Acherontia (Hospitalet de Llobregat, 2011), llegan sedientos de sangre para presentar su nuevo trabajo. Los veteranos del metal patillero salen por fin a pasear su metralla oxidada. Guarden la plata y cierren las ventanas.

Monogordo, el cuarteto de stoner hard rock del área metropolitana viene a aplastaros con sus riffs pesados y a arrastraros por sonidos primitivos y salvajes. Agarraos fuerte y disfrutad el viaje.

HORARIOS:

Apertura de puertas 20:00

MONOGORDO 20:20

ACHERONTIA: 21:40

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27 de marzo de 2026

Century Media Records

Hellripper o, lo que es lo mismo, el virtuoso multinstrumentista escocés James McBain, acaba de publicar un nuevo álbum, titulado Coronach. Se refiere este término a un tipo de canción funeraria escocesa. Para quienes estén versados en nuestro folclore medieval, sería algo similar a las endechas de las plañideras. Pero que nadie se lleve a engaño: aquí no hay nada que lamentar. El nuevo trabajo de este destripador infernal ha llegado para asaltar los cielos.

Hace unos cuantos años, un buen amigo me recomendó Hellripper con el furor de una comadreja en un gallinero. Ante su insistencia, no tuve más remedio que hacerle caso y, a rebufo suyo, he seguido puntualmente la evolución de McBain. Tras publicar un EP y varios splits, estos se recopilaron en Complete and Total Fucking Mayhem (2016). En aquel momento, McBain tenía apenas veintiún años. Se ocupaba de componer y grabar todos los instrumentos y ya había logrado que Hellripper tuviera un sonido propio. Motörhead metido en una batidora de black metal con algo de thrash: como unos Venom puestos en limpio. O en menos sucio.

Ese sonido lo perfeccionaría en Coagulating Darkness (2017), seguramente, su disco más aclamado hasta ahora. Desde el principio, McBain era excelente a las baquetas, pero en The Affair of the Poisons (2020) percibí una clara mejoría de su rendimiento a la guitarra. El problema es que, en ese disco, su propuesta comenzaba a mostrar síntomas de agotamiento. El propio McBain debió ser consciente de ello, porque en Warlocks Grim & Withered Hags (2023) dio un golpe de timón. Introdujo muchísima melodía y fue una de las sorpresas de aquel año, aunque me pareció que le faltaba algo para que cristalizara la nueva idea que McBain barruntaba.

Al año siguiente, por fin pude ver en directo a los Hellripper, arrastrado por ese mismo amigo del que hablaba antes. Y digo «los», en plural, porque cuando se viste Hellripper de gira, a McBain (voz y guitarra) lo acompañan Joseph Quinlan a la guitarra, Andy Milburn al bajo y Max Southall a la batería. Sucedió en Wacken Open Air 2024 y fue, esencialmente, lo que me esperaba. Una potente descarga de unos blackened Motörhead. Eso no es cosa menor, pero no es algo que a mí me vuele la cabeza. Está claro que a Century Media sí, porque ficharon a Hellripper poco después.

Avancemos en el tiempo hasta hace unas semanas. Fiel a nuestro ritual, mi amigo me anunció que estaba próximo a ver la luz el nuevo álbum de Hellripper, lanzado bajo el paraguas de esa potente discográfica. Me hice entonces a la idea de que me tocaría escucharlo.  Y así lo he hecho. Voy a intentar describir de forma breve y gráfica lo que me sugiere Coronach en su conjunto: es el hijo bastardo (y escocés) que tuvieron Lemmy Kilmister y Alexi Laiho. Después de muertos. Así de bien suena la cosa.

Esa incorporación de Children of Bodom a la coctelera de Hellripper, ya rebosante de Motörhead, se aprecia muy claramente en el tema que abre el álbum, «Hunderprest». Pero sería injusto e ignorante por mi parte reducir el disco sólo a eso. Son tantas, tantísimas, las variadas influencias que se suman a esos dos hilos conductores y que inundan cada una de las canciones, que de la suma de todas ellas acaba surgiendo algo nuevo. Algo mágico y sublime. Destacaré algunas, pero no dejará de ser una burda simplificación.

Si alguien se ha preguntado cómo sonaría Running Wild si hubiera optado por dedicarse al death and roll, en «Kinchyle (Goatkraft and Granite)» encontrará la respuesta. Mucho más cercano a los patrones de la NWOBHM es «The Art of Resurrection». Allí, un piano sirve de introducción a lo que sería una versión brutal de Angel Witch. El medidor de black metal se dispara a continuación con «Baobhan Sith (Waltz of the Damned)», pero de forma pomposa y melódica. Esta canción podría haberla compuesto Cradle of Filth en un día de mucha inspiración.

No todo es revolucionario. Para los seguidores de Hellripper que añoren sus primeros trabajos, el factor Motörhead/Venom retoma el control absoluto, con la brillantez de antaño, en «Blakk Satanik Fvkkstorm». Ahí queda ese título para los anales trve y esta canción para futuros mosh pits. Acto seguido, el espíritu de Iron Maiden, y concretamente el de Powerslave (1984), se materializa en «Sculptor’s Cave». Tremendo temazo de heavy metal, con un estribillo que se ha quedado a vivir en mi lóbulo temporal desde que lo escuché. Pero en «Mortercheyn» vuelve a ganar presencia el black metal, en este caso el que bebe de la escuela de Dissection, para que no nos olvidemos de que, en el fondo, estamos ante un disco de metal extremo.

Nada de lo anterior nos prepara para la canción que da título al álbum. Parte de la letra reproduce el poema, también llamado «Coronach», de Walter Scott, gran jurista y escritor escocés nacido a finales del siglo XVIII. La canción comienza con una guitarra eléctrica reproduciendo la marcha fúnebre de Frédéric Chopin. Y entonces sucede. Voz limpia y el inconfundible sonido de Manowar. Este disco se ha publicado el 27 de marzo de 2026, el mismo día en el que ha fallecido Ross the Boss. Es imposible que McBain supiera lo que iba a implicar esta influencia cuando uno escucha hoy la canción homónima del álbum, que es un himno fúnebre. En la canción «Coronach», la esencia de los «reyes del metal» se une a la de muchas otras leyendas, y también a unas gaitas, para construir un monumento de heavy metal con mayúsculas.

