¿Qué prefieres, tocar en directo o grabar discos?

Siempre me ha encantado tocar en directo. Pero también me encanta grabar discos cuando todos los músicos se meten en una sala y se obtienen esos momentos de electricidad. Incluso aquí, algunas de las cosas más geniales que terminaron en el disco, fueron ideas que trabajamos en grupo, creando pequeños riffs entre todos.

Eso fue con todos nosotros en la sala de ensayo. Pero, de nuevo, estamos separados y hay un protocolo; igual que ahora no estoy sentado en una sala con vosotros, hacer música es muy parecido: grabamos archivos, los enviamos, la gente los pone en sus líneas de tiempo y ve qué puede hacer con ellos. Es una manera de trabajar y, de hecho, se ha vuelto de lo más común, pero probablemente no sea la forma más visceral de todas. Me encanta eso de simplemente subir al escenario; para mí es como ser un atleta, un jugador de fútbol, de béisbol o de fútbol americano.

El momento lo es todo, y todos esos fans cuentan contigo para ejecutar cada jugada: tocar todas las notas juntas, hacer que suene como la experiencia que imaginan al escuchar tu disco en casa. Para mí, no hay nada más emocionante. Es físico, seguro, y emocional. Siempre he dicho que es como una iglesia: la gente no viene a rezar por lo que aman, sino a experimentar juntos lo que aman en comunidad. Para mí, no hay nada más emocionante ni motivador que el directo. Esa es la única razón por la que todavía puedo subirme a aviones y caminar por aeropuertos, porque odio todo eso.

Sí, tiene sentido. Y por el momento, ¿esperas dedicar tu tiempo solo a Megadeth o vas a considerar otros proyectos?

¿Dices después de que termine Megadeth?

No, ahora mismo.

No, ahora mismo no; y si hubiera tiempo, ni siquiera me interesa hacer proyectos serios. Quiero decir, que a veces disfruto cuando alguien me envía algo para grabar para ellos. Me contratan para grabar en su música, y no son famosos, pero pueden ser realmente buenos. Constantemente escucho su música, y hay gente muy buena. Así que me encantaría intentar contribuir y darles ese pequeño extra que yo pueda tener, porque he hecho esto tantas veces…

Y porque ayuda a levantarlos y a avanzar en su camino. Cosas así me encanta hacerlas, y es muy simple: estoy ahora mismo en mi sala de música, así que puedo sentarme y darles mi interpretación, y ellos la toman y la usan para su música. Eso me emociona, porque a veces, cuando regresa lo grabado, es simplemente asombroso. Me da mucha esperanza para el futuro, el escuchar a toda esa gente todavía haciendo música a la vieja usanza.

En cuanto a otras cosas, acabo de hacer una fiesta de los Grammy con un montón de mis viejos amigos músicos y cosas así. No requiere nada: te aprendes un montón de versiones, subes al escenario y lanzas esa energía al público, y yo estoy aquí esperando para salir de gira. Así que, si es música, es música; me encanta hacerla, pero no tengo una banda extra ni nada por el estilo. Megadeth es mi prioridad de principio a fin.

Quiero mostrarte este álbum: el Rubber de Gilby Clarke, ex de Guns N’ Roses…

¡Sí! Yo hice esa portada. Sí, de verdad. Vale, es Gilby Clarke.

Es un buen disco, pero tú tienes una conexión muy fuerte con Guns N’ Roses; también tocaste con Slash.

Toqué con Slash allá por el 95… creo que fue 94 o 95. Sí, absolutamente. Veamos cómo terminó pasando eso: yo estaba sentado en casa y Brian Tichy me llamó. Yo estaba en la banda con Brian y Zakk Wylde: Pride and Glory.

Oh, banda increíble.

Me encantó, sí, realmente me encantó ese disco y tocar con esos chicos fue absolutamente increíble. Es de esas cosas en que entras a la sala y todos tocan juntos y se genera la electricidad; es de esas jam bands. Pero, de todas formas, no estaba haciendo nada, y Brian me llama; creo que Matt Sorum y Mike Inezoriginalmente iban a ir de gira con Slash porque acababan de hacer ese disco Slash’s Snakepit, pero ambos se fueron a hacer otra cosa.

Creo que en ese momento Mike Inez se había unido a Ozzy, y necesitaban un bajista a última hora. Yo estaba un poco reticente porque mi hija había nacido unos meses antes, así que realmente dudaba en no hacerlo, pero fue una de esas oportunidades en las que mi esposa estuvo muy acertada. Ella decidió quedarse a cuidar la casa y me dijo, “Deberías hacer esto porque no solo sería una gran experiencia, sino algo musical. Y sería bueno para tu carrera. La gente puede ver que también puedes tocar ese tipo de música”.

