27 abril 2025

Razzmatazz 2 – Barcelona

Fotos y texto: Markceröck

Barcelona fue testigo de una velada que se convirtió en un viaje emocional a través del metal finlandés en sus múltiples formas. Desde la energía arrolladora y la técnica implacable de Stam1na, pasando por la melancolía poderosa y la oscuridad melódica de Before the Dawn, hasta la introspección devastadora de Swallow the Sun, cada banda ofreció una experiencia única que capturó el alma del público.

En un mismo escenario se reunieron tres formas distintas de canalizar la intensidad: la furia técnica, la melancolía combativa y la belleza sombría. Lo que compartieron fue una entrega absoluta y una conexión emocional profunda con los asistentes, que se dejaron arrastrar por la energía, la tristeza y la catarsis colectiva de una noche inolvidable.

Stam1na abre fuego

Stam1na comienza sus conciertos con una explosión de energía e intensidad, y así es como probablemente suenan estos temas en directo: «Valtiaan uudet vaateet» arranca el show de forma impactante, golpeando al público con una combinación de virtuosismo técnico y furia directa. Con su posible mensaje crítico y su sonido contundente, mantendría la energía alta en el concierto.

«Vereen piirretty viiva», un tema intenso, con un ritmo rápido y agresivo que generó una gran reacción del público en vivo, con mosh pits y mucha energía. La banda destaca la precisión de su ejecución y la potencia de su sonido, con Pexi destacando con solos de guitarra virtuosos y veloces. En directo, el grupo podría enfatizar el ritmo y la fuerza de los riffs, animando al público a moverse y a corear. Hyrde lideraría la carga con su voz enérgica y su presencia escénica.

La voz agresiva de Antti «Hyrde» Hyyrynen y sus pegadizas melodías atrapan al público desde el primer momento, y la energía de la canción «Kadonneet Kolme Sanaa» es tan contagiosa que el público canta a pleno pulmón los estribillos. Pexi muestra su destreza con riffs intrincados y veloces, marcando el tono del concierto, mientras Hyrde, además de su rol como vocalista, aporta una base rítmica sólida y enérgica con su guitarra rítmica. La batería de Kake marca el ritmo con precisión y potencia.

«Utopia» continúa con la atmósfera intensa, pero añade más elementos melódicos, con guitarras precisas y estructuras progresivas que crean un paisaje sonoro multifacético, probablemente acompañado de un espectáculo de luces que refleje los diferentes estados de ánimo de la canción, permitiendo al público sentir su fuerza y gancho. «Viisi laukausta päähän», con su estilo rápido y agresivo que desata el moshpit. En directo, su intensidad se intensifica aún más, y el público puede liberar su energía.

La cruda potencia de la voz de Hyrde y la precisión de la banda crean una experiencia inolvidable, con Pexi luciendo solos virtuosos y riffs potentes, e impulsando la canción a un nivel aún mayor de intensidad. La batería implacable de Teppo «Kake» Velin impulsa la canción con una precisión y una potencia asombrosas, y Kaikka mantiene el ritmo con líneas de bajo complejas y dinámicas. «Taivas» añade una dimensión más melódica y emotiva al setlist.

En directo, la voz de Hyrde puede destacar con mayor claridad, permitiendo al público conectar con la letra y la atmósfera de la canción. Los arreglos de guitarra de Pexi, probablemente con un sonido más limpio, crearían un contraste interesante con la potencia general del concierto. «Metropolio», más épica y atmosférica, muestra la versatilidad de Stam1na. Sus ricos paisajes sonoros y sus pegadizas melodías envuelven al público, y en directo, la canción es probablemente un espectáculo visual, donde sus diferentes capas brillan con fuerza. El público puede sentir la historia de la canción y su fuerza emocional.

Pexi demuestra su versatilidad con arreglos de guitarra que van desde lo melódico y atmosférico hasta lo potente y contundente, creando un viaje sonoro cautivador, y Kai-Pekka «Kaikka» Kangasmäki aporta una base de bajo sólida y profunda, que se entrelaza a la perfección con la batería, creando un groove hipnótico.