Eso es lo que nos brinda también el álbum Coronach. Parafraseando una jocosa cita del autor de The Deep Purple (1910), Wilson Mizner, Hellripper no está imitando a nadie en concreto. Son tantísimas las influencias presentes simultáneamente en Coronach, superpuestas, amalgamadas o hibridadas, que sólo cabe concluir que estamos ante una investigación académica. Una tesis doctoral de Heavy Metal.

Coronach es de escucha obligada para todo aquel al que le gusten esas dos últimas palabras, incluidos aquellos que no suelan consumir metal extremo. Este álbum va a dar mucho que hablar y a mi sólo me queda agradecerle a mi amigo su insistencia para que apostara por McBain. Ahora sí que ardo en deseos de ver qué nos depara el futuro de Hellripper.

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Autor: Jon Andión

Editorial: Huelga y Fierro

Año de publicación: 2025 

Jon Andión lleva unos años siendo una de las voces más interesantes de la poesía en castellano. Traducido al italiano y con repercusión en Latinoamérica (con varios libros publicados directamente en Costa Rica), tenía ganas de leer su última obra. Mi sorpresa (me voy a permitir el malérrimo chiste: fue una «sorprosa») vino al descubrir que «Cuando me vaya volveré» no es un poemario. Es un libro de relatos cortos, con mucha poesía, pero prosa al fin y al cabo.

En la contraportada de esta preciosa y cuidada edición figuran los halagos a la obra de autores de la talla de Rafael Soler («una formidable colección de relatos, con personajes y tramas imborrables») e Inma Chacón («un soberbio ejercicio de reflexión sobre la condición humana y el camino que discurre entre la vida y la muerte»). Y no es para menos.

El libro se articula en torno a trece relatos independientes, que en realidad son catorce. En efecto, fuerza el autor romper la cifra de la mala suerte incluyendo un relato en blanco, con el genial título «La vez que fui a verte pero no estabas». Así que son «casi» catorce historias. El libro es breve en extension, apenas supera las cien páginas. Puede uno leerlo en una tarde, o tardar toda una vida en descifrar lo que se oculta tras sus múltiples capas, relectura tras relectura. Es increíble el dominio de la palabra, el amor por la palabra justa, que hay aquí.

No sería buena idea, pensando en quien quiera leer «Cuando me vaya volveré», desvelar el contenido de estas historias, que además permiten muchas interpretaciones personales por esa carga poética que supuran. Voy a destacar sólo dos. Una, por ser el primer relato del libro, y la otra, por su temática musical.

Este libro tiene una fuerte carga de realismo mágico, y nos lo deja bien claro desde el principio con «Sepulturero». Como puede intuirse, el protagonista es un enterrador. Al igual que le sucede al de la canción «The Undertaker» de Accept, podríamos aplicar a Ildefonso aquello de «he’s no remorse, just sympathy» o «clients many, friends not one». La particularidad de este enterrador es que las tumbas que cava tienen diseños, muy apreciados por los familiares de los difuntos. Agujeros con forma de constelaciones, barcos o animales fantásticos que, lógicamente, pierden su forma al introducirse en ellos los ataúdes y ser recubiertos por tierra. Y así arranca el libro, con toda una declaración de intenciones. Las peripecias de Ildefonso condensan la belleza de la vida y su futilidad en apenas unas páginas.

Hay mucha música en «Cuando me vaya volveré». Hay rock y hay blues en muchos de sus personajes. Jon Andión, además de poeta, es músico e hijo de músico (su padre fue el cantautor Patxi Andión), y lo hace notar. Sin embargo, el relato específicamente dedicado (en apariencia, al menos) a la música tiene que ver con una orquesta sinfónica. «El clásico desconcierto» nos cuenta cómo, debido a la impericia de un músico, que no sabía nada de smemfatine, es destruida la última smemfatina.

No nos queda claro qué clase de instrumento (intuimos que de viento) era esta smemfatina pero, con un gran sentido del humor, nos transmite Jon Andión el alcance de esta tragedia. Cuenta este relato que los contrabajos vigilaron en su gravedad el suceso, y es inevitable traer a colación la obra de Süskind: hablar de este surrealista instrumento sólo le sirve a Jon Andión de excusa para reflexionar sobre cuestiones mucho más trascendentes.

No creo que deba desvelar más. Aunque destripara el aparente contenido de los relatos, no podría estar transmitiendo todo lo que realmente esconden. Sólo me queda insistir en que vale, y mucho, la pena acercarse a esta pequeña gran obra.

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[J. A. Díaz] Es un placer para Stairway to Rock reunirnos hoy con una auténtica leyenda del heavy metal. Ambos somos seguidores de Ben Jackson en particular, así que si tuviéramos más tiempo te preguntaríamos cosas sobre tu banda Avenging Benji. Entiendo que ahora eso es un capítulo cerrado.

Sí.

[J. A. Díaz] En todo caso, si estamos hoy aquí es para hablar de Crimson Glory. ¡Del quinto disco de Crimson Glory! He de decir que Chasing the Hydra nos ha parecido un álbum fantástico. Yo me encargué personalmente de hacer la crítica para Stairway to Rock y me encantó. Así que, ante todo, enhorabuena.

¡Gracias!

[J. A. Díaz] Aunque no sea un álbum conceptual, creo que hay un hilo temático muy fuerte a lo largo de todo el disco: todas las letras giran en torno a la fatalidad, al destino… Transmiten una sensación de colapso inevitable. Como cuando cortas una cabeza de la Hidra y salen dos más. O como “Triskadeika”, por ejemplo, por aquello de la mala suerte. ¿Cuánto de ese tono oscuro y profundo queríais plasmar musicalmente por vuestra parte y cuánto es obra de vuestro nuevo cantante Travis Wills?

Yo creo que es una combinación de todos nosotros. Aportamos ese estilo y ese factor tanto en la música como en las letras. Muchas de las letras del álbum las escribió Travis. De hecho, la mayoría. Jeff Lords escribió algunas, yo escribí parte de “Triskadeika” y creo que Dana Burnell también contribuyó un poco, pero en este disco principalmente vienen de Travis.