Así que nos fuimos un par de años de gira, y tengo que decirte, amigo, que probablemente nunca me haya sentido tan cerca de ser como los Rolling Stones que como viajando en esa gira. El primer lugar donde paramos fue Sudamérica. Casi me arrastran fuera de la furgoneta unos fans demasiado emocionados, y sin una razón aparente. Bueno, sí, razón aparente la había: Guns N’ Roses y todo eso. Gilby también estaba en esa gira, y así fue como llegué a conocerle, hacerme amigo y tocar luego con Gilby además de con Slash.

¿Recuerdas el primer disco que compraste con tu propio dinero?

Fue Sgt. Pepper de los Beatles. Vale, sí, soy tan viejo… Hombre, escuchábamos ese disco hasta quemarlo, en serio. Era algo que en su momento no habías escuchado nunca. Solo había que estar allí y comprobarlo…

¿Alguna vez has llorado en un concierto? ¿Recuerdas la canción y la banda que estaba tocando?

Oh, Dios mío… la verdad es que lloré en el escenario hace unos nueve años. Vale, podría emocionarme ahora mismo al recordarlo, así que prepárense para la historia: Cuando era un niño, tenía 11 años. ¿Qué escuchaba en la radio? Pues era Woodstock, ’69 y todo aquello. Tenía 10, 11 años, y ya tocaba la guitarra acústica. Tocaba cualquier cosa que sonara en la radio y la cantaba. Y, de todas las cosas que escuchaba, hubo una canción que me encantó de la Creedence Clearwater Revival, el “Have You Ever Seen the Rain?”

Así que allí estaba yo de mayor, tocando esa misma canción en el escenario junto a John Fogerty. Estoy allí tocando la canción, y de repente, toda mi vida pasa frente a mis ojos en medio de esta simple canción de dos acordes. Y pienso: “Oh, Dios mío, estoy tocando la canción que me inspiró cuando era un niño, antes siquiera de saber lo que hacía, y aquí estoy ahora, como profesional, tocándola…. Lloré”.

¡Genial! Muchas gracias James.

Ustedes son geniales, muchas gracias por esta entrevista.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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La entrada Entrevista a James LoMenzo, bajista de Megadeth (Parte 3): ‘Megadeth es mi prioridad de principio a fin’ se publicó primero en Stairway to Rock.

Tenía las pistas individuales, solo de esa canción, que fue hecha en solo cuatro pistas, así que muchas cosas estaban combinadas, pero había allí una pista con la voz de John Lennon. Yo estaba escuchando solo esa pista… y simplemente me quebré, me emocioné tanto que mi esposa entró y me preguntó: “¿Qué pasa?” y yo solo pude decir: “Es John Lennon”.

Lloro muy fácilmente, especialmente con la música. Por ejemplo, cada vez que escucho Clair de Lune de Claude Debussy, lloro sin poder evitarlo; esa pieza siempre me conmueve hasta las lágrimas. Es mi pieza musical favorita en el mundo. Muchas composiciones de Beethoven también me hacen lo mismo; adoro a Beethoven.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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¿Y cómo era Barcelona en los 60s?

En aquella época, Barcelona tenía muchos cabarets pequeños, aparte del Emporium, El río y todos estos, había pequeños cabarets pequeñitos, donde había pequeñas atracciones, pero también había un conjuntito que acompañaba a las actuaciones. Y le comenté al dueño que yo estaba con un grupito y tal, y me dijo: “Pues diles que vengan a tocar…” Y sí, yo siempre le he puesto valor a la vida. Tiro para adelante, y me dicen de tocr en La Font de Lleó. La Font de Lleó era un palacete que ya no existe, en la parte alta de Barcelona, donde se celebraban todos los banquetes más importantes, y sobre todo bodas. Y en las bodas estaba la orquestita que hacía el vals para que bailara el padre de la novia con la novia, y luego… los amigos.

Nosotros estábamos allí, en un rinconcito, a palo seco, sin generarlo ni nada. Y nosotros allí tocando el Twist, para que la novia se levantara las faldas y empezara a bailar el twist, para los jóvenes. ¿Y qué pasa? Pues que esto nos empezó a dar prestigio de ir aquí, ir allí, y nos sale lo de Calella, que fue una pasada. Y bueno, sin darnos cuenta, viene el año 63, 64, y en el 65 viene el famoso día de la Monumental con los Beatles, y luego van pasando cosas hasta hoy.

Y este disco que me comentaste antes, es una versión de… “Qué bueno, qué bueno”.

Este disco es una pasada por muchas razones. El año 65 es un año mágico para Los Sirex. En el año 65 actuamos con los Beatles, y da la casualidad que en ese mismo año, Conchita Bautista, va Eurovisión con una canción muy buena que fue el “Qué bueno qué bueno”¿no? Y Vergara, que era una editorial… que no era una compañía de discos, pues bueno… que todo el mundo quiería ganar dinero. Pero ellos tenían clarísimo que era como si vendieran libros, vamos. Nosotros cada tres meses sacábamos un single o un EP de cuatro canciones o de dos.

