17 de abril de 2026

Napalm Records

La primera vez que vi a Thundermother en directo… literalmente me volaron la cabeza. Creo que hemos llegado a ese punto en la evolución humana en la que no debería importarnos si son chicas, si son asiáticos, o si son lo que sea… La gracia de el mundo musical es que, en los años más racistas de Estados Unidos, la comunidad musical veneraba a los artistas y les importaba bien poco el color de la piel o el sexo de los músicos/as. Creo creer que vamos en esa dirección y que a los fans del rock les interesa la música y que somos ejemplo de tanto da quién toque mientras te haga disfrutar.

Y para disfrutar de verdad está este directo de las Thundermother, banda que ha dado dos vuelcos en sus formaciones y que comanda la enorme rockera y madre Filippa Nässil. La hemos entrevistado, así que pronto vas a poder leer todo lo concerniente a este excepcional Line’N’Alive. La inclusión de Linnéa Vikstöm me parece otro salto de calidad, y es que aquí nos vamos hasta 19 temas, cosa que en nuestras tierras nunca hemos visto.

La hímnica y acedeciana “Can You Feel It” abre los juegos y demuestra que el feeling de Linnéa a las voces es absolutamente exquisito. Todo suena eléctrico, potente y certero: rock n’ roll al 11 con pura clase. La guitarra de Filippa es una maravilla y te demuestra que son una de las bandas del momento actual. “Loud and Free” es otra píldora enérgica que rememora a los hermanos Young con espíritu, pero con mucha personalidad propia. Siguen con “The Road Is Ours”, intentando que cada disco del grupo tenga su representación, y en esta, el estribillo es especialmente sureño, que no el riff.

“So Close” me parece un temazo absoluto de su nuevo disco, y los juegos de coros reales… es que son perfectos. Desconozco si hay pistas añadidas, pero es que esto te muestra la calidad de una banda en su mejor momento, por mucho que su anterior formación me pareciera increíble. “Bright Eyes” me sigue pareciendo un himno absoluto de lo que son capaces estas chicas, a pesar de que Filippa nos dijo que para ella no era una canción diferencial… Y “Take the Power” no solo es un homenaje absoluto a Motörhead, es que es otro temazo. La calidad de la vocalista es tremenda, pero la batería de Joan Massing es especialmente necesaria para conseguir esa vibra.

El “Dead or Alive” recuerda especialmente a las Girlschool, algo que cala y convence en forma de temazo capaz de convencerte que esta nueva encarnación del grupo (que Guernica me perdone) es la mejor que han tenido. La melódica fiesta que es “I Don’t Know You” queda algo falta de participación del público, pero es otra demostración del poder vocal de Linnéa. Y el baladón que es “Sleep” se hace carne, elevando la tonada acústica especialmente norteamericana. La acústica es el cuerpo y la voz de la vocalista es una maravilla. Puedes notarlo con la reacción del público presente.

En “I Left My Licence in the Future” da cancha para que la cantante hable en uno de los temas favoritos de los fans. Es como montar una Harley y lucirla en el barrio… Singuelazo de su nuevo disco. Los ecos de AC/DC vuelven en “Dog from Hell”, emanando electricidad y felicidad con un gran hacer de toda la banda, especialmente del bajo de Majsan Lindberg.  En “Can’t Put Out the Fire” la presentan como una canción del nuevo disco, y está claro que esta nueva formación las lleva a otro nivel. Más melódica, y de verdad que cuando más se alejan de la banda de los hermanos Young, más me gustan. Es un tema de riff marcado y les da cancha para jugar en directo.

Y la canción que me enamoró de las suecas fue el “Whatever” del disco que lleva el nombre del grupo por título, con combinación de voces y amplia cancha para el solo de guitarra. Sorprende el trozo de la banda sonora de 007 en “Shoot to Kill” para luego marcarse el “Try with Love” para llevárselo de calle. Encaran la recta final con “Thunderous”, uno de esos medios tiempos que tan bien las definen, perfectamente defendida por la voz de Linnéa y con una mezcla de sonido que es perfecta y pulcra, pero muy rockera.

“Hellevator” ya es un clásico en toda regla y posee esa entrada de guitarra. Estamos hablando de la segunda canción más tocada de toda su historia, así que es una de las favoritas de la gente que estaba en Huskvarna esa noche. Pura actitud hecha letra. Y ya en los teóricos bises encontramos la excepcional “Speaking of the Evil”. De verdad que espero que el grupo tire por esta senda, pues canciones así las harán leyenda. Terminan con la esperadísima “Driving in Style” y la sala se viene a bajo. ¿Su mejor tema? Pues… la respuesta fácil es decir que sí.

¿Será esta formación la definitiva? Esta respuesta sólo nos la puede dar Filippa Nässil, pero lo que está claro es que la capacidad de reinventarse con calidad y seguir subiendo el listón es una maravilla. Quizá me duela que no haya un directo de la anterior etapa, pero este directo es una pasada. Son muchos temas, pero si de verdad ofrecen actualmente este set y a este nivel… necesitaremos salas mucho más grandes. Son garantía de calidad y este directo así lo atestigua.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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La entrada Thundermother – Live’N’Alive se publicó primero en Stairway to Rock.

27 de marzo de 2026

Century Media Records

Hellripper o, lo que es lo mismo, el virtuoso multinstrumentista escocés James McBain, acaba de publicar un nuevo álbum, titulado Coronach. Se refiere este término a un tipo de canción funeraria escocesa. Para quienes estén versados en nuestro folclore medieval, sería algo similar a las endechas de las plañideras. Pero que nadie se lleve a engaño: aquí no hay nada que lamentar. El nuevo trabajo de este destripador infernal ha llegado para asaltar los cielos.

Hace unos cuantos años, un buen amigo me recomendó Hellripper con el furor de una comadreja en un gallinero. Ante su insistencia, no tuve más remedio que hacerle caso y, a rebufo suyo, he seguido puntualmente la evolución de McBain. Tras publicar un EP y varios splits, estos se recopilaron en Complete and Total Fucking Mayhem (2016). En aquel momento, McBain tenía apenas veintiún años. Se ocupaba de componer y grabar todos los instrumentos y ya había logrado que Hellripper tuviera un sonido propio. Motörhead metido en una batidora de black metal con algo de thrash: como unos Venom puestos en limpio. O en menos sucio.