[J. A. Díaz] Ahora te voy a preguntar sobre dos canciones concretas, “Broken Together” y “Beyond the Unknown”. Para mí destacan especialmente; desde el punto de vista emocional y compositivo creo que son de lo mejor del álbum, son increíbles. ¿Se compusieron desde cero para este disco o partían de ideas anteriores que no llegaron a desarrollarse en su momento, ya fuera en la época de Midnight con el álbum fallido de 2007 o en la etapa de Todd La Torre?

En realidad, todo se hizo desde cero en los últimos tres años, no se reutilizó nada, ni ideas ni material antiguo. Todo es completamente nuevo en Chasing the Hydra.

“Broken Together” empezó con un riff que compuse yo, hice una demo y se la enseñé a los demás; les gustó el estilo y dijeron que tenía un aire muy Crimson Glory. La introducción acústica fue idea de Travis, pero cuando entra toda la banda con la batería y todo lo demás, el riff principal que se escucha al principio es el mío. A Jeff le gustó y añadió cosas muy interesantes, y luego Travis escribió la letra. Así, la canción fue creciendo a partir de esa idea inicial hasta convertirse en un tema completo de la banda, probablemente uno de los más cercanos al “sonido Crimson” del disco. A mí también me gusta mucho, tanto por las partes de guitarra como por la forma en que está cantada.

En “Beyond the Unknown”, la música la escribió Jeff y la letra Travis. Y es simplemente una canción muy guay, creo que es una de las más pegadizas del disco, casi como un himno.

Sí, yo también estoy de acuerdo en que esas dos canciones son de las mejores; de hecho, son de mis favoritas del álbum. Me gustan todos los temas, pero esas dos están claramente entre los primeros puestos.

[J. A. Díaz] Volviendo a las letras, temas como “Angel in My Nightmare”, “Indelible Ashes” y “Pearls of Dust” tratan sobre la muerte, el duelo y el fallecimiento de alguien cercano. Siendo el primer disco de Crimson Glory tras la muerte de Midnight, surge la duda… ¿Estas canciones son una referencia o un homenaje a Midnight?

En realidad, no tienen nada que ver con Midnight: son simplemente historias e ideas que vamos creando. “Indelible Ashes” no trata sobre una persona concreta, sino sobre la idea del recuerdo; “Angel in My Nightmare” es una canción con un aire misterioso, pero tampoco está dedicada a nadie específico. Son conceptos que nos vienen a la cabeza y que desarrollamos.

 [J. A. Díaz] Hablemos ahora del concierto que daréis en España este verano en el festival Rock Imperium, uno de los más importantes del país. Allí coincidiréis con Sabaton, uno de los cabezas de cartel, cuyo vocalista Joakim Brodén ha expresado en muchas ocasiones su admiración por Crimson Glory. ¿Qué puedes contarnos de la relación de Crimson Glory con Sabaton?

Hemos tenido cierto contacto. En 2009 hicimos un concierto homenaje a Midnight en Atlanta, en el festival ProgPower, donde los cantantes de otras bandas que participaban subían al escenario a cantar con nosotros. El cantante de Sabaton fue uno de ellos y cantó una canción con nosotros aquella noche, junto a otros muchos vocalistas conocidos.

Lo conocimos allí, participó en nuestro concierto homenaje a Midnight y ahí me di cuenta de que era fan de la banda; de hecho, creo que incluso tienen alguna referencia a una de nuestras canciones en sus letras. Son unos tíos geniales, una banda muy buena. Además, tocamos en su propio festival en Suecia en 2012, cuando Todd La Torre estaba en la banda. ¡Sabaton tienen su propio festival! Allí coincidimos, así que nos hemos cruzado con ellos un par de veces.

No conozco a Joakim Brodén demasiado en profundidad, pero hemos coincidido y es un tipo muy majo, y nos gusta que tenga tanto cariño por Crimson Glory.

[J. A. Díaz] También vais a coincidir en el festival Rock Imperium con Queensrÿche y, por tanto, con vuestro excompañero Todd La Torre. ¿Mantenéis el contacto con él?

Sí, seguimos en contacto de vez en cuando. No constantemente, porque ambos estamos ocupados, pero, por ejemplo, el año pasado quedamos para comer. Es un gran tipo y siempre seremos amigos.

[J. A. Díaz] ¿Crees que podríais hacer algo especial en directo en el festival Rock Imperium, como una versión a dos voces de la canción “Garden of Shadows”?

Siempre existe la posibilidad de que se suba al escenario como invitado y cante alguna canción con nosotros, sería algo que nos encantaría hacer. No lo hemos hablado directamente, pero si coincidimos en algún festival y surge la ocasión, podríamos proponérselo. Si le apeteciera, estaríamos encantados, sería muy divertido. No creo que fuera “Garden of Shadows”, probablemente sería algo de nuestro repertorio clásico en lo que Todd pudiera participar.

Quizá incluso hable con él antes y le recuerde que la invitación está abierta si quiere subir al escenario con nosotros; seguro que sabe que es más que bienvenido.

[J. A. Díaz] Ya sabes, Todd La Torre, si estás leyendo esto… Ahora voy a cederle la palabra a mi compañero Pere Guiteras para que continúe con la entrevista. En Stairway to Rock tenemos una sección dedicada a aniversarios de álbumes clásicos. Con motivo del 40 aniversario de vuestro álbum debut el próximo mes de octubre, precisamente él se encargará de esa crítica retrospectiva. Así que sospecho que sus preguntas nos van a llevar a tiempos más remotos.

¡OK!

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Años de juventud, años de egos y de carácteres marcados. Madrileños chulapos de pura cepa contra astures que siempre jugaron en desventaja por ser periferia del mercado central. Estaban ambas bandas en su cenit: El ángel caído y Finisterra. A nivel patrio fue una “batalla” entre fans como la que hubo en las cartas que se mandaban a la Heavy Rock de: “¿Quién manda? Guns N’ Roses o Metallica”.

Un escenario pequeño en provincias cuando ambas bandas coqueteaban con una producción mayor y la pirotecnia y los hinchables eran ya una realidad en los de la bruja. Txus y Rionda coincidían y sus egos estaban creciendo a un nivel que nos encantaba, tanto… que no cabían en ese escenario guadalajareño. Y obviamente, no hubo sangre, pero sí un grupo que se salió con lo suyo y otro que decidió no tocar esa noche.

