tampoco busques aquí grandes solos ni ejecuciones técnicas, es más un trabajo de equipo destinado por y para los temas. En una composición sin momentos débiles, la teatralidad vocal del cantante destaca en “Senda”, en la que hay mucho de Raphael. Bunbury quedaba a medio camino entre el personaje cañí y un Jim Morrison maño, y eso es también uno de los grandes logros del combo zaragozano.

El viaje estelar que supone “Hechizo” es un cruce entre Bowie y The Mission en el que ponen toda su personalidad con extra de dramatización. Aquí (y en todo el disco) Manzanera sabe sacarle al grupo una gran capacidad en lo instrumental pues sin esa necesidad de solos no es fácil dar variedad y profundidad al grupo. Ese final con la cuenta atrás es otro gran logro. Y en “Oración” volvemos a otro de los momentos favoritos de los fans. Excepcional canción con un puente-estribillo precioso y cargado de acústicas grabadas por el propio vocalista.

Las guitarras oscuras y veladas edifican la bonita y popera “La carta” dando variedad al disco y jugando con cascabeles. Un contrapunto que te hace coger aire y otra gran canción en la que Bunbury vuelve a lucir sus muchas dotes vocales. En “Malas intenciones” consiguen el interludio acústico más bello del disco si bien a nivel compositivo no lo situaría entre lo más granado, tampoco al tema enlace “Sal”. “Despertar” sí que se destapa como una de las grandes del disco con otra letra críptica y abierta a la interpretación.

El festival de guitarras The Cult aparece en “Decadencia”, uno de los cortes más duros del disco, con momentos para el solo de Joaquín o los jadeos de Enrique. Ese final está puramente hecho para que suenen en directo. Mantienen el nivel con “Con nombre de guerra”, hímnica y aterciopelada, reposando en un cuerpo de guitarras acústicas. Tiene un punto de ensoñación para finalizar con referencias a Andy Warhol en “El cuadro II” con un teclado más propio de Mecano, aunque perfectamente empaquetado con lo que termina siendo el tema.

Veredicto

El éxito inusitado puso al grupo en una situación económica relajada y confortable. Eran tiempos en los que la venta de discos te daba muchos dividendos, pero ellos decidieron invertirlos en una gira europea en furgoneta. Había que aprovechar el momento, y lo hicieron con 140 conciertos para esa mítica gira. Se llegaron a grabar versiones en inglés de “Entre dos tierras” y “Maldito duende” pero grupo y discográfica finalmente optaron por no jugársela. Siempre han dicho los Héroes que esa época fue la más bonita

El éxito de los Héroes del Silencio dio a alas a bandas que han quedado algo olvidadas como Las Novias, y a las que muchos les tenemos muchísimo cariño. Benditos días felices en los que la movida madrileña daba sus últimos coletazos y los Barricada, Los Suaves, y en Catalunya otras bandas, pedían paso con mucha fuerza. El rock tomó las listas y lo hizo de la mano de los Héroes del Silencio, que fueron los mejores, pero pasaron como un suspiro. Qué bonito se me hace recordar a Bunbury con sus gafas de sol y el pañuelo en la frente mientras sonaban sus singles a todas horas por la radio.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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EMI

No recuerdo con especial cariño este disco de Megadeth pues para mí con el anterior The World Needs a Hero cerró una etapa. Se había expulsado a Dave Ellefson, una parte imprescindible en el grupo, Al Pitrelli volvió a Savatage-Trans-Siberian Orchestra y Jimmy DeGrasso duró un suspiro. Los problemas en el brazo y un mundo tras el 11-S marcaron un disco que siempre vi como algo en solitario a pesar de que allí estaban los nombres de Vinnie Colaiuta a la batería o de todo un ex del grupo como Chris Poland a la guitarra. Pero ya es que veías que ambos estaban de paso…

A toda esa evidente sensación de proyecto Mustaine se intentó minimizarla con el hecho de que la portada intentase ser un guiño al Rust in Peace, con esos políticos del momento haciendo cola frente al capitolio mientras el mundo arde en derredor. Con el paso del tiempo valoro realmente en positivo a un disco al que le tuve cierta manía y que me apeteció poco escuchar. De verdad que hay muy buenas canciones y fue más un problema personal mío que no un bajón por parte del grupo, a pesar de que ya nada volvería a ser igual… y lo de hablar de grupo, como que no.