Para cerrar el concierto, «Sirkkeli» sería una elección perfecta. Esta canción, conocida por su energía arrolladora y su ritmo frenético, dejaría al público exhausto pero satisfecho. En directo, la banda lo daría todo, creando un final de fiesta memorable y catártico. La energía combinada de Hyrde, Pexi, Kake y Kaikka culminaría en un final explosivo. En resumen, Stam1na en vivo es una experiencia donde la habilidad de cada miembro de la banda se aprecia en todo su esplendor precisa, y el disco X de 2025 muestra la madurez de la banda, con canciones como «Taivas» que exploran nuevas profundidades emocionales y «Valtiaan uudet vaateet» que demuestran su capacidad para crear himnos potentes y directos.

Before the Dawn cumplen con creces

El escenario se baña en una luz azulada y tenue, creando una atmósfera fría y opresiva. La expectación crece mientras los primeros acordes de «Unbreakable» resuenan, potentes y melancólicos a la vez. Before The Dawn irrumpe en el escenario con una energía contenida pero palpable. Las guitarras de Tuomas Saukkonen y compañía se entrelazan en melodías oscuras y riffs pesados, marcando el tono sombrío de la noche. La voz gutural de Saukkonen, profunda y desgarradora, se abre paso entre la instrumentación, transmitiendo una sensación de fortaleza en medio de la adversidad, aunque con un trasfondo melancólico inherente.

Sin apenas pausa, la oscuridad se intensifica con «My Darkness». Los ritmos se vuelven más lentos y pesados, casi doom, mientras las melodías de guitarra se arrastran con una belleza triste y evocadora. La atmósfera se carga de una sensación de introspección profunda. La voz limpia de su líder, cuando aparece, añade una capa de vulnerabilidad y desolación, contrastando con la brutalidad de los guturales y amplificando la carga emocional de la canción.

La intensidad se mantiene con «Faithless». Los riffs se tornan más agresivos y rápidos, impulsando la canción con una energía oscura y furiosa. La batería marca un ritmo implacable, mientras el bajo te retumba en el pecho. En vivo, esta canción se siente como una descarga de rabia contenida, con los músicos entregados a la potencia de su sonido. Los juegos de luces, aunque sobrios, acentúan los momentos de mayor intensidad. Un respiro melancólico llega con «Dying Sun». La atmósfera se vuelve más etérea y melancólica, con las guitarras creando paisajes sonoros sombríos y evocadores.

La voz limpia de Saukkonen toma un mayor protagonismo, transmitiendo una sensación de pérdida y desolación. En directo, esta canción permite al público sumergirse en la belleza triste de su música, creando un momento de conexión emocional profunda. La pesadez regresa con «Chain». Los riffs son densos y arrastrados, creando una sensación de opresión y encadenamiento. La voz gutural domina, escupiendo letras cargadas de angustia. En vivo, esta canción se siente visceral y poderosa, con la banda moviéndose al ritmo de su contundencia, transmitiendo una energía oscura y palpable.

La melancolía se intensifica con «Downhearted». La atmósfera se vuelve aún más sombría y reflexiva. Las melodías de guitarra son tristes y penetrantes, y la voz de Saukkonen, tanto en gutural como en limpio, transmite una profunda sensación de desánimo y desesperanza. En directo, esta canción puede sentirse como un abrazo a la tristeza, un momento de catarsis colectiva para aquellos que se identifican con sus emociones oscuras.

Un escalofrío recorre el ambiente con «Winter Within». La frialdad del invierno se siente en cada nota, con melodías heladas y ritmos lentos y pesados. La voz de Saukkonen evoca la desolación de un paisaje invernal interior. En vivo, la iluminación suele ser más fría, con tonos blancos y azules que refuerzan la sensación gélida de la canción.

La intensidad vuelve a aumentar con «Monster». Los riffs se tornan más agresivos y directos, impulsando la canción con una energía oscura y visceral. La voz gutural de Saukkonen se desata con furia, transmitiendo una sensación de lucha interna y confrontación. En directo, esta canción suele generar una respuesta enérgica del público, con headbanging y puños en alto.