Ese sonido lo perfeccionaría en Coagulating Darkness (2017), seguramente, su disco más aclamado hasta ahora. Desde el principio, McBain era excelente a las baquetas, pero en The Affair of the Poisons (2020) percibí una clara mejoría de su rendimiento a la guitarra. El problema es que, en ese disco, su propuesta comenzaba a mostrar síntomas de agotamiento. El propio McBain debió ser consciente de ello, porque en Warlocks Grim & Withered Hags (2023) dio un golpe de timón. Introdujo muchísima melodía y fue una de las sorpresas de aquel año, aunque me pareció que le faltaba algo para que cristalizara la nueva idea que McBain barruntaba.

Al año siguiente, por fin pude ver en directo a los Hellripper, arrastrado por ese mismo amigo del que hablaba antes. Y digo «los», en plural, porque cuando se viste Hellripper de gira, a McBain (voz y guitarra) lo acompañan Joseph Quinlan a la guitarra, Andy Milburn al bajo y Max Southall a la batería. Sucedió en Wacken Open Air 2024 y fue, esencialmente, lo que me esperaba. Una potente descarga de unos blackened Motörhead. Eso no es cosa menor, pero no es algo que a mí me vuele la cabeza. Está claro que a Century Media sí, porque ficharon a Hellripper poco después.

Avancemos en el tiempo hasta hace unas semanas. Fiel a nuestro ritual, mi amigo me anunció que estaba próximo a ver la luz el nuevo álbum de Hellripper, lanzado bajo el paraguas de esa potente discográfica. Me hice entonces a la idea de que me tocaría escucharlo.  Y así lo he hecho. Voy a intentar describir de forma breve y gráfica lo que me sugiere Coronach en su conjunto: es el hijo bastardo (y escocés) que tuvieron Lemmy Kilmister y Alexi Laiho. Después de muertos. Así de bien suena la cosa.

Esa incorporación de Children of Bodom a la coctelera de Hellripper, ya rebosante de Motörhead, se aprecia muy claramente en el tema que abre el álbum, «Hunderprest». Pero sería injusto e ignorante por mi parte reducir el disco sólo a eso. Son tantas, tantísimas, las variadas influencias que se suman a esos dos hilos conductores y que inundan cada una de las canciones, que de la suma de todas ellas acaba surgiendo algo nuevo. Algo mágico y sublime. Destacaré algunas, pero no dejará de ser una burda simplificación.

Si alguien se ha preguntado cómo sonaría Running Wild si hubiera optado por dedicarse al death and roll, en «Kinchyle (Goatkraft and Granite)» encontrará la respuesta. Mucho más cercano a los patrones de la NWOBHM es «The Art of Resurrection». Allí, un piano sirve de introducción a lo que sería una versión brutal de Angel Witch. El medidor de black metal se dispara a continuación con «Baobhan Sith (Waltz of the Damned)», pero de forma pomposa y melódica. Esta canción podría haberla compuesto Cradle of Filth en un día de mucha inspiración.

No todo es revolucionario. Para los seguidores de Hellripper que añoren sus primeros trabajos, el factor Motörhead/Venom retoma el control absoluto, con la brillantez de antaño, en «Blakk Satanik Fvkkstorm». Ahí queda ese título para los anales trve y esta canción para futuros mosh pits. Acto seguido, el espíritu de Iron Maiden, y concretamente el de Powerslave (1984), se materializa en «Sculptor’s Cave». Tremendo temazo de heavy metal, con un estribillo que se ha quedado a vivir en mi lóbulo temporal desde que lo escuché. Pero en «Mortercheyn» vuelve a ganar presencia el black metal, en este caso el que bebe de la escuela de Dissection, para que no nos olvidemos de que, en el fondo, estamos ante un disco de metal extremo.

Nada de lo anterior nos prepara para la canción que da título al álbum. Parte de la letra reproduce el poema, también llamado «Coronach», de Walter Scott, gran jurista y escritor escocés nacido a finales del siglo XVIII. La canción comienza con una guitarra eléctrica reproduciendo la marcha fúnebre de Frédéric Chopin. Y entonces sucede. Voz limpia y el inconfundible sonido de Manowar. Este disco se ha publicado el 27 de marzo de 2026, el mismo día en el que ha fallecido Ross the Boss. Es imposible que McBain supiera lo que iba a implicar esta influencia cuando uno escucha hoy la canción homónima del álbum, que es un himno fúnebre. En la canción «Coronach», la esencia de los «reyes del metal» se une a la de muchas otras leyendas, y también a unas gaitas, para construir un monumento de heavy metal con mayúsculas.

Eso es lo que nos brinda también el álbum Coronach. Parafraseando una jocosa cita del autor de The Deep Purple (1910), Wilson Mizner, Hellripper no está imitando a nadie en concreto. Son tantísimas las influencias presentes simultáneamente en Coronach, superpuestas, amalgamadas o hibridadas, que sólo cabe concluir que estamos ante una investigación académica. Una tesis doctoral de Heavy Metal.

Coronach es de escucha obligada para todo aquel al que le gusten esas dos últimas palabras, incluidos aquellos que no suelan consumir metal extremo. Este álbum va a dar mucho que hablar y a mi sólo me queda agradecerle a mi amigo su insistencia para que apostara por McBain. Ahora sí que ardo en deseos de ver qué nos depara el futuro de Hellripper.

J. A. Díaz

Doctor en Derecho, licenciado en Ciencias Políticas, novelista especializado en fantasía y bajista en excedencia. Apasionado del metal en todas sus formas, debuto como redactor musical en Stairway to Rock.

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20 de marzo de 2026

Frontiers Records

Formados en Chicago, Ignescent han construido su trayectoria desde la independencia, desarrollando una propuesta que combina hard rock moderno con elementos de metal alternativo y una fuerte carga temática ligada a la superación personal y la introspección emocional. Liderados por Jennifer Benson, el proyecto fue ganando tracción a base de singles y giras constantes hasta consolidar su salto a una estructura más profesional con su fichaje por Frontiers Records, sello especializado en revitalizar y proyectar propuestas dentro del rock melódico y el hard contemporáneo.

Eternal supone un paso adelante en términos de cohesión sonora y ambición estructural. No hay ruptura estilística, pero sí una optimización clara de recursos: mejores decisiones de producción, arreglos más definidos y una ejecución más consciente del espacio sonoro.

Desde “Joker”, el álbum establece un patrón reconocible: afinaciones graves en guitarras, capas dobles bien paneadas y una base rítmica compacta, con especial atención al golpe de bombo y caja, comprimidos para mantener presencia constante sin saturar la mezcla. La producción apuesta por un equilibrio entre nitidez y densidad, evitando el exceso de frecuencias bajas que suele lastrar este tipo de propuestas.

En “Scream” y “Fight For Me” se aprecia una estructura compositiva estándar pero efectiva: estrofas contenidas, pre-coros en progresión ascendente y estribillos abiertos con refuerzo armónico. El uso de overdubs vocales en los coros amplifica la sensación de amplitud sin caer en artificios innecesarios.