Y esto se hizo deprisa, por eso hay dos canciones. La otra, la cara B del single, el «Chao Chao”, que es la versión del “Downtown», y la elegí yo… porque decían: “¿Tenéis un tema nuevo?” Y yo dije: “bueno, pues esta me gusta, na, na, na, na, na…” Muy bien, hicieron la letra, que no era nuestra, ya nos la dieron hecha. Pero, sobre todo, nos hicieron grabar por narices, que como es natural, a nosotros esto no era nuestro estilo, pero intentamos adaptarla a nuestro aire.

Con esto quiero decir que, viene el sábado por la noche en Eurovisión, y yo en casa viendo la tele a ver qué pasa con el “Qué bueno qué bueno” y: “Cero points”. Cero points… Y yo digo: “la Mare que em va parir”. El lunes salíamos en un programa que se llamaba Amigos del Lunes con los más grandes comunicadores de la época: sin comentarios. Estábamos morenos de actuar en Calella, con todas unas pintas de gitanito y con las patillas grandes. Así que me fui a La Rambla, compré cinco camisas de chorreras, y con el traje negro y la camisa de chorreras, para que se viera un poco flamenquito, ¿no? Pues tocamos el “Qué bueno, qué bueno”.

Y a la mañana siguiente, la prensa dijo: “si hubiera ido este conjunto catalán haciendo el “Qué bueno qué bueno”, nos hubiera ido mejor”. Con esa canción se nos abrieron las puertas de España. Gracias a eso, empezamos a ir a Madrid, empezamos a ir a Sevilla, empezamos a ir a La Coruña, porque nosotros no salíamos nada de Catalunya en aquella época. Con eso quiero decir que automáticamente, la gente nos decía que había que grabar cosas así. Y nos llegó el tema de “La escoba”. “La escoba” era la canción flamenca que era la guitarra mayormente.

Había el estribillo y nada más. Yo saqué la letra y empecé a hablar de cosas de la vida. Y con los años te das cuenta de que no te puedes creer lo que pasó… Y yo vivía en la Barceloneta, un barrio de pescadores, tiesos como la mojama, porque era un barrio de gente trabajadora. ¿”Por qué tenía que barrer yo el dinero, que es la causa y el motivo de tanto desespero”?

Y el otro día, estando actuando en Manresa, un periodista me viene y me pregunta: “¿has cambiado la letra de “La escoba?” Y yo: “Pues bueno, sí”. En el disco, en el segundo verso dice barrería bien profundo todas las cosas sucias que se ven por los bajos mundos. Y yo dije: “altos mundos”. Pero es que esa es la letra original…

Censura…  

¡La censura! que me censuraron los “altos mundos”. Me vino aprobada, y así se quedó y así lo grabamos. Pero ahora que la puedo cantar libremente… “a los altos mundos barrería”, por favor, que es bajo el mundo. Y bueno, “La escoba”, pues ya lo ves… fue una bomba, que todavía tenemos la suerte de que donde vamos y la cantamos, la gente todavía la quiere y la canta. Probablemente es el tema más emblemático de Los Sirex.

Has dicho muchas cosas… Yo sé que fuisteis teloneros de los Beatles, pero nos quedasteis a ver el concierto de los Beatles…

 No, solo vi cuatro canciones. ¡Cuatro! Empezaron con “Twist and Shout”. Y me parece que… se oía realmente FATAL, es que se oía fatal. Se oía demasiado… Pero da igual, la gente cantaba las canciones. Así que el éxito fue que la gente se lo pasó bomba cantando las canciones de los Beatles, y la mar de bien. Se oía un desastre, porque era el sonido de las trompetas de la plaza de toros que era el predeterminado. Se oía fatal. Bueno, total, que lo que quiero decir es que el sonido no fue lo más importante. Lo importante fue el movimiento y bullicio de gente que hubo allí.

No te lo puedes imaginar. Yo no he visto tantos caballos en mi vida. Yo no sabía que existían en España tantos caballos. Porque es como si estuviera viendo el quinto de caballería en una película del Oeste, que vienen todos los americanos. Pues igual: caballos, la policía montada, nadie fuera de la fila y todo, todo súper controlado. Todo es súper controlado.

 ¿Pero qué pasó?

Pues que aquí vino gente de toda Europa a ver a los Beatles. Fue un fenómeno. Y yo creo que están contentos y orgullosos porque hicimos una actuación muy digna. Y la prueba es que la prensa nos trató muy bien, porque al otro día, todos los comentarios de la prensa escrita, la radio, televisión, dijeron que Los Sirex fueron dignos teloneros de los Beatles, que en aquel momento se decía que eran el mejor conjunto del mundo. Pero todo aquello era un espectáculo de variedades…

Y a mí, como niño de los 80, te diría que Torrebruno fue uno de los grandes referentes. Lo llegué a ver en un circo de mi pueblo.