La furia se desata por completo con «Wrath». Los ritmos son rápidos y frenéticos, la batería golpea con una intensidad implacable y las guitarras escupen riffs cargados de rabia. La voz de Saukkonen es un torrente de furia gutural. En vivo, esta canción es un torbellino de energía oscura, con la banda entregada a la brutalidad de su sonido.

El punto culminante visual de la noche llega con «Deathstar». La canción en sí es un poderoso ejemplo de su death metal melódico, con melodías épicas y riffs contundentes. Pero el momento especial en vivo es cuando los guitarristas elevan sus instrumentos sobre sus cabezas, un gesto icónico que desata la euforia entre el público. Es un momento de conexión visual y sonora, un símbolo de la intensidad y la pasión de la banda.

Tras el clímax de «Deathstar», Saukkonen se dirige al público con un «Deathsong”, soltando un «gracias por venir». La gratitud es palpable, aunque envuelta en la atmósfera sombría característica de la banda. La noche no termina sin un último golpe al corazón con «una canción más para ustedes«. Esta canción final puede variar, pero seguramente mantendrá la intensidad emocional y la oscuridad melancólica que ha caracterizado toda la actuación, dejando al público inmerso en la atmósfera única de Before The Dawn hasta el último acorde.

Barcelona se hunde en la melancolía de una noche con Swallow The Sun

El aire en la sala ya vibraba con una expectación palpable. Los amantes de los sonidos oscuros y profundos nos congregamos, por fin, tras la larga espera impuesta por los acontecimientos recientes. La promesa de una noche de introspección sonora, cortesía de Swallow The Sun y sus acompañantes, era un faro en la oscuridad para muchos.

Tras las actuaciones de las bandas invitadas, que prepararon el terreno con sus propias atmósferas sombrías, el silencio se hizo denso. La espera se sintió eterna para los que estábamos ansiosos por sumergirnos en el universo particular de los finlandeses. La primera fila, mi privilegiado observatorio, era un hervidero de murmullos y cánticos espontáneos, un preludio de la comunión que estábamos a punto de vivir.

Las luces se atenuaron por completo, y una atmósfera casi espectral invadió el escenario. Entre sombras y una sutil cortina de humo, los músicos tomaron sus posiciones. El inicio, tal como lo anticipamos, fue un golpe directo al alma con la instrumental «Velvet Chains». Una balada triste y delicada, con una instrumentación mínima que dejaba espacio para la melancolía pura. La ausencia de voz femenina en directo, a diferencia de la versión de estudio, no restó ni un ápice de su belleza sombría, preparando el terreno para el viaje emocional que nos esperaba.

Sin apenas un respiro, la banda arremetió con «Innocence Was Long Forgotten». El riff inicial, cargado de una melancolía punzante, se clavó en el ambiente, y el estribillo, potente y pegadizo a la vez, resonó con fuerza. La transición de la delicadeza inicial a esta explosión de sentimiento oscuro fue impecable, demostrando la maestría de Swallow The Sun para navegar entre la fragilidad y la intensidad.

La atmósfera se tornó más densa y opresiva con «What I Have Become». Los guturales profundos de Mikko Kotamäki emergieron de la oscuridad, como un lamento desde las profundidades del alma. La base rítmica, sólida y pesada, nos envolvió en una sensación de desolación palpable.

Un breve respiro llegó con «When a Shadow Is Forced Into the Light», otra joya de Shining que aportó una nueva capa de matices a la noche. Su melodía, aunque melancólica, poseía un cierto brillo, una sombra quizás menos profunda que las anteriores, pero igualmente una declaración evocadora. La sorpresa de la noche llegó con la oscuridad cruda de «Under the Moon & Sun». Un guiño a sus raíces y una muestra de la versatilidad de la banda para sumergirse en el progresivo más primigenio, manteniendo su sello personal de pesadez y atmósfera.

La continuación de su particular «Horror» llegó con «Don’t Fall Asleep (Horror Part 2)». La tensión y el dramatismo se intensificaron, creando una sensación casi cinematográfica. Los cambios de ritmo y las texturas sonoras nos mantuvieron en vilo, como si estuviéramos inmersos en una pesadilla musical.