“Fearless” destaca por su claridad estructural. La dinámica está bien gestionada, con una transición limpia entre secciones y un trabajo de guitarras que prioriza la función rítmica sobre el lucimiento técnico, reforzando el carácter directo del tema.

El bloque central introduce variaciones tímbricas interesantes. “Shame Shadow”, con Jermaine Nixon, incorpora texturas más oscuras, con un tratamiento de guitarras menos saturado y mayor presencia de medios. La mezcla aquí gana en profundidad, dejando espacio a la voz para explorar registros más contenidos.

En “Our Love Dies” y “Alone In The Dark”, la banda reduce la densidad instrumental, lo que permite apreciar mejor el trabajo de ambientación: reverberaciones más largas, delays sutiles y una batería menos comprimida, aportando sensación de aire y separación entre elementos.

El punto técnico más interesante llega con “Chariot Of Fire”, donde la participación de Clint Lowery introduce un enfoque más elaborado en guitarras. Aquí se percibe un mayor desarrollo en capas, con líneas que combinan función rítmica y melódica, además de un uso más detallado de efectos.

“Light Up The Night” recupera la inmediatez, con un enfoque más accesible y una mezcla orientada a maximizar el impacto del estribillo. La ecualización favorece frecuencias altas en guitarras y voces, aumentando la sensación de energía sin comprometer la claridad.

El cierre con “Eternal” opta por una construcción progresiva, menos dependiente de la estructura clásica. La instrumentación se desarrolla de forma más gradual, con especial atención al control dinámico y a la evolución de la voz, que actúa como eje narrativo.

La principal fortaleza de Eternal reside en su consistencia. No hay experimentación radical, pero tampoco decisiones erráticas. Cada elemento —desde la producción hasta la interpretación— responde a un objetivo claro: construir un sonido sólido, actual y funcional dentro del hard rock moderno.

La interpretación vocal de Jennifer Benson es uno de los pilares del álbum: afinación precisa, control dinámico y capacidad para alternar entre intensidad y contención sin perder coherencia. A nivel instrumental, la banda prioriza el conjunto sobre el virtuosismo individual, lo que refuerza la cohesión global.

Como punto menos destacable, la estructura de varios temas puede resultar predecible para oyentes habituados al género, especialmente en la primera mitad del disco.

Irene Kilmister

Mi nombre es Irene, y todo el mundo me conoce por mi apellido Kilmister adquirido por el que ha sido y será mi mayor ídolo en esta vida. Lo cierto es que yo empecé en esto de la fotografía sin pensarlo mucho. Era la típica amiga de la cámara, pero de que me quise dar cuenta me propusieron entrar a colaborar en un medio profesional en 2017 y desde ahí he pasado de ser esa amiga de la cámara a evolucionar y coinvertirme en lo que conocéis ahora.

Apasionada de la música en todos sus géneros y amante de la lectura y los conciertos, aunque mi verdadera profesión no tenga nada que ver con todo esto.

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13 de febrero de 2026

Epitaph Records y Deathwish Inc..

Con su undécimo trabajo, Converge, banda procedente de Salem (Massachusetts), reduce el margen de experimentación reciente y vuelve a una formulación más directa de su lenguaje: metalcore de raíz hardcore con estructuras propias del mathcore, alta densidad rítmica y una ejecución extremadamente precisa. Love Is Not Enough concentra su discurso en 31 minutos donde cada elemento está optimizado para maximizar impacto sin recurrir a artificios.

El álbum se articula en dos bloques claros. El primero, más inmediato y fragmentado, incluye “Love Is Not Enough”, “Bad Faith” y “Distract and Divide”, piezas de corta duración que trabajan sobre cambios métricos constantes, riffs disonantes y una batería que alterna patrones sincopados con explosiones de alta velocidad. La economía estructural es clave: no hay desarrollo innecesario, cada sección cumple una función específica dentro de la tensión global.

En “To Feel Something” y “Beyond Repair” se introduce una ligera apertura dinámica. Sin abandonar la agresividad, la banda incorpora variaciones de tempo y mayor énfasis en la repetición de motivos, lo que permite generar cohesión sin perder intensidad.

“Amon Amok” actúa como eje central del disco. Su mayor duración facilita un desarrollo más progresivo, con transiciones mejor definidas entre secciones y un uso más evidente de contrastes entre densidad y espacio. Aquí la banda demuestra control estructural, evitando la saturación continua.

La guitarra de Kurt Ballou mantiene su característico enfoque, con afinaciones graves, uso intensivo de intervalos disonantes y una articulación precisa que evita la pérdida de definición incluso en pasajes de alta velocidad. La base rítmica destaca por su versatilidad; la batería combina blast beats, patrones irregulares y cortes abruptos que refuerzan la sensación de inestabilidad controlada.

La interpretación vocal de Jacob Bannon se sitúa en un registro agresivo constante, con variaciones sutiles en dinámica y textura más que en melodía. Su función es principalmente rítmica y expresiva, integrándose como un elemento más dentro del conjunto en lugar de liderarlo de forma tradicional.

En cuanto a la producción, a cargo del propio Ballou en GodCity Studio, prioriza claridad y separación instrumental sin sacrificar contundencia. Las guitarras ocupan un espectro medio-alto bien definido, mientras que el bajo refuerza frecuencias graves sin invadir el conjunto. La batería presenta un sonido seco y directo, con especial presencia en caja y bombo para acentuar los cambios rítmicos.

El resultado es una mezcla equilibrada que permite percibir con nitidez la complejidad estructural del disco, evitando la saturación que suele acompañar a este tipo de propuestas.

El último tramo del álbum —“Gilded Cage”, “Make Me Forget You” y “We Were Never the Same”— introduce composiciones más extensas y pesadas. Aquí aumenta el peso de las atmósferas, con tempos más contenidos y una mayor atención al desarrollo progresivo de las ideas. La banda amplía el rango dinámico sin abandonar su identidad, cerrando el disco con un enfoque más reflexivo pero igualmente consistente.

Love Is Not Enough es un trabajo sólido y coherente que refuerza las señas de identidad de Converge sin depender de elementos externos o experimentales. Su principal virtud reside en la precisión compositiva, la ejecución técnica y una producción que favorece la lectura detallada del conjunto.

Irene Kilmister

Mi nombre es Irene, y todo el mundo me conoce por mi apellido Kilmister adquirido por el que ha sido y será mi mayor ídolo en esta vida. Lo cierto es que yo empecé en esto de la fotografía sin pensarlo mucho. Era la típica amiga de la cámara, pero de que me quise dar cuenta me propusieron entrar a colaborar en un medio profesional en 2017 y desde ahí he pasado de ser esa amiga de la cámara a evolucionar y coinvertirme en lo que conocéis ahora.