A todo eso hay que sumarle un aguacero terrible cuando los Mägo ya habían montado una pirotecnia que se mojó. Fue una guerra fría pues intervinieron los pipas de ambas bandas, y, cuando fue comunicado a Avalanch que no podrían utilizar la pirotecnia el grupo asturiano tuvo que tomar una decisión. ¿Tocarían? De verdad que en ese momento ambas bandas estaban en un momento de auge y que competían por ser punteras en el heavy metal patrio. Ambas lo consiguieron.

Queremos hacer las cosas bien y no vamos al amarillismo, hecho por lo que aportamos declaraciones de los presentes y documentos históricos, que incluso, muchos miembros de Avalanch ni los tienen. El caso es que servidor consiguió el original del grupo de Rionda pues fue miembro del club de fans una temporada. Desconozco esa trayectoria del club de fans, pero yo sólo recibí una entrega de la revista de la que podéis ver en las fotos.

A veces me da por mirar el archivo de tantos años y te reencuentras con material excepcional, y este es el caso. No es nada trascendente, para nada, pero sí resulta divertido que en su juventud los piques fueran los que eran. Siendo la inmensa mayoría fans de ambas agrupaciones, nos gusta hacer un poco de arqueología de heavy metal patrio. En un festival presentado por Rafa Basa y en que tocaban también Tierra Santa, Saratoga y otra banda del lugar. Era un festivalazo…

Ojito a los comentarios de los protagonistas….

Víctor García (cantante de Avalanch)

“¡Oh, la cancelación! (risas). Digamos que hubo un pequeño desacuerdo entre Mägo y nosotros por tema de pirotecnia… A ver, ellos eran cabezas de cartel, eran los primeros que estaban allí y el segundo era Avalanch. Ellos montaron primero, todo lo que llevaban y cayó una tromba de agua terrible y su pirotecnia se mojó. Nosotros tambi´ñen llevábamos pirotecnia, pero la montábamos antes de empezar. Y el tema es que no fue cosa de Mägo Mägo ni de Avalanch Avalanch: fueron representantes de ambas bandas. Que si pirotecnia sí, que si pirotecnia no… total: que se tardó en salir. Luego se hizo una votación en Avalanch para ver si salíamos o no y acabó 5 a 1 por el NO. No tocamos, y luego se puso el comunicado y todo.

Y el uno… está claro. ¿no? (muchas risas). Yo como si salgo sin guitarras o sin nada: yo salgo. No tengo miedo a nada. Es que ese documento que tienes no lo tengo ni yo, pero tampoco soy mucho de guardar nada. Eran otros años… piensa que Mägo no está como está ahora. Éramos bandas más cercanas disputando una posición y fue todo una chiquillada. La gente se puso nerviosa y decía que no podía tocar. Yo no he cancelado muchos conciertos en mi vida, pero de ese sí me acuerdo. Porque una vez te desplazas, tienes todo el equipo y lo tienes todo, lo de marcharte para casa es como un poco… Bueno: son cosas que pasan y no pasa nada: fue hace mucho”.

Jose Andreä (cantante de Mägo de Oz)

“La verdad es que éramos un poco cabrones… Llevábamos nuestra pirotecnia y la bruja hinchable. Era el segundo o tercer tema en el que pusimos la bruja. Era Guadalajara y el escenario no era muy grande, Llevábamos nuestros trabajadores, el Ríchald Flores y la gitana y en esos tiempos éramos como una familia: súper-unidos. Nos íbamos todos de juerga y los técnicos no eran técnicos, eran amigos. Se partían la cara por nosotros, y de verdad que ni nos dábamos cuenta.

Nosotros estábamos en el hotel y nuestros técnicos pusieron nuestras cosas incluyendo nuestra pirotecnia y no dejaron que Avalanch pusieran la suya, y luego, como la bruja ocupaba mucho espacio con 3 o 4 metros de alto por 7 de ancho, pues tampoco tuvieron sitio para montar su batería o lo que sea. Si me preguntas… Pues sí, les puteamos (risas). Las cosas como son. Les puteamos, pero, si yo hubiera estado en su pellejo, yo hubiera salido a tocar y te hubiera jodido tu concierto. Yo me hubises liado a patadas con mis fuegos artificiales y hubiese pinchado la bruja. No sé, algo hubiese hecho. Eso, si yo hubiese estado en su papel les hubiese pateado sus fuegos artificiales, pero no su decisión fue: Bueno, pues me enfado y me voy.

Cosas que suceden porque en aquella época éramos unos chiquillos que nos creíamos los Rolling Stones y cosas que pasan de chiquillos. Que ha pasado el tiempo y he podido hablar con Rionda y te acabas riéndote de esas cosas que pasaron. En ese momento te parece una gran putada, pero con el paso del tiempo ya lo ves diferentes. Deberías haber tocado y luego haberme tocado los cojones a mí. Básicamente eso fue lo que pasó: que les puteamos”.

 

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Esta segunda edición refuerza su identidad con un formato de escenario único, sin solapamientos y con conciertos completos, priorizando la experiencia del público. Todo ello en un entorno privilegiado frente al mar, pensado para disfrutar de cada actuación sin prisas ni interrupciones.

El cartel destaca por el único concierto en España en 2026 de Avantasia, acompañado por nombres internacionales como Lordi, Eivør, Primal Fear y Destruction, entre otros.

Con solo 500 abonos restantes, el festival entra en su fase final de venta, confirmando la gran respuesta del público ante una propuesta que busca crecer con ambición y convertirse en un referente del metal en Andalucía.

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20 de marzo de 2026

Frontiers Records

Formados en Chicago, Ignescent han construido su trayectoria desde la independencia, desarrollando una propuesta que combina hard rock moderno con elementos de metal alternativo y una fuerte carga temática ligada a la superación personal y la introspección emocional. Liderados por Jennifer Benson, el proyecto fue ganando tracción a base de singles y giras constantes hasta consolidar su salto a una estructura más profesional con su fichaje por Frontiers Records, sello especializado en revitalizar y proyectar propuestas dentro del rock melódico y el hard contemporáneo.

Eternal supone un paso adelante en términos de cohesión sonora y ambición estructural. No hay ruptura estilística, pero sí una optimización clara de recursos: mejores decisiones de producción, arreglos más definidos y una ejecución más consciente del espacio sonoro.