El ambiente se cargó aún más de solemnidad con «Cathedral Walls». Los primeros acordes fueron recibidos con una ovación, y la intensidad emocional de este tema icónico se sintió en cada rincón de la sala. La conexión entre la banda y el público se hizo palpable, con muchas voces coreando cada palabra con una entrega conmovedora. La penumbra volvió a envolvernos con «Charcoal Sky». Su atmósfera densa y triste nos sumergió en una nube de melancolía, con las melodías de guitarra tejiendo paisajes sonoros oscuros y evocadores.

La locura se desató con los primeros acordes de «New Moon». La energía en la sala se disparó, y lo que antes era una introspección solemne se convirtió en una catarsis colectiva. Los fans corearon el estribillo con una pasión desbordante, entregándose por completo a la intensidad del momento. Un respiro melódico llegó con «Melancholy», cuyo sonido más accesible y esas reminiscencias inundadas de doom, progresivo, toques de psicodelia y elementos más melódicos la hicieron destacar por su relativa ligereza dentro del setlist, ofreciendo un contraste interesante con la oscuridad predominante.

La brutalidad regresó con «These Woods Breathe Evil». La canción sonó con una fuerza visceral, conectándonos directamente con esas emociones profundas que caracterizan a la banda. La base rítmica atronadora y los riffs oscuros nos arrastraron a un torbellino de sentimientos intensos. «November Dust» mantuvo esa línea oscura, pero con esos toques de esperanza en su melodía. Esa dualidad entre la oscuridad y un atisbo de luz es una de las señas de identidad de Swallow The Sun, y en directo se sintió con especial intensidad.

El cierre del set principal llegó con la épica «Swallow (Horror Part 1)», esta joya del disco nos llevó por un torrente de emociones cambiantes. Su complejidad y la forma en que evoluciona a lo largo de sus minutos la convirtieron en un clímax perfecto para la noche. Sin embargo, la sensación general fue la de haber vivido una experiencia profunda y conmovedora.

Mikko Kotamäki se entregó por completo, aferrado al micrófono como si cada palabra fuera un pedazo de su alma. Su voz, aunque quizás un punto baja para tu gusto, transmitió una carga emocional innegable, tanto en los pasajes limpios como en los guturales desgarradores. El resto de la banda estuvo impecable, creando esa muralla de sonido melancólico y opresivo que es la marca de Swallow The Sun. Juha Raivio, en la guitarra principal, tejió melodías oscuras y punzantes, mientras que Matti Honkonen y Juuso Raatikainen proporcionaron una base rítmica sólida y poderosa. El apoyo de Juho Räihä en la guitarra rítmica y Jaani Peuhu en los teclados fue fundamental para crear esas atmósferas envolventes y necesarias.

Como bien dijo Mikko, sus canciones son historias brutales de sus vidas, y esa honestidad cruda y sin filtros se sintió en cada nota, en cada palabra. La música de Swallow The Sun no es para pasar un rato ligero: es una inmersión en las sombras, en las batallas internas que todos enfrentamos. Y vivirlo en directo, rodeado de otros que comparten esa conexión con su oscuridad melancólica, es una experiencia que trasciende lo puramente musical. Fue una noche donde la pesadez, la melancolía y el dolor se hicieron carne, dejando al público inmerso en un estado de catarsis emocional en bucle.

Markceröck

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Este año 2025, los finlandeses llegarán a España para presentar su último trabajo Shining dentro de su tour SHINING OVER EUROPE. Conciertos llenos de energía y nuevas sonoridades los esperan en Barcelona y Madrid.

27 de abril de 2025, Barcelona, Razzmatazz 2

29 de abril de 2025, Madrid, Copérnico

Yolanda Sabater Algarra

Nanotecnóloga y química de formación y amante de la música como pasión. Me gusta la música en todas sus vertientes. Empecé tocando el violín y de la música clásica pasé al rock y al metal (mis primeras bandas fueron AC/DC y Mägo de Oz, por supuesto). No tengo muchas bandas predilectas, aunque Rulo siempre encabeza el podio. Helloween, Volbeat o Greta Van Fleet le siguen de cerca. Mis gustos han cambiado a lo largo de los años pero siempre abierta de mente, así que le doy al hard rock, al power, al death metal (melódico) y a todo lo que me haga descubrir cosas nuevas o me sepa impresionar.