Apasionada de la música en todos sus géneros y amante de la lectura y los conciertos, aunque mi verdadera profesión no tenga nada que ver con todo esto.

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10 de abril de 2026

Reigning Phoenix Music

Mi primer contacto con Melechesh fue de casualidad, y fue en directo. Yo asistía en una sala barcelonesa a ver a los progresivos australes Voyager, que compartían cartel con la agrupación de Ashmedi, y obviamente, Voyager eran teloneros. Quedaba lejos su paso por Eurovisión, por lo que no podía creer que tocaran en un bar. A Melechesh me quedé para hacer la crítica, pero para nada me atrajeron ni llegaron. Con este EP quedo a sus pies… Son sólo tres temas, pero dan para mucho. Rob Caggiano está en la producción junto a la banda y a Kristian Kohlmanslehner y el metal mesopotamio se eleva y consigue sonar en todo su esplendor

“The Seventh Veredict” me parece un temazo absoluto en el que el grupo desarrolla todo lo que representa y lo hace de una forma accesible, con esos aires sumerios y con una riqueza musical absoluta. Hay infinidad de detalles técnicos, especialmente en la batería de Simon Škrlec, pero es que la línea de bajo es de una complejidad total. Ashmedi canta de maravilla y los sabores de oriente abren y cierran dando cohesión. Atención ese desenlace final en lo instrumental que hace veas que este grupo tiene algo realmente especial.

La extensa “In Shadows, in Light” ya cabalgamos en un black metal más tradicional, pero con su sello exótico. Gusta el grupo de los cambios de ritmo y de buscar lo solemne e hímnico combinado con cantos oscuros y narraciones sutiles. Incluso las percusiones de Škrlec son étnicas. Son más de ocho minutos de suite con el bajo al 11 y con todo el repertorio vocal de Ashmedi que demuestra versatilidad, pero especialmente una imaginación tremenda a la hora de componer. Los pasajes instrumentales son una de las señas de identidad del combo y en lo técnico superan al 90% de bandas del estilo.

Y “Raptors of Anzu” es black metal de pedigrí por la vena. Destaca lo agudo del bajo del grupo en un tema especialmente agresivo. Oscuridad y blast beats bien llevados para mostrar su cara más agresiva de los asirios. Posiblemente sea el corte más neutro y predecible, pero esta agrupación tiene algo que les hace especiales, y muy posiblemente sean esas percusiones étnicas que les diferencian del resto. Juegan con ello a cuentagotas, pero lo hacen con maestría.

En un mundo actual saturado por grandes bandas que hacen lo mismo, se elevan los Melechesh de Ashmedi para seguir aportando algo diferente y sumamente atractivo para la escena. Son sólo tres canciones extensas, pero sirven para remarcar que lo suyo es algo especial dentro del metal extremo actual. Llevan peleando desde 1993 y cada entrega supera la anterior. Posiblemente ni llegarán al nivel de los más grandes actuales, pero pinta que para el black metal actual van a ser una banda de culto, cosa que ya son. Y si vuelven a tocar por nuestras tierras… allí estaré. ¡Que vivan el Tigris y el Eufrates!

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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Nuclear Blast

20 de febrero de 2026

Forest of Forgetting, el segundo trabajo de Eye of Melian, pertenece sin duda a esta una categoría especial, donde los discos no solo se escucha, si no que se habitan. Estamos ante una obra concebida no solo como colección de composiciones, sino como un entorno sonoro completo, casi tangible, donde cada nota parece diseñada para envolver al oyente en un universo propio.

Detrás de este proyecto encontramos a Martijn Westerholt y Johanna Kurkela, quienes, lejos de sus raíces más cercanas al metal en bandas como Delain o Within Temptation, optan aquí por una aproximación puramente cinematográfica y etérea. El resultado es un álbum que se despliega como una narrativa fantástica, donde la música no acompaña una historia: la construye.

Desde un punto de vista técnico, la producción apuesta por una riqueza orquestal extremadamente detallada. Los arreglos de Mikko P. Mustonen funcionan como la columna vertebral de un sonido que bebe tanto de la música clásica como de las bandas sonoras contemporáneas. No hay distorsión, no hay agresividad: todo está orientado a la textura, al espacio, a la profundidad. Cada instrumento parece ocupar un lugar preciso dentro de una arquitectura sonora que respira y evoluciona constantemente.

Pero es en la ambientación donde Forest of Forgetting alcanza su verdadera dimensión. Temas como “Of Willows and Shadows” o “Symphonia Arcana” no se limitan a presentar melodías: abren portales. La combinación de cuerdas envolventes, capas corales y elementos folk crea una sensación de desplazamiento, como si el oyente cruzara lentamente hacia un paisaje suspendido entre la niebla y la memoria.

La voz de Kurkela actúa como guía en este viaje. Su interpretación, delicada pero firme, no busca protagonismo en el sentido tradicional, sino que se integra como un instrumento más dentro del conjunto. En piezas como “Lady of Light” o “The Mirror”, su presencia aporta humanidad a un entorno que, de otro modo, podría resultar completamente abstracto.

Las colaboraciones de Troy Donockley (Nightwish ) y Patty Gurdy (The Legendary Orchestra) añaden un matiz orgánico esencial. La inclusión de flautas, gaitas y zanfona en cortes como “Elixir of Night” o “Dawn of Avatars” refuerza esa conexión con lo ancestral, con lo casi mitológico, aportando una capa adicional de inmersión.

El tema central, “Forest of Forgetting”, funciona como núcleo conceptual del álbum: un lugar imaginario donde convergen melancolía, belleza y cierta sensación de pérdida. A partir de ahí, el disco avanza como un sueño lúcido, culminando en piezas como “Nepenthe” y la reinterpretación de «Tears of the Dragon» de Bruce Dickinson, que encajan sorprendentemente bien dentro de este universo sonoro.

En conjunto, Forest of Forgetting no es un disco pensado para el consumo rápido. Es una experiencia inmersiva, casi sensorial, que exige tiempo y predisposición. Y a cambio, ofrece algo cada vez más raro: la capacidad de transportarte, de desconectarte del entorno real y sumergirte en un mundo construido desde la fantasía, con una coherencia y una belleza que trascienden géneros. Esto va mucho más allá si te adentras en el disco instrumental, publicado de manera conjunta, donde ese mundo te atrapa por completo.