Desde “Joker”, el álbum establece un patrón reconocible: afinaciones graves en guitarras, capas dobles bien paneadas y una base rítmica compacta, con especial atención al golpe de bombo y caja, comprimidos para mantener presencia constante sin saturar la mezcla. La producción apuesta por un equilibrio entre nitidez y densidad, evitando el exceso de frecuencias bajas que suele lastrar este tipo de propuestas.

En “Scream” y “Fight For Me” se aprecia una estructura compositiva estándar pero efectiva: estrofas contenidas, pre-coros en progresión ascendente y estribillos abiertos con refuerzo armónico. El uso de overdubs vocales en los coros amplifica la sensación de amplitud sin caer en artificios innecesarios.

“Fearless” destaca por su claridad estructural. La dinámica está bien gestionada, con una transición limpia entre secciones y un trabajo de guitarras que prioriza la función rítmica sobre el lucimiento técnico, reforzando el carácter directo del tema.

El bloque central introduce variaciones tímbricas interesantes. “Shame Shadow”, con Jermaine Nixon, incorpora texturas más oscuras, con un tratamiento de guitarras menos saturado y mayor presencia de medios. La mezcla aquí gana en profundidad, dejando espacio a la voz para explorar registros más contenidos.

En “Our Love Dies” y “Alone In The Dark”, la banda reduce la densidad instrumental, lo que permite apreciar mejor el trabajo de ambientación: reverberaciones más largas, delays sutiles y una batería menos comprimida, aportando sensación de aire y separación entre elementos.

El punto técnico más interesante llega con “Chariot Of Fire”, donde la participación de Clint Lowery introduce un enfoque más elaborado en guitarras. Aquí se percibe un mayor desarrollo en capas, con líneas que combinan función rítmica y melódica, además de un uso más detallado de efectos.

“Light Up The Night” recupera la inmediatez, con un enfoque más accesible y una mezcla orientada a maximizar el impacto del estribillo. La ecualización favorece frecuencias altas en guitarras y voces, aumentando la sensación de energía sin comprometer la claridad.

El cierre con “Eternal” opta por una construcción progresiva, menos dependiente de la estructura clásica. La instrumentación se desarrolla de forma más gradual, con especial atención al control dinámico y a la evolución de la voz, que actúa como eje narrativo.

La principal fortaleza de Eternal reside en su consistencia. No hay experimentación radical, pero tampoco decisiones erráticas. Cada elemento —desde la producción hasta la interpretación— responde a un objetivo claro: construir un sonido sólido, actual y funcional dentro del hard rock moderno.

La interpretación vocal de Jennifer Benson es uno de los pilares del álbum: afinación precisa, control dinámico y capacidad para alternar entre intensidad y contención sin perder coherencia. A nivel instrumental, la banda prioriza el conjunto sobre el virtuosismo individual, lo que refuerza la cohesión global.

Como punto menos destacable, la estructura de varios temas puede resultar predecible para oyentes habituados al género, especialmente en la primera mitad del disco.

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Sala Paral-lel 62, Barcelona

28 de Marzo de 2026

Crónica: Pere Guiteras.

Fotografía: Desirée Martínez.

El sábado de la semana pasada, en la Sala Paral-lel 62 de Barcelona, nos visitaron la banda más conocida del rock andaluz actual: Derby Motoreta’s Burrito Kachimba. Ellos mismos definen su estilo como kinkidelia, en una peculiar simbiosis entre flamenco y rock psicodélico, bebiendo de clásicos como los titánicos Triana. Se formaron en 2017 en Sevilla, por parte del carismático vocalista Dandy Piranha (hijo bastardo de Jesús de la Rosa y Robert Plant de Led Zeppelin), junto a los guitarristas Gringo y Bacca, Soni en las cuatro cuerdas, Papi Pacchuli en el batería y Machete Carrasco encargado de los teclados, quien en sus inicios no formaba parte de la agrupación oficial. Todo pseudónimos de batalla, de lo más ingeniosos. Se pasaban para despedir la gira de dos extensos años de su tercer elepé, el magnífico Bolsa Amarilla y Piedra Potente, publicado el 4 de abril de 2024. Para un servidor, se trataba de la cuarta vez que los veía en directo y no pude disfrutarlo más. Como su esperaba por su enorme crecimiento estos últimos años, hicieron sold out y había gente buscando entradas a última hora, frente al recinto. ​Los barceloneses Chaqueta de Chándal no pudieron telonearlos por problemas de salud, por lo que DJ Coco alargó su sesión tanto antes como después del concierto, para entretenernos mientras esperábamos (Jimi Hendrix o Tame Impala pinchó, pura calidad).

Sobre las 22:15h de la noche saltaban al escenario nuestros protagonistas, frente a una gran expectación. Empezaron dando caña con dos de las composiciones del mencionado tercer disco, como son «Agua Grande» y «La Fuente», esta última con un brutal videoclip promocional. El hechizo prosiguió con «Porselana Teeth» de mi favorito segundo álbum Hilo Negro (2021), que tengo firmado en vinilo por los integrantes de la banda, en la misma ocasión en la que conseguí mi segunda púa suya. Su sonido cósmico regresó al material más reciente en «Prodigio», para luego entrar en una fase onírica en el segundo disco, del cual tocaron seguidas «El Valle» (esa escena de combate del videoclip a lo Dragon Ball es épica), junto a «Caño Cojo» y «RGTQ».

Con el público de sobras encantado por lo pegadizas de sus canciones, la fiesta continuó en las más actuales «Manguara», «Pétalos», «Daddy Papi» y la enigmática «Ευλαλω (Ef Laló)», para regresar a sus orígenes en un auténtico himno de la banda como es «Gitana», con momentos tan místicos como pasajes de pura batería doom metal. También del Hilo Negro es quizás mi favorita del grupo (difícil escoger entre tanto nivel), como es «Turbocamello», cuya lírica e instrumental de influencias árabes me recuerdan a los legendarios Mezquita. Uno de los momentos evidentes para corear entre los espectadores fue la hora de «Las Leyes de la Frontera»: composición que hicieron para la banda sonora de la película del género neokinki del mismo nombre, dirigida por Daniel Monzón en 2021, que les valió una nominación para los Premios Goya. Tras el momento trascendental de «Tierra», quisieron acordarse de su primerizo disco debut homónimo de 2019, con «Samrkanda», tras la cual se bajaron del escenario con una sonora ovación.