 Torrebruno nos presentó. “Y ahora, para todos ustedes, un conjunto de aquí, de Barcelona, que no sé qué, que no sé cuánto, que han hecho no sé qué, han hecho no sé cuánto”, el Torrebruno explicando sus cositas y tal. Luego salieron unas niñas inglesas, las Cheap Girls, que eran encantadoras, cantando música cómica. Y después, una banda de estos que tocan violines y tal, de percusión. Era algo raro, una cosa muy rara… Y salía un cantante valenciano y la gente: “Hijo de puta!”. A ver, vas a ver a los Beatles, y te sale todo aquello, y es que te dan ganas de marcharte. Efectivamente, los teloneros también hacían su propuesta. Y de verdad te digo, que los Beatles tocaron la media hora última…

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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La entrada Entrevista a Leslie de Los Sirex (Parte 2): ‘Los Beatles tocaron media hora y nos presentó Torrebruno’ se publicó primero en Stairway to Rock.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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La entrada Esteban J. Girón, exToundra: El primer disco que compré con mi propio dinero se publicó primero en Stairway to Rock.

Todo funcionaba mediante singles en esos días. También te puedo decir que yo iba a las tiendas de discos influenciado por el single de turno, pero poco a poco el formato disco fue ganando mercado. Aunque yo prefería los singles y había bandas en esos días que todos los temas del álbum les valdrían como singles (risas).

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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La entrada Biff Byford, cantante de Saxon: El primer disco que compré con mi propio dinero se publicó primero en Stairway to Rock.

Yo quería esta canción de los Beatles para el disco de versiones y la hacíamos un poco más heavy de lo que era en realidad, pero no obtuvimos los derechos de la discográfica para hacerla. Nos dijeron que no, que no la podíamos hacer. Para mí fue un golpe duro, pero es lo que hay. Hay muchas otras canciones buenas en mi próximo disco de versiones.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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La entrada Udo Dirkschneider: El primer disco que compré con mi propio dinero se publicó primero en Stairway to Rock.

Hola, Roine, soy Jordi Tàrrega desde Barcelona, escribiendo para Stairway to Rock en España. Esta es mi tercera entrevista contigo, así que siempre es un placer tenerte con nosotros.

¿La tercera? ¿De verdad?

Sí, sí… Gracias por tu tiempo y felicidades por tu nuevo disco Love.
Sé que eres un gran fanático de los Beatles, así que, tomando el título del álbum, la antigua canción de los Beatles “All We Need Is Love” y viendo cómo está el mundo hoy en día, la pregunta es: ¿todo lo que necesitamos es amor?

Sí, bueno, es curioso, porque, el título Love en realidad surgió de una casualidad… ya sabes, haces un disco y tienes todas estas canciones, y luego, tienes que elegir la portada, los títulos de las canciones, el orden de los temas, etc… Estábamos buscando ilustraciones y teníamos una de una artista con la que habíamos trabajado antes, para un disco en vivo, hace como un año. Ella tenía algunas obras que destacaban de una forma un poco… extraña. Parecía un poco peculiar, como… no sé, seguro que lo has visto…

La he visto sí.

Parecía casi como un cartel de un circo itinerante de finales del siglo XIX. Y la pintura sería el forzudo, el que se libera de la prisión, se escapa de unas cadenas o de un tanque de agua o algo así. Pero lo interesante es que, tenía estos tatuajes, y en uno de ellos ponía Love. Así que de ahí vino el título del disco. Y estábamos pensando, bueno, igual que los Beatles, que tuvieron en algún lugar de América, tal vez en San Francisco, un gran espectáculo… No lo he visto, pero dicen que es un espectáculo fantástico, con muchas personas en algo que es casi como un circo, con suelos deslizantes y cosas que se movían alrededor. Y con mucha gente en el escenario al mismo tiempo.

En fin, estábamos pensando si debíamos elegir un título de una de las canciones o simplemente buscar algo sencillo que recordar, y que además dijera algo sobre los tiempos que estamos viviendo ahora mismo. Y quiero decir, que con todos los conflictos e inestabilidad que vemos hoy en día, entre Ucrania y Rusia, entre Israel y Hamás, y toda la locura que está saliendo, ya sabes… como por ejemplo en las elecciones de Estados Unidos y todo eso. Nos encajaba

Así que, bueno, digamos que el planeta en este momento está en un punto crítico, como podemos ver. Y parece que el amor puede arreglarlo todo, porque las personas a las que amas, y no estoy hablando solo del amor entre un hombre y una mujer, aunque eso también, por supuesto, pero sino también el amor por todo lo que nos rodea. Porque si tienes amor por el medio ambiente, por los mares, los bosques y todo eso, y lo cuidas, eso es un regalo.

Y de esa forma amas al planeta y amas todo lo que vive en él, incluidos los animales y todo el ecosistema, por así decirlo. Así que, simplemente, en este momento en el que estamos ahora, todo parecía encajar y decidimos llamar al disco Love. Básicamente ese es el resumen y la idea central de todo.