El disco

Hay una voz que nos habla como si de un informativo televisivo se tratara mientras suena un gran riff para que luego entre la icónica voz de Dave Mustaine y obtengas uno de esos temas puramente Megadeth. Es melódica y contundente y la verdad es que el tema engancha. Quizá lastre un poco el tema lo de las voces en off, algo que ha envejecido mal, pero el tema posee un lucimiento guitarrero absoluto. “Die Dead Enough” es un tema más pausado, pero muy en la vieja tradición del grupo. Hay mordiente y Dave canta especialmente melódico acercándose a esos temas más rompedores de Risk que nunca llegaron a funcionar.

“Kick the Chair” es quizá el tema que más ha quedado como representativo de este disco. Todo el peso lo llevan las guitarras y es como si Mustaine se inspirara en “She Wolf” y buscase esas melodías de guitarras dobladas, con un plus de fuerza y con un sonido aplastante. “The Scorpion” es otra de las mejores piezas de esta obra, acercándose con mucha clase al material de Youthanasia en el que consiguieron encontrar ese punto entre fuerza y melodía. Dave sabe sacarle todo el partido posible a su voz y el tema es realmente pegadizo y muy elaborado.

“Tears in a Vial” es sutil y con un toque de calidad especial. Es evocadora y bella en los versos y Mustaine consigue una línea vocal muy bonita. El tema va mutando, se anima y logra sorprender. “I Know Jack” se arranca como una especie de melodía irlandesa metalizada y con voces sobrepuestas aludiendo al mundo loco de esos años. Sirve para dar entrada a “Back in the Day”, un corte que intenta ir directamente a los Megadeth de los primeros discos. Suenan más básicos y directos, con un Colaiuta espléndido y varias diabluras a dúo entre Poland y Mustaine.

“Something that I’m Not” cumple bien y tiene un inicio original aparte de un riff machacón, reiterativo, pero el tema tiene punch y notas que no sería una mala canción para llevar al directo. Colaiuta lo borda en la entrada de “Truth Be Told” con esos juegos en los toms y los detalles en los rapidísimos breaks a una mano. El corte baja a balada y se eleva luego a medio tiempo, pero recurre a espacios abiertos y momentos de balada a modo de versos.

“Of Mice and Men” es de lo más recordado de este disco, especialmente por la estructura de la canción. Toca destacar el impecable papel de Jimmy Sloas al bajo y esa entrada tan melódica que puede perfectamente recordarte a Beatles por las capas de armonías vocales sobrepuestas. De lo mejor del disco… “Shadow of Deth” es una especie de interludio narrado y a ritmo marcial además de un más que interesante solo de guitarra que se dobla para luego llegar al final del disco. “My Kingdom” nos despide el disco a base de riffeado y vieja escuela. Breve composición con toda esa actitud vocal expresiva del líder absoluto.

Veredicto

The System Has Failed fue un disco de Dave Mustaine con mercenaries de lujo y un interesantísimo intento de volver sobre sus pasos y conectar con los discos más exitosos del grupo, desde la portada a la composición. Muy posiblemente sea uno de los discos en los que mejor canta el pelirrojo, y a pesar de que en su día lo dejé bastante de lado, está claro que estamos ante una obra que vuelve a elevar el listón del nombre del grupo, que poco tenía de “grupo”.

Las letras la temática y también la portada reflejan esos años en los que tras el ataque del 11-S el mundo tuvo pánico global. Un poco en lo personal fue el disco en el que Megadeth dejaron de ser una banda para mí perdí bastante mis filias hacia Mustaine. Cosas peores iban a caer, también mejores, pero escuchando el disco y yendo al meollo y en profundidad, hay que calificarlo como lo que es: un notable intento de volver a ser Megadeth dentro de un mundo paranoico y afectado por el terrorismo. Y recordemos que Mustaine unos años antes llegó a decir que Megadeth se separaban, lo que nadie le creyó.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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