Pero evidentemente nos dejaron completamente encendidos tras semejante exhibición sonora, por lo que regresaron para una ronda generosa de bises con los que despedirse por todo lo alto. Primero tocaba un magistral homenaje al maestro Camarón, con su preciosa y emotiva «Nana del Caballo Grande», donde Dandy demuestra que está a la altura de los mejores cantaores flamencos. Interpretaron también las más actuales «El Chinche» y «Manteca», para luego volver al Hilo Negro en «Dámela». La traca final estuvo protagonizada por tres composiciones imprescindibles de su repertorio, pertenecientes a su disco debut: «The New Gizz» (muy estilo King Gizzard & the Lizard Wizard), seguida por «Aliento de Dragón» y «El Salto del Gitano», para dar carpetazo a otra noche triunfal del grupo sevillano. En mi opinión, la mejor banda del panorama nacional actual, que cada vez añade más influencias a su propuesta musical.

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6 de marzo de 2026

Reigning Phoenix Music

Me dolió especialmente el día que supe que Liv y Alex se separaban pues pude estar con ellos una vez en Barcelona hablando largo y tendido y me parecían una de esas parejas tan perfectas que trascendían lo musical. Alex tiene una conexión con Barcelona-Catalunya importante y le tocó re-imaginar un proyecto que estaba hecho a medida de Liv Kristine. Lo que no esperaba yo es que los nuevos Leaves’ Eyes superaran a los anteriores. Elina Siirala encaja como un guante y definitivamente lo vikingo es lo que capitaliza sus letras e inspiración.

El tema título está especialmente centrado en la preciosa voz de Elina siendo un medio tiempo muy melódico y que te puede recordar, perfectamente, a Nightwish. Suena a hechizo lanzado al viento, incluso con momentos en los que el medio tiempo muy a balada dejando a la vocalista con un piano. Luego vamos a un gran solo de guitarra por parte de Luc Gebhardt.

Mi tema favorito del EP es “Hall of the Brave” pues en ella vas a encontrar todo el potencial del grupo, pasando por la combinación de voces y dando rienda suelta a la épica total. Va a ritmo de remeros en un drakar y se Alex canta en gutural combinando con la operística voz de la finesa. Hay momentos intrincados, con una gran base rítmica, que sin buscar una gran originalidad cumplen excelentemente. Incluso el riffeado toma elementos de Amon Amarth y los pone a remar en el sonido de Leaves’ Eyes.

En “Until the Last Day” estamos ante un tema relativamente corto en el que se acentúan las tónicas y dominado por la voz de Alex en los versos para que luego sea Krull quien cante puente y estribillo. Se juega a “la bella y la bestia” con excelentes resultados. Mucha carga orquestal para una pieza efectista y en la que los arreglos mandan tanto como el bajo de Andre Nasso, que desde la sala de máquinas comanda la nave. Atención al agudo de soprano de Siirala al final.

“Song of Darkness” es una balada con algo de carga de programación en la que vuelven a poner la voz de la vocalista en primera línea. Jons Nihenhuis entra a la batería en los siguientes versos y todo se va elevando. Hay sutiles segundas voces de la diva para embellecer una tonada efectiva que termina por electrificarse

Alexander Krull empezó este proyecto como un complemento lógico e ideal para su pareja, pero la cosa ha ido evolucionando y a día de hoy Leaves’ Eyes son tan respetados como Atrocity, la banda de su vida. Estamos ante un EP de consolidación en el que cada tema representa bien o que significa esta banda de metal sinfónico y vikingo: single, balada, canción con voces de Krull y un medio tiempo. Siguen estando a un nivel muy alto.

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Buenas tardes Matteo. Soy Jordi Tàrrega desde Barcelona y Yolanda Sabater desde Canterbury, ambos escribiendo para Stairway to Rock en España. Antes que nada, queremos darte las gracias por esta entrevista y felicitarte por tu nuevo álbum Root 96.

Muchas gracias.

¿Podemos preguntarte dónde estás ahora mismo?

Ahora mismo estoy en Sicilia, descansando un poco. Marzo está libre de conciertos, este mes no tengo que viajar, y después empezaré la gira europea a partir del 9 de abril, que será el primer concierto. Luego iremos por Italia, Alemania, Reino Unido y básicamente toda Europa.

Y Barcelona.

España también, sí, estaré allí.

Genial. ¿Cuál está siendo la reacción del público al álbum desde que se ha publicado? ¿Sueles leer los comentarios?

Sí, quizá demasiado, pero hasta ahora la reacción ha sido muy buena. Si me interesa y siento que es agradable escucharme, entonces está bien, pero no suelo escuchar mucho mi propia música; una vez que sale, ya está, y prefiero escuchar otras cosas. Aun así, estoy más satisfecho con este disco que con el primero. Creo que es una evolución del anterior, así que estoy bastante contento con el resultado y espero que a la gente le guste.

El álbum se llama Route 96. Supongo que te inspiras en los viajes por carreteras americanas y también en el año de tu nacimiento, ¿es correcto?

Sí, es la fecha de mi nacimiento, soy de 1996, y además hay una broma interna entre nosotros durante la grabación del disco: grabé todo a 96 kHz, simplemente porque recuerdo que Steve Vai me comentó que él graba todo a esa frecuencia en sus interfaces de audio, y pensé que sería buena idea hacer lo mismo con mis proyectos. Así que hay varias razones, pero la principal es que nací en 1996.

Es parecido a cuando grabas con una determinada tasa de fotogramas por segundo; con los kHz pasa algo similar: cuanto mayor es la frecuencia, mejor es el audio. Claro, aunque también implica ocupar más espacio en el ordenador. Hay canciones que llegan a ocupar cinco o seis gigabytes, solo una, porque grabé muchísimas guitarras. Pero sí, en parte lo hice porque Steve Vai utilizaba esa configuración.

Además, Steve Vai participa en la primera canción, “Solar Wind”, lo que supone un comienzo increíble para el disco.

Sí, es un gran tema y Steve hizo un trabajo increíble. Fue una de las primeras canciones que escribí, y aunque al principio no pensé en él, cuando la terminé y la volví a escuchar, lo primero que se me vino a la cabeza fue que Steve estaba ahí.

Pensé que un guitarrista como Steve Vai encajaba perfectamente con el estilo de la canción, así que estoy muy contento de que participara.

Quería decir también que mi canción favorita es “Isla Feliz”; creo que fue el primer single.