Sinceramente… yo solo digo que, a veces, cuando veo la televisión… de verdad que echo de menos la locura que supuso el coronavirus, porque creo que estábamos mejor entonces que ahora. Ahora es todo una locura…

Oh, sí, sí, sí… De alguna manera, y como bien dices, por la razón que sea, aquello era una amenaza externa que hizo que la gente se uniera, de alguna forma, y, hiciera lo que era necesario para que todos siguiéramos vivos. Y ahora hemos vuelto un poco a los viejos comportamientos dañinos y todo el mundo intenta agarrar lo suyo, ya sabes… Así estamos.

¿Estás contento con la opinión de la prensa, los periodistas y los fans respecto a los videos y temas de avance?

Oh, vaya, no sabría decirte realmente, porque no hemos visto demasiado sobre esto. Parece que los fans y el público, cuando miras las reacciones de la gente o los vídeos que hemos subido, pues parece que a la gente le gusta. Les gusta ese estilo melódico… No sé cómo decirlo, pero no es una canción triste… Pero tiene como una cierta solemnidad, ¿sabes?

Tanto en la letra como en el tono de la canción en sí. Así que, bueno, hacemos lo que hacemos y, simplemente, esperamos a que salga todo el álbum para ver la reacción de la gente y ver qué les parece todo.  El álbum, tal como es, diría que son 12 canciones, pero, de alguna manera, algunos de los temas comparten melodías similares, cosas que puedes encontrar en una canción y que vuelven a aparecer en otra, como suele pasar a veces en el rock progresivo, cuando se componen piezas más grandes.

Como cuando Jethro Tull hizo Passion Play, o Yes Topographic Oceans, o como hacían Genesis con esas canciones largas. Ese es un poco el espíritu con el que hicimos este disco, aunque decidimos dividirlo en 12 canciones para adaptarnos a la forma en que la gente consume música hoy en día. Cosas que la gente hace con sus iPhones y esas cosas, o para que puedan ponerlas en playlists. Es más fácil meter una canción suelta en una playlist que una pieza de 65 minutos, que sería un poco complicado. Así que, de alguna forma, está ajustado a los tiempos que vivimos y a la manera en que se escucha música ahora.

Acabo de escuchar el disco entero, y, desde mi punto de vista, te diría que, de tus últimos tres discos, estamos ante el mejor de ellos. Y tengo que decir que mi canción favorita fue una sorpresa: porque es la primera, “We Claim the Moon” es… wow, realmente diferente, y creo que es genial empezar el disco con una canción tan inesperada en cuanto a estilo. Es que me recuerda a DeWolfff, y me encanta.

Oh, sí, sí… a mí también me gusta. Y, de hecho, yo propuse ponerla al principio del disco, porque es como enviar una señal, diciendo: “estamos haciendo algo un poco distinto”, ¿sabes? Suena un poco a The Flower Kings, pero al mismo tiempo tampoco suena como las viejas canciones del grupo. Tiene un tempo más alto y casi un ritmo de Motown, en el bajo y la batería. Así que propuse que esa fuera la primera canción y los chicos estuvieron de acuerdo. Nos pareció una buena manera de empezar el disco. Y, además, es una composición que vamos a tocar en directo, algo que probablemente funcionará muy bien en vivo, dentro del repertorio.

Pues quería decirte que es muy buena idea tocar esa canción, quizá no como la primera del set, pero creo que funcionará perfectamente.

Sí, sí.

Otra canción que me encanta, y una de mis favoritas, es “The Phoenix”. Es una canción preciosa, con guitarras acústicas, y, por cierto, me encantó el solo de guitarra.

Oh sí, “The Phoenix” tiene como… no diría un toque clásico, pero sí un pequeño aire clásico, en la melodía y en la armonización. Es un estilo de música que he llevado conmigo durante muchos años, desde que era adolescente y tocaba en Kaipa. Es un estilo que ha evolucionado, pero que conozco muy bien, y tengo muchas canciones de este tipo, así que, a veces, tengo que tener cuidado de no incluir demasiadas en un disco o en un repertorio. Pero sí, me gusta mucho, me gusta… Es que me gusta todo el álbum, aunque hay secciones de ciertas canciones que me gustan un poco más.

Otra canción que, bueno, no me sorprendió tanto porque es tu estilo y Flower Kings siempre tiene alguna sorpresa, es “The Promise”, donde aparece un acordeón. Otro gran tema…

Ah sí, claro, claro. Y el acordeón lo toca Aleksandr Yasinski, un amigo nuestro. Creo que lo conozco desde hace unos 15 años. Era solo un adolescente cuando me escribió un Email hace 15 años, y él y un par de amigos, me pidieron, creo, que tocara en una grabación que habían hecho. Recuerdo algo de aquello… Tenían una formación un poco extraña con guitarra acústica, acordeón y quizá algún instrumento de viento, pero se notaba que les gustaba el rock progresivo. Me pareció un poco curioso, y me dijeron que eran de Bielorrusia, muy cerca de Rusia.