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Quiero preguntarte sobre la portada del disco, porque es blanca, hay agua y las manos hacen el símbolo de un pájaro. ¿Estoy equivocado?

Sí, un pájaro, es correcto. (Perdona, pero mi gato va a saltar sobre mi regazo, mira, aquí viene). Sí, la portada… de hecho, las manos son como dos cisnes que se cruzan, lo cual fue un accidente. Ni siquiera lo planeé así. Vi la portada cuando estuvo terminada, y pensé, «Oh, son dos cisnes«. Me impresionó porque los cisnes son bastante importantes para mí, para la banda y para la música.

Y en nuestro logo tenemos una polilla. Básicamente es la polilla de nuestro antiguo logo. Hay como una golondrina, y en el medio, hay una polilla, una mariposa o polilla. Además, son manos reales las que tocan los instrumentos. Hoy en día pasa que nunca se sabe, puede ser música generada por IA y nadie realmente la toca. Así que son manos reales las que tocan música real.Quería que fuera algo muy limpio, bastante frío de alguna manera, con líneas rectas… hay mucho de eso en el arte del álbum.

Soy periodista y tengo que explicarle a la gente cómo suena una banda. Ya sé que a los músicos no os gustan las etiquetas, ¿ok? Pero si tengo que hablar de Swallow the Sun, y tendría que verbalizar estilos como hevy metal y el doom metal. Creo que esos conceptos son obligatorios cuando hablamos de vosotros. Pero tal vez metal gótico sería otra opción, ¿te sientes cómodo con estas etiquetas?

Sí, todos esos estilos están en nuestra música. Y es cierto, odio que haya reglas en la música. Soy un hombre mayor, de todos modos, ya tengo más de 50 años, así que vengo de escuchar mucha música olvidada. Y a mí me encanta escuchar música de todo tipo, desde Duran Duran hasta Napalm Death, y todo lo que está en medio.

Soy tan viejo que no había bandas de metal extremo cuando comencé. Sepultura fue la primera banda en la que me fijé que empezó a ser más extrema, incluso growls. En realidad, Sepultura fue la banda que me metió en el mundo de cantar en guturales. De lo contrario, todo era clásico para mí: Black Sabbath, Rainbow, Deep Purple y todas esas agrupaciones clásicas. Y todas esas son bandas que tienen mucha influencia del blues, e incluso del jazz.

Así que nunca crecí con la idea de tener reglas y con eso de, «Oh, si tocas doom metal, solo puedes tocarlo de esta manera» o, «si tocas black metal, tiene que ser así«. Y si no lo haces, eres un “poser”, o lo que sea. Así que creo que los “posers “son los que ponen esas reglas de qué tienes que tocar y de qué forma.

Las etiquetas siempre son un poco complicadas, especialmente con Swallow the Sun, porque la variedad estilística de nuestra música ha estado presente desde el principio. Si escuchas los discos, hay un sonido más claro de Swallow the Sun, pero luego hay muchos giros diferentes en cuanto a composición. El álbum Songs from the North, es triple y es un buen ejemplo de todos los estilos y de la variedad de la música que hacemos. Por lo que no estoy muy descontento con las reglas. Y eso es extrapolable a las reglas del COVID, que fueron excesivas. Creo que todo el mundo estaría de acuerdo con mi opinión…

¿Por qué decidiste el nombre Swallow the Sun para la banda?

En realidad, el nombre es un misterio… Nadie sabe cómo surgió o quién lo inventó. Ocurrió una noche con una buena borrachera en un bar. A ver, yo en realidad no estaba borracho, pues nunca he bebido, pero todos los miembros de la banda sí lo estaban, y a la mañana siguiente… ya había un nombre para el grupo. Alguien recordó, que se había propuesto algo… y yo tenía en mente la palabra Swallow, que es la que quería, y estábamos hablando justamente sobre eso. Al día siguiente ya estaba el nombre.