Sí, salió en enero.

Me preguntaba cómo surgió la colaboración con Steve, porque lo imagino como alguien que suele rechazar este tipo de propuestas.

Bueno, en realidad es bastante conocido por colaborar con otros músicos; es muy curioso con los nuevos guitarristas y, por ejemplo, ha trabajado con gente como Polyphia. Aun así, es una persona muy ocupada y no puede aceptar todo. Para mí ya fue un honor que le gustara la canción, pero además decidió participar, grabó el solo y fue fantástico. Cuando invitas a alguien así, intentas componer algo en lo que se sienta cómodo, así que busqué ritmos irregulares, en la línea de Frank Zappa, combinados con guitarras más cercanas al metal, algo muy de su estilo. También me sorprendió lo rápido que lo grabó: en un mes ya tenía su parte lista, incluso estando de gira.

El álbum mezcla muchos estilos, y al escucharlo siento algo especial. A veces me recuerda a Steve Hackett de Genesis, por esa capacidad de viajar entre sonidos de distintas culturas. Intento escuchar mucha música y absorber influencias, por eso no hay un estilo único en el disco. Prefiero esa fusión entre géneros, donde no es solo rock o jazz, sino una combinación de muchos sonidos. Temas como “Isla Feliz” o “Warm Sunset” tienen influencias latinas porque en esa época escuchaba mucho al Pat Metheny Group, especialmente discos como Still Life (Talking) o Letter from Home, que también incorporan esos matices.

Tenemos que hablar sobre «The Chicken», la canción que lo cambió todo. Y por supuesto tenía que estar en el disco, ¿no lo crees?

Sobre “The Chicken”, sinceramente ahora me aburre un poco tocarla, aunque es culpa mía. Quería tener una buena versión en Spotify, porque la primera que grabamos tenía muy mala calidad y además siempre sentía que podía tocarla mejor. Por eso decidí rehacerla para el disco, creando una versión de la que realmente estuviera satisfecho. Para ello invité al teclista ruso Valery Stepanov, un músico increíble que también me inspiró en su momento para desarrollar esta versión.

En su canal de YouTube había subido una versión aún más rápida que la mía, con un teclado impresionante, casi una versión fusión súper acelerada de “The Chicken”. Esa fue la que me inspiró a hacer una versión más rápida, pero con mi propio arreglo. Por eso decidí invitarle, como una especie de homenaje y agradecimiento. Hizo un trabajo increíble: su solo es fantástico y la parte de teclado también. Creo que ese era el elemento que le faltaba a mi versión, el componente armónico que normalmente tienes en un cuarteto. Por eso es uno de mis temas favoritos para tocar en directo, es muy divertido.

Probablemente se convertirá en un clásico dentro de mi repertorio.

Sí, ya es casi un clásico; es un estándar de jazz muy popular, aunque llega a ser un poco aburrido tocarlo siempre, porque es una de esas piezas que estudias en la escuela de música, igual que “Spain” o “Autumn Leaves”. Cuando la tocas en directo necesitas cambiar cosas, si no, te aburres fácilmente.

Vuelves ahora de haber estado de gira en Estados Unidos, ¿qué tal ha sido la experiencia por el Nuevo Mundo?

Sobre la gira por Estados Unidos, la única parte negativa fue la comida, porque es difícil comer bien allí, sobre todo viniendo de un país mediterráneo. No solo por salud, sino también porque influye en el rendimiento: si no te sientes bien, se nota en el escenario. Intentamos encontrar un equilibrio; me gustan las hamburguesas, claro, pero no puedes comerlas todos los días durante un mes. Lugares como McDonald’s están en todas partes, pero no puedes basar tu dieta en eso. Aun así, el resto de la experiencia fue increíble. Ahora viajamos con un equipo muy sólido: seis personas entre músicos y técnicos, y nos llevamos muy bien, lo cual es fundamental. Al final, el 90% de una gira es convivir y viajar juntos, y solo un 10% es tocar. Esa parte suele salir bien, aunque haya conciertos más inspirados que otros, pero lo más importante es rodearte de gente con la que tengas buena conexión.

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Siguiendo un buen consejo de Barón Rojo, banda a la que siempre se ha mostrado agradecido, Mike Tramp abrazó el hard rock, afincándose en Madrid al liquidar Mabel y fundar Studs. Pocos años después, el cantante danés, trasladado ya a Nueva York, conocería al guitarrista Vito Bratta. Juntos, compondrían varias canciones para la historia. Así nació White Lion, cuyo debut discográfico se produjo en 1985. El éxito comercial masivo les sonreiría dos años más tarde con su segundo álbum, el triple disco de platino Pride, de icónica portada. La canción que cerraba la cara A de ese L.P. era «Lady of the Valley».

Y ahora viene una anécdota. Cuando ese disco vio la luz, yo estaba en la guardería. Es llamativo, visto hoy con perspectiva, que no supiera ni siquiera de la existencia de White Lion hasta unos quince años después. Fue uno de mis mejores amigos quien, como si del Santo Grial se tratara, se plantó un día en nuestro local de ensayo enarbolando un CD con un popurrí de hits de los leones blancos. Estas situaciones eran habituales en aquel mundo sin música en streaming, y con un Internet que iba a pedales. Nos preguntó si conocíamos a una banda de glam metal buenísima que llevaba muerta desde hacía mucho (esto ocurrió en el periodo posterior a la disolución de White Lion, 1991, y pocos años antes de su pseudoreunión de 2004).

Blancos conocíamos a la serpiente y a la rata, pero no al león. Pusimos el CD y la cosa fue escalando. Primero entre mis amistades y, finalmente, en cascada. Desde el hipster que sólo escuchaba indie pop hasta el trve amante del metal extremo, a todos nos gustaba White Lion. A partir de entonces, daba igual el estilo del garito al que acudiéramos, alguien se terminaba acercando a la barra para pedir que pusieran White Lion. Siempre los pinchaban, siempre con sonrisa cómplice. La canción que inició todo aquello no fue «Wait» o «When the Children Cry», que en su momento fueron los grandes singles del disco. Tampoco «Hungry» o «Lonely Nights», temas igualmente recordados de Pride. Fue «Lady of the Valley».