Con el paso de los años seguimos en contacto, y Aleksandr ha sido invitado a tocar con nosotros, con The Flower Kings en algunas giras. En la última gira que hicimos, el año pasado, vino a tocar en conciertos por Alemania, Polonia y creo que también en República Checa. Incluso vino a Suecia para tocar dos conciertos en nuestra ciudad natal. Era algo más íntimo, donde solo tocaba el acordeón, como en una librería. Así que… sí, a lo largo de los años seguimos en contacto, y resultó muy natural invitarlo a participar y que tocara en el disco.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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La entrada Entrevista a Roine Stolt, líder de The Flower Kings (Parte 1): ‘El coronavirus era una amenaza externa que hizo que la gente se uniera, ahora hemos vuelto a los viejos comportamientos dañinos’ se publicó primero en Stairway to Rock.

Es importante saber que es un controlador obsesivo de todo y que incluso veta a un color: nunca habrá focos de color blanco en un concierto del maestro sueco. Se vuelve a reivindicar como artista en solitario y no como banda a la vez que nos explica cuándo introdujo a la hora de hacer letras dentro del rock neoclásico. Una gozada…

Por lo que mencionaste antes de tu carrera. ¿Crees que el único camino para un guitarrista es el de hacer una carrera en solitario?

No, en absoluto. No, no, no, no, no, no… Rolling Stones, Van Halen, sabes, hay un montón de bandas que me encantan. Las amo. Y sé, de hecho, que cuando Keith Richards tocó un acorde, el baterista lo siguió, tocó su parte y se creó esa sensación. Allí hay un conjunto y todos aportan algo.

Y a ver, en mi caso… digamos que la música es una forma de arte, ¿verdad? Es como la pintura. Es como escribir libros. De la misma manera en que lo hacían Leonardo da Vinci y gente como él, la forma en que ellos abordaban su arte… Digamos que esa forma es más similar a lo que yo hago. No pinto la mitad del cuadro y digo, «oye, oye, podrías venir y ayudarme a pintar el resto del cuadro«. Sabes, esa es simplemente la forma en que soy como artista.

Estoy mucho más cerca de un compositor clásico o de un pintor. No tiene nada que ver con que no me gusten lo que otras personas hacen o que no quiera estar con otra gente. Es solo que tengo una idea muy clara de lo que quiero. Chicos, recuerden esto: he estado haciendo esto durante casi 50 años, y es mucho tiempo. Y sigo haciéndolo, no voy a parar ahora, y la razón de esto, es que tuve la visión de que tenía que ser así. Y todos decían «Haz esto, haz aquello, deberías hacer esto, esto es lo más importante«…

Cuando crecí en Suecia, todo lo que escuchaba de la gente era «Oh, eres bueno, pero nunca lo vas a lograr, vas a ser una mierda. ¿Qué crees que vas a hacer con eso?». Entonces estaba tocando rock neoclásico. Era en 1978 y puedo mostrarte una cinta de eso, cuando tocaba cosas neoclásicas, cosas de metal muy duro. Pero en Suecia se reían de mí… Pero la cosa es que así soy yo. No estoy diciendo que lo que hagan los demás esté mal, solo estoy diciendo que para mí tengo una visión muy clara de lo que quiero.

Todos tienen que encontrar su propio camino. Si sienten que les gusta Lennon y McCartney, está bien. Quiero decir, que es hermoso cuando a la gente le gusta un grupo. Solo que esa no es mi forma de trabajar, ¿sabes? No estoy diciendo que esté bien o mal, es solo que las personas son diferentes, y así es como yo trabajo.

Mirando el video, he visto los amplificadores Marshall y me encantan. Supongo que te encanta tener varis torres de ellos.

Esa que ves en el DVD es el formato pequeño, realmente. Ese es un formato pequeño, porque yo tengo un rider que dice que deben ser estos Marshall, pero justo detrás de mí… Cuando hago una gira en Estados Unidos, tengo más de 56 cabezales Marshall detrás de mí.

Aparte de los amplis Marshall… me he fijado en los colores de las luces, y creo que el amarillo y especialmente el rojo son los colores principales, los que dominan en tu show.

Sí, eacto. Sí, tengo eso en mi rider. ¿Sabes lo que es un rider, ¿verdad? El rider de producción dice «no habrá luces blancas«. No me gustan las luces blancas. No me gustan las luces blancas en el escenario. Se ven terribles, es como un hospital.

Pues con ellas saldrías más guapo en las fotos, creo.

¿Qué? ¿Más guapo? Sí, es posible, eso seguro…

Pero me parece curioso… ¿por qué no tienes luces blancas?

Porque considero que cuando el humo entra, con las luces rojas, parece un dragón, algo épico. Así que puedo entender mi show sin la combinación de ambas luces. Es gracioso, si miras la portada de mi primer álbum en solitario, es el mismo amarillo y rojo, y ese simbolismo del fuego. Ese era mi concepto… Es decir, que estoy contento con esto. Salió mejor de lo que pensaba este disco en vivo, especialmente el sonido. Porque depende de cómo lo graben puede tener sus altibajos.