Pero el nombre en sí tiene que ver con el invierno finlandés, porque ahora, en esta época del año, casi no se ve el sol. Hay unas pocas horas de luz, y aunque haya luz, es suerte si ves el sol. Tal vez un minuto en una semana entre las nubes, un ratito, y luego se va. Así que realmente parece que alguien “se tragó el sol del cielo”.

Quiero mostrarte mi álbum favorito: Moonflowers, ¿qué tan importante fue este disco para el grupo? Tengo que decir que fue el primero que me fascinó, con el que descubrí al grupo. Y me quedé asombrado.

Sí, ese es un álbum bastante duro para mí. Y, sabes, no he estado dando entrevistas durante un largo tiempo. De hecho, he empezado a dar entrevistas con este nuevo disco. Por lo que no hice entrevistas en espacio de ocho años. Y de ese disco, Moonflowers, lo único que dije a la compañía de discos, era que podían poner como información que “odiaba ese disco”. Y odio ese álbum, pero lo amo por una razón, también porque es muy doloroso para mí. Odio que exista ese disco, que tuviera que componerlo. Lo odio profundamente…

Así que me encanta la música que hay en él, pero odio el por qué de su existencia y su gestación. Sé lo que significan sus letras, y el por qué fue escrito. Ese álbum se escribió durante los tiempos del COVID, justamente. Y eso también fue algo doloroso, personalmente para mí, porque nos impusieron reglas… no podías salir, tenías que tomar una maldita vacuna o no eras nadie y te echaban fuera. Todas esas cosas… Fueron tiempos realmente de pesadilla.

Pero, no fue eso lo que más me afectó a la hora de componer el álbum, fue algo mucho más profundo, mucho más difícil para mí que cualquier otra cosa relacionada con el COVID y ese tipo de cosas. Lo compuse desde mi perspectiva vital y personal. Fue escrito en ese punto crítico de mi vida, y luego, además de todo aquello, estalla todo el tema del COVID-19. Así que apenas puedo escuchar ese disco, porque me lleva directamente a esos tiempos, con todo tipo de recuerdos. Es por eso que odio y amo ese álbum, eso sin duda.

Entonces… ¿En los próximos set lists no tocaréis nada de Moonflowers?

Sí, al menos habrá una canción del disco. Ya te digo, que tocar esas canciones es algo muy personal y doloroso para mí. La mayoría de ellas, como el 80% de las canciones de ese disco, hacen aflorar esos recuerdos y sentimientos vividos. Por eso no toco tantas canciones de ese disco. No importa qué canciones toquemos, pues me afectan mucho. Y soy una persona que vive la música, especialmente cuando la escribo, lo veo como recuerdos y fotos, casi como películas que pasan por mi cabeza. Y me encanta que sea así, me encanta que con la música puedas ver cosas, casi como pequeños cortometrajes. Y eso me sucede en todas las canciones.

Se me hace bastante difícil tocarlas. Pero, al mismo tiempo, me encanta. Y es que la música hay que sentirla. Sabes, me gusta mucho la música pop, el muy comercial. No hay problema para mí pues una buena canción, es una buena canción. No me importa qué estilo sea, o si es una canción profunda o superficial. Me gustan ambas cosas. Pero la música que realmente me importa es al estilo de Rush, Marillion y todas esas bandas… Esa es la música que está en el núcleo de mi alma y mi corazón.

Has estado tocando en Sudamérica, vas a tocar en América, probablemente en el norte de Europa, pero… ¿cuáles son los mercados más grandes para Swallow the Sun?

Bueno, creo que el primero es Finlandia, por supuesto. Te diría que Finlandia y Estados Unidos son los mejores países para nuestra música. Hemos tocado mucho en América del Norte, no tanto en América del Sur, aunque lo hemos conseguido. Así, que sí, creo que Finlandia, Estados Unidos, y luego, tal vez Inglaterra o Alemania. No lo sé con certeza. Hemos tocado tanto en Europa como en América del Norte que es difícil saberlo. De hecho, no he revisado los números, ni nada de eso, pero a veces, algunas estadísticas de Spotify te dicen que Estados Unidos, Finlandia y Alemania son los principales países para nosotros.