Irene Kilmister

Mi nombre es Irene, y todo el mundo me conoce por mi apellido Kilmister adquirido por el que ha sido y será mi mayor ídolo en esta vida. Lo cierto es que yo empecé en esto de la fotografía sin pensarlo mucho. Era la típica amiga de la cámara, pero de que me quise dar cuenta me propusieron entrar a colaborar en un medio profesional en 2017 y desde ahí he pasado de ser esa amiga de la cámara a evolucionar y coinvertirme en lo que conocéis ahora.

Apasionada de la música en todos sus géneros y amante de la lectura y los conciertos, aunque mi verdadera profesión no tenga nada que ver con todo esto.

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10 de abril de 2026

Fuzzorama Records / Cargo

Han tardado más de diez años, pero han vuelto: Truckfighters, el dueto de stoner fuzz sueco, vuelve a ofrecernos electricidad, psicodelia, riffs primigenios y esas neblinas que envuelven sus canciones, haciéndolas a su estilo definido con ese par de locos que son Ozo y Dango. Ambos son el núcleo, las cabezas pensantes y los principales ejecutores de un Masterflow que convence de principio a fin y que te demuestra que la banda está inspirada y va en serio. Disco muy disfrutable con canciones que enganchan y que harán que sus fans se vuelvan a subir al camión.

La densidad te toma por las solapas en la inicial “Old Big Eye” y te levanta. Gran tema con esa pátina de neblina y ese bajo crujiente de Ozo. Es hipnótica e incluso cautivadora. Es tarareable y crece con clase y siendo fiel a lo que uno espera de este dueto. Pero si hay un tema que me ha encandilado de verdad ese es “The Gorgon”. Extensa suite con un riff de bajo y con aires de Mastodon para hacer crecer a la criatura entre brumas. Preciosa línea vocal y aires enigmáticos. Gran final instrumental dejando morir a la canción cuando merece.

“The Bliss” es de riffeado juguetón y guitarra y bajo entretejen con mucha calidad y Ozo canta entre esa niebla espesa que todo lo impregna. El estilo está definido y el grupo consigue temas atractivos y punzantes. Todo suena a directo y ese toque algo sideral también hace que despegues. “Carver” es mas ceremoniosa y pausada. Ese gran inicio crece luego y la pesadez y los riffs monolíticos mandan y luego pasan a esos ecos de voz y a guitarrazos percusivos. Los redobles de Jolo son el otro punto de otra composición muy lograda.

Los punteados de acústica acarician el inicio de “Truce” y el final de la misma para dar esa sensación de unidad. Juegan con arreones y paradas solemnes en las que la percusión es oscura y huye de la batería tradicional. Muchas capas de sonido y un fuzz de manual que eclosiona en el solazo de guitarra de Dango. “Masterflow” es una composición instrumental en la que bajan pulsaciones. Cadencia hipnótica del bajo de Ozo y un fragmento narrado en sus menos de tres minutos de duración en la que se nos invita a volar.

Vuelven a las andadas con “Gath” de batería pesada marcando tiempos y cantando en tiempos reposados buscando el contraste. Me recuerdan a Temples, y de verdad que ellos le imprimen mucha más fuerza a todo. “Bad Horse” sigue los mismos parámetros y el camino marcado, y eso que la línea vocal de Ozo es puramente pop. Hay dejes góticos y la influencia de King Wizard and the Lizard Wizard se deja notar. Oscuridad y agallas para otro tema que cumple. Se despiden con “Goin’ Home” en otro buen momento brumoso que resume todo lo que es el disco. Tienen una gracia especial y los juegos de crescendos con bajadas luego te convencen. Aquí Dango no busca lucimiento en la guitarra y sí ese algo primigenio.

Truckfighters han vuelto y a lo grande con un gran disco que entra a la primera y repleto de grandes canciones, sin renunciar al estilo y sin buscar grandes golpes de timón. De verdad que la canción “The Gorgon” me parece una composición excelente. Ahora toca cruzar los dedos y esperar a que vengan a algún festival veraniego o que España no se quede fuera de su circuito de directo, aunque siempre han sido asiduos a visitarnos. Ya tocaba material de nuevo cuño de parte de Dango y Ozo.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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La entrada Truckfighters – Masterflow se publicó primero en Stairway to Rock.

Century Media Records

20 de marzo de 2026

Hablar de Loss es hablar de una banda que ha decidido dar un paso al frente sin mirar atrás. Los portugueses Gaerea firman con este quinto trabajo un punto de inflexión claro dentro de su trayectoria, alejándose del hermetismo más ortodoxo del black metal para adentrarse en un terreno más emocional, expansivo y, sobre todo, contemporáneo. Su debut con Century Media Records no podía ser más contundente: aquí hay ambición, riesgo y una identidad que se redefine sin perder su esencia.

Desde un enfoque técnico, Loss destaca por una producción cristalina pero densa, donde cada capa encuentra su espacio sin diluir la intensidad. El trabajo de Miguel Teroso y The Vortex Writer consigue un equilibrio complejo entre crudeza y atmósfera, algo fundamental en un disco que juega constantemente con dinámicas opuestas. Las guitarras abandonan en parte el muro continuo de distorsión para abrirse hacia texturas más melódicas y progresivas, mientras la batería oscila entre la violencia controlada y patrones más contenidos, casi introspectivos.

Temas como “Luminary” o “Submerged” establecen rápidamente ese nuevo lenguaje: estructuras menos previsibles, mayor presencia de melodía y una narrativa que se construye desde la tensión. “Hellbound” y “Uncontrolled” recuperan parte de la agresividad más reconocible del género, pero incluso ahí se percibe una intención distinta, más orientada a la construcción emocional que al impacto inmediato.

El punto de inflexión llega con “Phoenix” y “Cyclone”, donde la banda abraza sin complejos elementos del post-rock y ciertas cadencias propias del metal moderno. Aquí es donde Loss empieza a dividir opiniones: puristas del black metal pueden encontrar estas decisiones como una desviación, pero para quienes entienden la evolución del género, supone un paso natural y necesario.

La breve “LBRNTH” actúa como interludio atmosférico antes de encarar el tramo final, donde “Nomad” y especialmente “Stardust” elevan el discurso del álbum. Este último corte, con casi ocho minutos de duración, es probablemente el momento más representativo del disco: voces limpias, crescendos emocionales y una sensibilidad que conecta directamente con la vertiente más humana del post-black metal.

A nivel temático, Loss se sumerge en la pérdida, la culpa y la reconstrucción personal, conceptos que se reflejan tanto en las letras como en la propia arquitectura sonora del álbum. No es un disco inmediato ni complaciente; exige atención y recompensa con profundidad.