Bueno, pasamos al tema de cantar las canciones, porque en este video en directo, y también en tus conciertos, cantas algunas de las canciones, pero también lo hace Nick Marino, el teclista. Entonces, ¿has trabajado mucho para mejorar tus habilidades como cantante? ¿Y no has pensado en tener a Nick como único cantante o prefieres combinar ambas voces?

Sí, digamos que hay algunas canciones que no me gusta cantar porque no me siento bien cantándolas. Pero, obviamente, desde 2010, he estado cantando en todos los discos. Básicamente, lo que siento, es que simplemente me siento bien, simplemente te sientes bien, pero no creo que haya que pensar mucho al respecto, y no pienso en cómo dividirlo o nada, simplemente lo dejo que fluya, ¿sabes lo que quiero decir?

¿Fue una decisión difícil para ti empezar a cantar canciones? Porque cuando pensamos en el rock neoclásico, que ese sería el término, no pensamos en cantar canciones, pensamos en material instrumental.

Bueno… creo que solo piensas en lo instrumental.

Entonces, fue difícil para ti decir, ¿»Ok, vamos a introducir letras a la música«?

No, déjame intentar explicarlo. Cuando formé mis bandas en Suecia desde 1972 hasta 1982, yo era cantante y, a veces, tenía a un tipo que venía a cantar porque simplemente yo no quería cantar. Pero siempre escribí canciones y letras porque pienso que eso es importante, y también soy letrista. Así que cada canción que hayas escuchado en los álbumes que he hecho en los que no canté, yo escribí las letras, excepto algunas pequeñas excepciones, de las cuales no estoy muy contento, porque básicamente, estaba pasando por algunas cosas en mi vida en las que no estaba muy enfocado. Cosas como esas… Esto fue hace muchos años, en los 80.

Y así que, cuando llegué a Japón en 1983, ya en enero de 1984, los japoneses dijeron, «Oh, necesitamos un álbum en solitario tuyo«. Y yo dije, «Ok, haré un álbum en solitario porque estaba en Alcatrazz«. Ellos dijeron, «No, sin voces«. Yo dije, «No quiero hacer un álbum instrumental«. Dijeron, «No, necesitamos un álbum instrumental«. Y yo dije, «Ok«. Entonces tomé mis viejas canciones compuestas en Suecia, como “Black Star” y “Far Beyond the Sun” y otras. Y algunas otras cosas que escribí, las junté rápidamente y dije, «he metido dos canciones con voces…«.

Esto se suponía que sería un disco en solitario al margen de Alcatrazz, pero dejé la banda y terminé el álbum Rising Force y me metí directamente al estudio para hacer el segundo álbum, que se suponía que iba a ser el primero. Rising Force vendió tan bien en importación que llegó a las listas de Billboard de Estados Unidos, así que el sello americano quería un lanzamiento mundial.

No es que yo dijera «Oh, quiero hacer un álbum de guitarra«… no, no quería hacer un disco enfocado a la guitarra… Pero me gustaba hacer composiciones instrumentales. Es como si Mozart escribiera óperas y también conciertos. Básicamente, es un amplio abanico de composiciones. La guitarra ess solo un instrumento más, una forma más de expresarse, y eso es todo. No estoy diciendo que sea bueno o malo, o lo que sea. A veces escribo algo y no sé si va a tener voz o no, porque depende de las melodías que surjan. Así que, sí, nunca fue una decisión en plan: «esto o lo otro».

¿Estados Unidos y Japón tal vez son los mercados más grandes para Yngwie Malmsteen?

Lo solían ser, pero ahora es todo ya muy global. En mi última gira vendí miles y miles de entradas en Bulgaria, en Italia, hice dos giras italianas… Vendí todo en Venecia, Roma, en Milán también todo agotado, y luego volví unos meses después y se agotaron nuevamente. Así que no, no es solo unos países concretos… Está en todas partes, y en América del Sur es increíble. México, sabes, donde sea, no importa. Toqué en Yakarta, en estadios de fútbol. Es una locura, y no parece detenerse. Es realmente bueno. Así que doy las gracias.

Sí, recuerdo que en 2002 China decidió que no habría músicos occidentales tocando en su país, pero dijeron que a Malmsteen sí le permitían tocar. Así que fuiste uno de los primeros músicos europeos que pudo tocar en China.

¿Te refieres a la Unión Soviética o a China?

China.

Pero quiero hablar también de la Unión Soviética…

Pero tú abriste las puertas para otros muchos músicos.

La razón por la que pude tocar en la Unión Soviética fue porque mi padre era espía. Estaba espiando a los soviéticos, habla ruso con fluidez, es sueco pero habla ruso perfectamente, estuvo en el ejército toda su vida y formó parte de las fuerzas de la ONU en los años 70. Se convirtió en uno de los cuatro oficiales que se infiltraron en la Unión Soviética porque Suecia estaba en medio entre la OTAN y el Pacto de Varsovia, en los 80.