Cuando When a Shadow Is Forced Into the Light fue número uno en Finlandia, ¿qué tan importante fue para ti estar llegar al primer lugar de las listas finlandesas?

Bueno, por supuesto que fue algo increíble. Y todo álbum editado por nosotros ha estado en el top 10 desde que sacamos el segundo. Así que no fue una gran sorpresa en ese sentido. Y siendo totalmente honestos, el número 1 depende completamente de la semana en que sale el disco a la luz y de qué discos salieron esa semana. Porque a veces, es muy fácil llegar al top 10, y otras veces es muy difícil, todo depende de qué artistas estén sacando álbumes.

Y hoy en día, con el streaming y con los chavales escuchando rap, hip hop y R&B es imposible llegar a las listas, porque los chicos están escuchando tantos estos estilos que cuentan los streams como si fueran discos comprados. Así que ahora se ha vuelto todo algo más difícil. Pero sí, digamos que fue algo importante lo de estar en el número uno. Y también obtuvimos otro número uno con Black Butterflies, aunque fue un EP. Por lo que no fue exactamente un álbum completo en las listas. Y Finlandia es un lugar extraño en ese sentido…

Tengo que viajar pronto, a Finlandia.

Deberías venir por aquí, definitivamente.

¿Cuál es el truco que siempre quisiste hacer en el escenario, pero nunca lograste?

Oh, bueno, espero que algún día tengamos dinero para hacer explosiones, lásers y esas cosas. Pero nosotros somos más bien una banda que va a la tienda y compra luces de Navidad con 20 euros, y luego, las pone en el escenario. Ojalá tuviéramos el dinero suficiente, porque esta música necesitaría un espectáculo de luces increíble. Porque es música muy, muy atmosférica. Así que me molesta el no poder permitirnos un espectáculo más grande. De momento tiraremos otra vez más de las luces de Navidad de 20 euros…

La última pregunta es realmente difícil: ¿cuál es el primer disco que compraste con tu propio dinero?

Oh, lo recuerdo muy bien. Fue uno de Stray Cats. Sí, me encantan los Stray Cats… Eso quiere decir que ya soy un tipo mayor. Fui un chico rockabilly y todavía me encanta el rockabilly, la música country y todo eso. Me pregunto qué año sería… tal vez en el 82 u 83, por ahí, cuando compré el vinilo de Stray Cats que todavía lo tengo. Stray Cats, ellos fueron mi primer disco. Y Brian Setzer, el guitarra y vocalista, es el mejor guitarrista del maldito mundo. Por supuesto, añado aquí también a Marillion, a Steve Rothery.

¿Sabías que Steve Rothery tocó en una de nuestras canciones del álbum New Moon? En realidad toca en una canción, pero era como en la cara B. Era como un sencillo, una edición especial de la canción. Pero sí, eso fue lo más destacado de mi vida, el conseguir que Steve Rothery tocara una canción nuestra.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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La entrada Entrevista a Juha Raivio de Swallow the Sun (Parte 2): ‘Para mí los “posers “son los que ponen reglas de qué tienes que tocar y de qué forma’ se publicó primero en Stairway to Rock.

Vienen en unos meses de gira, y debo confesar que el disco me decepcionó especialmente. Tampoco la crítica de Yúbal es que los dejase especialmente bie, y razón no le falta… Pero antes de la entrevista recuperé el disco, y debo decir que me entró de una forma que no me esperaba. Hasta el punto de que me parece un muy buen disco, y en la pura tradición de Swallow the Sun.

Comencemos. Hola Juha, soy Jordi Tárrega de Barcelona, escribiendo para la revista Starway to Rock. Primero que nada, gracias por tu tiempo y felicitaciones por tu nuevo álbum Shining. ¿Estás contento con las opiniones de la prensa y los fans?

Sí, absolutamente. Parece ser que la gente ha quedado polarizada respecto al álbum. O lo aman o lo odian completamente. Y ya te digo que, qué pase esto, es algo que me encanta. Es decir, que me encanta que la banda signifique tanto para tanta gente y que se lo tomen de forma tan personal, porque eso es algo hermoso. Y significa que a la gente le importa lo que hacemos.