En un panorama donde el metal extremo busca constantemente nuevas vías de expresión, Loss se posiciona como una de las obras más relevantes del año. No solo por su calidad técnica, sino por su valentía. Gaerea no solo han evolucionado, si no que con este trabajo desafían los límites de su propio sonido y, en el proceso, amplían los del género.

Irene Kilmister

Mi nombre es Irene, y todo el mundo me conoce por mi apellido Kilmister adquirido por el que ha sido y será mi mayor ídolo en esta vida. Lo cierto es que yo empecé en esto de la fotografía sin pensarlo mucho. Era la típica amiga de la cámara, pero de que me quise dar cuenta me propusieron entrar a colaborar en un medio profesional en 2017 y desde ahí he pasado de ser esa amiga de la cámara a evolucionar y coinvertirme en lo que conocéis ahora.

Apasionada de la música en todos sus géneros y amante de la lectura y los conciertos, aunque mi verdadera profesión no tenga nada que ver con todo esto.

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Frontiers Records

27 de marzo de 2026

Hay discos que funcionan como un golpe inmediato de nostalgia y otros que consiguen algo más complejo: reinterpretar un lenguaje clásico sin que suene a ejercicio de estilo. Reckless, de Chez Kane, se sitúa en ese punto intermedio donde el pasado sirve como impulso, pero no como muleta. Desde los primeros compases, el álbum deja claro que su objetivo no es solo recuperar una estética, sino dotarla de presencia actual y músculo sonoro.

El tándem con Danny Rexon vuelve a ser determinante. La producción es nítida, brillante y perfectamente orientada al formato arena rock, con guitarras definidas, bajos presentes y una batería que prioriza pegada sobre artificio. Todo está diseñado para que las canciones funcionen tanto en estudio como en directo, sin perder ese carácter accesible que define al género.

A nivel sonoro, el álbum bebe directamente de la tradición del AOR y el hard rock ochentero, pero evita caer en la simple nostalgia. Hay una intención clara de actualizar el lenguaje: los estribillos son inmediatos, pero no previsibles, y las estructuras mantienen dinamismo sin sacrificar gancho. Temas como “Reckless” o “Too Dangerous” funcionan como auténticos motores del disco, con hooks diseñados para permanecer en la memoria tras una sola escucha.

Sin embargo, donde realmente brilla el trabajo es en su equilibrio. Cortes como “Love Tornado” o “Strip Me Down” aportan ese componente más desenfadado y glam, mientras que piezas como “Street Survivor” o “Tongue Of Love” exploran una vertiente más emocional, permitiendo a Kane desplegar una interpretación vocal más matizada. Su voz, más segura y expresiva que en trabajos anteriores, se mueve con soltura entre la sensualidad y la contundencia, consolidándose como el eje central del álbum.

Coincidiremos en que es un disco accesible pero bien construido, con una producción de alto nivel y una ejecución vocal que eleva el conjunto. No es un álbum revolucionario, pero sí tremendamente efectivo, algo que en el melodic rock contemporáneo tiene tanto mérito como la innovación. Es un viaje a los 80s, a sus sonidos pulidos y melódicos, las voces potentes pero con carga emocional, esos teclados progresistas, las letras dramáticas con estribillos gigantes, los tupés, los neones y el brillo en las mallas.

En definitiva, Reckless es un trabajo que entiende perfectamente qué quiere ser y cómo lograrlo. Directo, pegadizo y con personalidad, confirma a Chez Kane como una de las voces más sólidas del género en la actualidad. Aquí no hay postureo retro: hay oficio, intención y, sobre todo, canciones. Y en este estilo, eso lo es todo.

Irene Kilmister

Mi nombre es Irene, y todo el mundo me conoce por mi apellido Kilmister adquirido por el que ha sido y será mi mayor ídolo en esta vida. Lo cierto es que yo empecé en esto de la fotografía sin pensarlo mucho. Era la típica amiga de la cámara, pero de que me quise dar cuenta me propusieron entrar a colaborar en un medio profesional en 2017 y desde ahí he pasado de ser esa amiga de la cámara a evolucionar y coinvertirme en lo que conocéis ahora.

Apasionada de la música en todos sus géneros y amante de la lectura y los conciertos, aunque mi verdadera profesión no tenga nada que ver con todo esto.

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30 de enero de 2026

Arising Empire

Cuando la emoción se rompe en mil pedazos… y suena mejor que nunca

Con Fractured Minds, los alemanes Our Mirage dan un paso firme hacia un sonido más maduro, técnico y emocionalmente devastador. El disco no solo se encarga de reafirmar la identidad de la banda dentro del mundillo del metalcore moderno, sino que la lleva a un terreno más introspectivo, donde cada riff y cada línea vocal parecen dialogar con la fragilidad humana.

Desde el inicio con “Bury Me”, el álbum establece un tono oscuro y contundente, con guitarras afinadas en registros graves y una producción que prioriza la claridad sin sacrificar pegada. La batería, precisa y mecánica por momentos, sostiene una base rítmica que permite a las melodías respirar entre estallidos de agresividad. Temas como “Violent Spin” o “ColdHearted” refuerzan ese equilibrio entre accesibilidad y dureza, con estribillos melódicos que contrastan con breakdowns densos y perfectamente ejecutados.

Pero donde Fractured Minds realmente encuentra su dimensión es en el uso de las colaboraciones. En “The Chase”, junto a Elwood Stray, se genera un intercambio vocal dinámico que aporta urgencia y tensión. Algo similar ocurre en “Don’t Talk”, donde Christopher Kristensen añade un matiz melódico muy característico que encaja con naturalidad en la estructura del tema. Por su parte, “Timeloss”, con Screamistry, aporta un cierre emocionalmente cargado, con una atmósfera más expansiva y casi cinematográfica.

En todos estos casos, la clave está en cómo las voces invitadas se integran con la de Timo Bonner. No se sienten como añadidos puntuales, sino como extensiones orgánicas del discurso del álbum, enriqueciendo la narrativa sin romper su cohesión.

Cuando la banda se queda sola, sin apoyos externos, es donde emerge su faceta más contundente. Los breakdowns en cortes como “Fractured” o “God Behind Your Eyes” son simplemente demoledores: bien medidos, pesados y diseñados para el directo, donde seguramente se convertirán en puntos de catarsis colectiva.

A nivel global, Fractured Minds es un disco que juega constantemente con la tensión entre control y colapso emocional. No reinventa nada, pero sí demuestra una evolución clara en composición, producción y narrativa. Es metalcore moderno con alma, precisión técnica y un trasfondo emocional que golpea más allá del sonido.