Así que un día estaba sentado en la Unión Soviética, creo que fue en 1986 o algo así, en el apogeo de la guerra… Él va, y está sentado allí bebiendo con una cantante de ópera, la cantante de ópera le muestra un disco mío a mi padre. El nombre de mi padre es Lennard. Ella le dice: «Lennard, tienes que escuchar este disco”, y sabes, era el Trilogy. Mi álbum Trilogy que algún imbécil de Polygram había vendido los derechos a la única discográfica estatal Mill Recordspor tres mil dólares. Vendió 17 millones de copias en una discográfica oficial rusa, soviética. Entonces mi padre dijo: «Sí, ese es mi hijo”. Y creyeron que mi padre bromeaba, que era un tipo muy gracioso. No se lo podían creer, ellos dijeron: “esto es increíble.»

Así que tuvimos el estadio olímpico de hockey en Moscú, con 18,000 asientos, 11 noches seguidas, 18,000 asientos, luego volamos a Leningrado, en el estadio olímpico de hockey y allí había 18,000 asientos más, nueve noches, dos ciudades, 20 shows. Y no gané dinero porque el rublo no valía nada. Así que eso fue un gran acontecimiento, y luego, tres años después, otras bandas como Mötley Crüe y cosas así fueron allí, y montaron un gran escándalo. De todos modos, eso ahora ya no me importa.

En cuanto a la China comunista, fui a Hong Kong muchas veces y a Taiwán, pero no fui a Shanghái hasta alrededor de 2016, creo que fue, tal vez 2017, y Pekín también. Y no sé si realmente estaba prohibido a los artistas occidentales, lo único que me dijeron fue que, si lanzaba una púa al público, me metían en la cárcel. Me dijeron, «Si tiras púas al público, te vamos a meter en la cárcel«. China es un lugar muy extraño.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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Director: Carl Gottlieb

Productora: Truman-Foster Company

Año: 1981

“Caveman” (“Cavernícola” en España) de 1981 es una película que pasó a la historia por tener a Ringo Starr, batería de The Beatles como protagonista y estrella. Un poco el film intenta ridiculizar y parodiar a todos esos films de seres prehistóricos con mujeres en bikini de piel, pero tampoco es que vaya mucho más allá de lo correcto y simpático. Hay un excepcional elenco de actores como Dennis Quaid, Barbara Bach o Jack Guilford, que cumplen perfectamente, pero el guion es de gamberrada prehistórica y poco más.

Atouk (Ringo) es el ser más endeble de una tribu prehistórica en la que su líder es el musculoso y dominante Tonda, que disfruta del cariño y amor de la preciosa Lana, por la que Atouk se desvive. En hora y media hay diferentes gags bastante infantiles y una trama que no pasa del correcto, con algunas bromas que ahora podrían ser susceptibles de cancelación, pero que en su momento, eran aceptadas sin problema alguno. Hay una escena en la que podríamos llegar a decir que se podría insinuar un intento de violación mediante sumisión química, pero… estamos en la prehistoria.

Evidentemente el rigor histórico es nulo y los dinosaurios conviven con el ser humano. Cuando un T-Rex o un simpatiquísimo camaleón gigante aparecen en escena para comerse a los protagonistas, estos gritan “¡Matcha!” en señal de alerta. A pesar de que no hay diálogos propiamente dichos, hay nombres para los personajes y hay un impresionante lenguaje corporal y expresivo. El momento en el que un prehistórico explica al resto de la tribu que el camaleón se ha comido a un integrante de la misma es ciertamente notable.

Pero todo cae en escenas de pedos, tetas y demás recursos fáciles. Obviamente Atouk es expulsado de su tribu, y en su destierro va consiguiendo amigos de lo más variopinto hasta conseguir una importante pandilla con la que efectuará su venganza para destronar a Tonda y quedarse con la preciosa Lana. Media película la consigue Dennis Quaid haciendo del fiel compañero de Ringo, que tiene que sobrevenirse a una lesión de pierna y a un ataque de un dientes de sable vestido con traje de Todo a 100.

La verdad es que Ringo está genial en su papel, pero tampoco es noticia, ya que con los Beatles había hecho varias películas. Esto es una gamberrada sin más en una historia previsible, que entretiene y que merece darle estas líneas básicamente, porque está el batería de los Beatles. Y poco más… Los efectos especiales de plastelina han quedado muy desfasados, pero momentos como en el que la nueva tribu de Atouk descubre la música tienen mucho encanto.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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Después de eso ya pude ver a Paul McCartney y sentí esa misma sensación de estar abrumado. Eso me pasa cuando veo en directo canciones de los Beatles. Y también me sucede con muchos otros artistas. Posiblemente también me pasó asistiendo a un concierto de Yes en los 70. Francamente, es que no puedo recordarlo… Puede suceder de vez en cuando, pero no es algo habitual. La música es muy poderosa..

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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