La música

Música y letra combinan a la perfección, reforzando la primera el significado de la segunda, como veremos en el siguiente apartado. Las plegarias a la Dama del Valle se compadecen con las partes en limpio, mientras que la distorsión transmite la rabia de quien nos cuenta la dramática situación que está viviendo. No es una power ballad al uso, ni muchísimo menos.

Comienza explosiva la intro de «Lady of the Valley», con todos los instrumentos acompañando un riff rápido, metálico y agresivo. Entonces llega un descenso de intensidad rítmica. Tras un breve punteo muy melódico, la distorsión desaparece para dar paso a unos arpegios, ya con sólo la guitarra acompañando la quebrada voz de Tramp. La batería y el bajo entran de nuevo de forma muy contenida, anticipando que va a hacer lo propio la distorsión. Pero ese nuevo acompañamiento tiene una vida corta y retornamos rápidamente a los arpegios.

Hay que esperar a que termine la súplica a la Dama del Valle, al adentrarnos en el pre-estribillo, para que el bombo adquiera más presencia y regrese con mayor constancia la distorsión, marcando un estribillo pegadizo y puramente hardrockero.

Tras el primer estribillo, viene el primero de los solos, dividido en dos partes. La primera es melódica, pero una línea de bajo protagonista anuncia que esto va a cambiar. El nuevo riff es muy pesado, la guitarra solista puntea una escala y volvemos a la plegaria en acústico. Ahora la intensidad de voz y batería son mucho mayores y la distorsión no deja de acompañarnos, superponiéndose sobre la guitarra en limpio. Hemos traspasado ya el ecuador de la canción.

A continuación viene el segundo solo, de puro feeling. Volvemos a la plegaria a la Dama en limpio, pero muy brevemente: el estribillo entra con distorsión y potencia, alcanzado la canción su clímax. Aquí Tramp ayuda coreando la melodía, para que el público le acompañe en futuros directos.

Termina la canción con un fade out, lo cual es una pena, porque justo al final la batería estaba haciendo cosas muy interesantes…

La letra

«Lady of the Valley» nos cuenta la historia de alguien cuyo hermano ha muerto en una guerra. Esa persona está rezando a un ser místico, la susodicha Dama del Valle. Tras preguntarle si escucha sus llantos en la quietud de la noche, le cuenta a la Dama lo que le ha sucedido a su hermano. Recordemos que, cuando se escribe esta canción, nos encontrábamos en plena Guerra Irán-Irak y había comenzado la Primera Intifada en Palestina. Como si se hubiera escrito en 2026.

El sujeto no parece que esté luchando en la guerra donde ha perdido la vida su hermano. Se encuentra en un lugar seguro, con insomnio y llorando. Nos presenta a la Dama del Valle como un ente con poderes sobrenaturales, capaz de revertir el flujo del tiempo. El sujeto le pide, precisamente, no sólo que devuelva la vida a su hermano, sino que transporte a ambos a los días en los que eran niños.

Hay un momento clave en la letra, con la mención muy críptica a una misteriosa llave dorada que está al final de una cadena. Tras mencionarla, lo que le pide a la Dama del Valle esta persona es que le libere de su dolor. Ya no pide que resucite a su hermano muerto, sólo eso: «free me from this pain».

A partir de ahí, el sujeto ya no nos habla desde lo que, intuimos, era la cama de su domicilio, sino que pasa a estar físicamente en el mítico Valle y ante la propia Dama. Dice que ha seguido las señales y finalmente ha llegado ante ella («it has led me to your seat»).  No ha llegado allí solo, sino que lo ha hecho cargando con el cadáver de su hermano, que deposita a los pies de la Dama. Hay aquí varias interpretaciones posibles.

La más sombría es que la Dama del Valle es una invención, un dios que ha abandonado a este sujeto, quien, incapaz de superar el dolor por la muerte de su hermano, se ha suicidado. La Dama a la que rezaba pasaría a ser, simbólicamente, el ángel de la muerte que le ha liberado del dolor. Un verso parece apuntar en esta dirección: «I’ll die without the Lady of the Valley».

La interpretación alternativa, para que no muera el protagonista, es que la Dama del Valle exista y haya escuchado su plegaria, claro. Nos dice la canción que sólo aquél que se encuentra bajo mucha presión emocional es capaz de encontrar a la Dama del Valle («He who bears all the pressure is the one to break the spell»), y sin duda esta persona se encuentra en esa situación. Esta es la interpretación literal: ha usado esa mágica llave dorada (que dejaría así de ser una metáfora, refiriéndose a una llave real), ha transportado físicamente el cadáver de su hermano hasta el Valle y está realmente en presencia de un ser sobrenatural que puede cumplir su deseo.

Una tercera interpretación que veo plausible, más prosaica, es que esta persona, tras derramar suficientes lágrimas, haya logrado dormirse. Lo que sucede en el Valle es sólo un sueño.

Veredicto

Esta es una canción monumental, tanto en letra como en música, que muestra que White Lion jugaba en una liga distinta a la de muchas de las bandas de cock rock con las que se les suele agrupar.

En una entrevista concedida en junio del año pasado a Stan Novak de Headbangers Lifestyle, Mike Tramp dijo que cuando compuso esta «pequeña obra maestra» tenía en mente «Lily of the Valley» de Queen y «Lady of the Lake» de Rainbow: de ahí vendría el nombre de la Dama del Valle. También, que su intención era crear su propio «Gates of Babylon» (ya conocemos nosotros de la predilección de Tramp por todo lo que suene a Ritchie Blackmore). Está claro que, con una duración que roza los siete minutos, Tramp y Bratta eran conscientes de estar creando algo especial.

La canción dejaría poso en la discografía de White Lion. En palabras de Mike Tramp en la mentada entrevista, «Lights and Thunder», canción de apertura de su último disco  (Mane Attraction, de 1991), sería su segunda parte. Una canción en cuya letra un ser desconocido (¿la Dama del Valle?) dice poder llevarnos a un mundo de ensueño donde nadie podrá hacernos daño. Siendo así, parece que el protagonista de nuestra canción pudo reencontrarse con su hermano fallecido.

Por otra parte, muchos años después, y hace apenas tres, cuando Mike Tramp decidió regrabar los grandes éxitos de los leones blancos para publicarlos bajo su nombre en una trilogía de discos, la canción que eligió para abrir el primero de ellos fue «Lady of the Valley». Por algo sería.

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