Irene Kilmister

Mi nombre es Irene, y todo el mundo me conoce por mi apellido Kilmister adquirido por el que ha sido y será mi mayor ídolo en esta vida. Lo cierto es que yo empecé en esto de la fotografía sin pensarlo mucho. Era la típica amiga de la cámara, pero de que me quise dar cuenta me propusieron entrar a colaborar en un medio profesional en 2017 y desde ahí he pasado de ser esa amiga de la cámara a evolucionar y coinvertirme en lo que conocéis ahora.

Apasionada de la música en todos sus géneros y amante de la lectura y los conciertos, aunque mi verdadera profesión no tenga nada que ver con todo esto.

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17 de abril de 2026

BraveWords Records

Florida, con California y Nueva York, es uno de los vértices del triángulo mágico que explica la génesis del metal estadounidense. Ya se sabe: patria del death metal y cuna de varias bandas clave para la explosión de power metal del cambio de siglo. En el origen de todo aquello, bajo equívocas etiquetas como heavy metal americano, U.S. Power Metal o metal progresivo, se alza como un tótem Savatage. Pero no estaban solos, y su mejor escolta fue Crimson Glory. Una banda de culto hoy, cuyos dos primeros discos son auténticas obras de arte y que regresan con su quinto álbum, Chasing the Hydra. Más de veinticinco años han transcurrido desde el anterior.

Cuando decimos que una banda es de culto, se trata de un halago envenenado. Suele significar que nunca alcanzó todo el éxito comercial que merecía. Que, hoy, sólo es conocida (aunque sea profesándole devoción) por un puñado de iniciados. Para Crimson Glory implica asumir, por ejemplo, que cuando este verano visite nuestro país, el 3 de julio de 2026 en el Rock Imperium, tocará «In Dark Places» ante un público que en su mayoría la desconoce. El mismo público que, dos días después, aclamará a los cabezas de cartel Sabaton cuando suene el mismo riff en «Dreadnought». Joakim Brodén, declarado aficionado de los floridanos, será probablemente quien menos lo entienda.

Irónicamente, las bandas de culto también tienen que padecer a muchos de sus seguidores, anclados a un pasado irrepetible. Esos son los que dirán, por lo que a Crimson Glory respecta, que este nuevo álbum no vale la pena antes siquiera de escucharlo. Dirán que no les interesa porque no canta el legendario Midnight (lógicamente: por desgracia, falleció en 2009). Dirán que les falta inspiración porque no interviene el gran compositor y exguitarrista Jon Drenning (quien, es de suponer, tendrá preocupaciones mayores tras ser arrestado por la supuesta comisión de delitos contra la salud pública hace unos años). Y no están todos los que fueron, cierto es. Pero sí son muchos los que siguen.

Quienes están son Jeff Lords al bajo (quien se convierte ahora en el único miembro presente en todos los discos de la banda) y los cofundadores Dana Burnell y Ben Jackson, a las baquetas y a la guitarra, respectivamente. Los acompañan en esta nueva aventura el cantante Travis Wills y el guitarrista Mark Borgmeyer. Los focos se van a centrar sobre todo en la voz, y me limitaré a decir que, aunque nadie podrá ocupar nunca el lugar de Midnight, Wills a ratos me evoca a Geoff Tate, que no es poca cosa. Tiene un registro muy interesante, mostrando unos graves con voz rasgada que, sin llegar al growl, le confieren mucha versatilidad. Gran fichaje.

El quinto disco de Crimson Glory se había convertido en paradigma de las promesas incumplidas. Hubo un intento de disco con Midnight al frente en torno a 2007 (Metatron, Lucifer and the Divine Chaos), frustrado al quebrar su discográfica. Otra vez lo intentaron en la época en la que Todd La Torre era su cantante, pero el único rastro que quedó de aquello fue la (insípida) canción «Garden of Shadows», publicada en 2012. Así que yo deseaba profundamente devorar Chasing the Hydra y eso es lo que he hecho, intentando abstraerme de su pasado para apostar por su futuro.

En este álbum laten dos pulsiones. De un lado, busca Chasing the Hydra mantener el toque power/prog de los dos primeros discos de Crimson Glory. De otro, introduce influencias posteriores, cercanas a lo que han podido hacer en los últimos tiempos Fates Warning o Queensrÿche y siempre Dream Theater, desvelando una querencia por un metal progresivo (algo más) contemporáneo. Acaba prevaleciendo la segunda pulsión. Esto no es necesariamente malo.

Comienza con fuerza esta caza de hidras con «Redden the Sun». Un tema con múltiples cambios de ritmo, con Lords y Burnell rindiendo, en todos ellos, a altísimo nivel. Arranca pesado, entran fugaces unos teclados para un amago épico que se torna en arabesco, un solo de bajo, galope maidenesco y retorno a la densidad técnica. Como en el resto del álbum, hay guiños en «Redden the Sun» a su pasado, ya sea en la música o en la letra. «Touch the Sun» o «Masque of the Red Death» asoman por aquí las cabezas. Todo fluye como debe en este tema de apertura.

Menos convincente me resulta la canción que da título al álbum, «Chasing the Hydra». Su riff inicial, una variación del que vertebra su himno «Red Sharks», transiciona a un heavy metal de corte clásico y algo plano. Su estribillo machacón, eso sí, puede funcionar en directo.

La cosa remonta, y mucho, con «Broken Together», una de las joyas del disco. Aquí nos reencontramos con los Crimson Glory de sus mejores épocas, y volvemos a cambios de ritmo constantes. Hay melodías que me hacen pensar en Iced Earth, con múltiples transiciones a partes acústicas muy bien ejecutadas. Se enfrían algo mis ánimos con «Angel in my Nightmare», la canción más larga de Chasing the Hydra. Si en el anterior tema hubo un guiño a sus seguidores griegos recitando el título de la canción en su idioma, aquí hacen lo propio, pero en alemán, para sus fans germanos. Me quedo más con ese curioso detalle que con la atmósfera a lo King Diamond a la que nos arrastra en ocasiones este ángel de pesadilla.

Más luces que sombras en este inicio, en todo caso. Es entonces cuando Chasing the Hydra toma velocidad de crucero y nos sume en un trance de pura excelencia. «Indelible Ashes» supura misticismo oriental como en las mejores partes de Astronomica. La fantástica «Beyond the Unknown» despega sublimando ese despliegue de cambios de ritmo marca de la casa, del que son deudoras bandas como nuestros también geniales y también de culto Easy Rider. «Armor against Fate» tiene algún detalle hardrockero, por aquello de no repudiar su tercer disco Strange and Beautiful. Pero lo combina con partes técnicas que me hacen recordar, sin abandonar Florida, a Death.

La oscura «Pearls of Dust» no me parece tan memorable y acaba el álbum con «Triskaideka». Se trata del single de presentación de este disco, publicado hace ya dos años. Poco se puede decir de esta canción a estas alturas, más allá de que me sigue pareciendo una grandísima carta de presentación de lo mucho que puede ofrecer la voz de Travis Wills.

No estamos ante un disco conceptual en sentido estricto, y sin embargo existe un hilo conductor muy claro entre sus nueve canciones. Todas hablan, de una u otra manera, de la fatalidad (con una subcategoría dedicada a la muerte, que inevitablemente parece un homenaje a Midnight). En orden: el apocalipsis climático, la multiplicación de los problemas cuando intentas resolverlos, dos personas emocionalmente rotas que permanecen unidas, el dolor tras perder a alguien, la incapacidad de superar el duelo, el agujero negro de la depresión, el destino, el recuerdo de los compañeros caídos en la guerra y algo tan esencial en la carrera de Crimson Glory como es la mala suerte.

Estas letras de Chasing the Hydra, como le sucede a su música, no son de fácil digestión. No hay aquí una canción ligera que nos conceda algo de oxígeno. Sin embargo, tras abrazar el álbum en su conjunto y dejarme llevar por el viaje emocional que propone, me siento tremendamente satisfecho. Es impresionante todo lo que pasa aquí en tan poco tiempo (unos cuarenta y cinco minutos largos de duración total), y en cada escucha he descubierto algo nuevo.

El quinto álbum de Crimson Glory no puede sentarse a comer en la mesa de Crimson Glory y Trascendence (pocos álbumes pueden hacerlo). Pero sin ser la reina del baile (de máscaras), lo incluyo en el podio de los mejores discos de la banda. Ojalá esta formación obtenga el apoyo necesario para seguir intentando cazar hidras por muchos más años.

J. A. Díaz

Doctor en Derecho, licenciado en Ciencias Políticas, novelista especializado en fantasía y bajista en excedencia. Apasionado del metal en todas sus formas, debuto como redactor musical en Stairway to Rock.

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27 de marzo de 2025

earMUSIC

100/100

Tuve la oportunidad de escuchar este disco cuando entrevistamos a su teclista Kevin Codfert en noviembre, es decir, tuvimos un acceso muy temprano y ya cuando lo escuché hace 5 meses me explotó la cabeza. Atentos a lo que os digo, estamos probablemente ante el mejor disco de metal de 2026 y lo digo ni corta ni perezosa porque lo va a ser. Al menos en mi ranking.

Álbum en el que la banda ha puesto toda la carne en el asador, una producción muy cuidada y con todos los elementos escogidos cuidadosamente que terminan encajando como un puzzle perfecto. Con este disco Myrath se han pasado el juego. Zaher está en su mejor momento vocal y hay de todo: p0wer metal, épica, progresivo, metal oriental… De todo.

Un primer tema para abrir poca como «The Funeral», que mezcla elementos folclóricos, toques de música oriental e incluso ciertos motivos melódicos que me han recordado a Hans Zimmer pero sin dejar de lado la parte más metalera e hímnica para terminar de poner el broche hacia el final. Altibajos de tempo y de melodías, con un solo de bajo incluido y unión coral a diferentes voces de manera conclusiva en este primer tema que es una obertura sin parangón y que nos deja latente que este disco va a dar mucho que hablar.

Teclados y tambores abren este segundo corte «Until The End» donde aparece un juego de voces entre Zaher y la colaboración estelar de Elize Ryd (cantante de Amaranthe) y es que lo mejor del tema es precisamente esto, como las dos voces se fusionan a la perfección sin sobresalir ninguna por encima de la otra y cómo acompañan los teclados y las escalas con mucho pentatónico y maqamat (que son los motivos melódicos que se usan en el mundo árabe y turco).

Cantos en suajili sirven de inicio en «Breathing Near the Roar» donde Zaher abandona el timbre más power y adopta una voz más cercana quizá al death metal melódico. Otra prueba más de su versatilidad y un tema que me recuerda mucho a Amaranthe.

“Les Enfants du Soleil” destaca dentro del disco por su ambición y, sobre todo, por su carga emocional. Una de sus señas de identidad más llamativas es el uso de un coro infantil en francés, formado por niños de un entorno cercano a la banda, lo que le da un carácter muy íntimo y auténtico. Musicalmente, es la pieza más larga y progresiva del álbum, pero no en el sentido típico de exhibición técnica. Su duración responde más bien a una necesidad expresiva.

Medio tiempo para «Still the Dawn Will Come», donde los violines y la música calmada dan lugar a un estribillo muy dramático donde Zaher explora su registro más agudo y realmente le confiere al tema una gran fuerza y potencia, hace que un tema que podría pasar ciertamente desapercibido tenga una carga emocional profunda.

Llegamos al interludio del disco, «The Clown» marca esta segunda parte, sexto corte. Un tema directo, sin tantas florituras y muy eléctrico, donde las guitarras son las protagonistas aunque algún violín también se asoma hacia el finald el tema acompañado de los coros que ya son un recurso habitual durante este disco y que termina con un recitado de Zaher en árabe con tono épico.

Les gustó poco que le comparáramos con Kamelot, pero este siguiente tema «Soul of My Soul» a parte de ser la balada por excelencia del disco, y es que es preciosa, también tiene muchas similutudes Kamelotísticas, pero bueno, cada uno que juzgue la distancia.

«Edge of the Night» va directa al tuétano, muy metálica y hímnica, al más estilo Rhapsody y con un buen power metal como base, mientras que «Echoes of the Fallen» vuelve los orígenes, con riffs más intrincados y sonidos menos naturales para volver a lo oriental.

«Through The Seasons» marca el final del disco y lejos de ser un tema menor, marca un final en todo lo más alto que hace muy bien que te den ganas de volver a reproducir el disco en su totalidad.

Ya os digo, creo que nos encontramos ante una obra maestra que por el momento apunta a encabezar el ránking de mi top 5 de este año 2026. Qué ganas de verlo en directo.

Yolanda Sabater Algarra

Nanotecnóloga y química de formación y amante de la música como pasión. Me gusta la música en todas sus vertientes. Empecé tocando el violín y de la música clásica pasé al rock y al metal (mis primeras bandas fueron AC/DC y Mägo de Oz, por supuesto). No tengo muchas bandas predilectas, aunque Rulo siempre encabeza el podio. Helloween, Volbeat o Greta Van Fleet le siguen de cerca. Mis gustos han cambiado a lo largo de los años pero siempre abierta de mente, así que le doy al hard rock, al power, al death metal (melódico) y a todo lo que me haga descubrir cosas nuevas o me sepa impresionar.

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