Siempre que, los fans, y las personas en general, te dicen que el disco es el mejor de todos, o el peor de todos, entonces sabes que has dado en el clavo. Pero eso es, porque para mí, muchos discos me tomaron bastante tiempo para entenderlos, y luego, me di cuenta de que esos son los álbumes que realmente se quedaron como los más importantes de mi vida. Recuerdo muchos casos, como algunos discos de Rush que adoro. Para mí Rush es la banda más grande del mundo.

Recuerdo algunos álbumes de Rush en los que hubo grandes cambios, en cómo sonaba la banda y en que evolucionaron mucho. Al principio, pensé: «¡Oh, esto es una mierda, lo odio!» Y luego pensé: «Oh, esto en realidad es bastante bueno«. Y después de un mes o un par de meses, pensé: «Esto es lo mejor que han hecho«. Y justo esos discos, generalmente, se quedaron como los mejores para mí. Sucedía especialmente cuando la banda se arriesgaba.

Y este nuevo álbum de Swallow the Sun, no es un cambio tan grande… Es un poco más en términos de sonido, porque trabajamos con este gran productor y eso ha influido. Y luego tenemos a la gente que te dice, «esto no es Swallow the Sun«, lo cual no entiendo. Siempre va a ser Swallow the Sun cuando soy yo quien escribe las canciones, por supuesto. Es una retroalimentación increíble estar en ambos lados, que te encanta o que lo odias.

Tengo que decir que la primera vez que escuché el disco… pues no esperaba esto. Luego Yúbal hizo la crítica para la web y me olvidé de él. Pero luego conseguí la entrevista, empecé a escuchar el álbum de nuevo y, ¡guau! Todo cambió para mí. Desde mi primera impresión hasta ahora, todo ha cambiado. Así que tienes razón, a veces necesitas tiempo para asimilar un disco.

Sí, y además, la retroalimentación ha sido increíble. Comparado con nuestros álbumes anteriores, hemos tenido más y más opiniones polarizadas. Siempre ha habido algo de odio o gente que solo se preocupa en meter cizaña. Por supuesto, también hay haters, pero ha habido también muy buenos comentarios hasta la fecha, en cada entrega. Y ahora, de repente, todo es como: «Esto es increíble» o «Esto es una mierda«. Puede sonar extraño, pero para mí esa es la mejor retroalimentación, porque entonces, sabes que realmente hiciste algo que va a perdurar por mucho, mucho tiempo.

Y también ha habido mucho feedback de la gente. Incluso amigos y todo, que me decían, «No entendí el disco en absoluto, pero ahora lo entiendo«. Es solo que, cuando superas esa primera sensación, no es un choque ni nada por el estilo. Hay cosas peores en este mundo que cómo pueda sonar un álbum o algo así, especialmente si tienes que soltar tu odio… Así que, te diría, que me ha recordado a lo que pasó con My Dying Bride y su cambio de sonido.

Hay cierta conexión con nosotros, y también recuerdo el caso de Paradise Lost. Recuerdo, cuando era mucho más joven, cuando salió el Host de Paradise Lost, y me encantó. Lo amé de inmediato, de verdad, me encantó ese álbum. Y lo mismo me pasó con My Dying Bride. El álbum que sacaron 34.788% Complete. También ese trabajo me pareció un álbum increíble. A esos discos, los adoro mucho, en su categoría.

Así, que sí, que siempre creo que es bueno arriesgarse, especialmente cuando eres una banda de 25 años, como lo seremos este próximo 2025. Si llevas 25 años de casado y tu esposa cambia el perfume, después de 25 años, seguirá siendo la misma esposa. Pero tal vez sea bueno cambiar el perfume después de 25 años.

Gran definición. Pero… sí podemos decir que este es el disco donde hay más voces limpias. ¿No crees?

Sí, a pesar de que nunca pienso en cuántas voces limpias o growls deberían haber en el disco. Simplemente es cómo es la música y lo que la música necesita. Y así ha sido por mucho tiempo… Tal vez en los primeros tres discos fue un poco más como: «Oh, tenemos que tener los growls todo el tiempo«. Pero luego es más bien, como lo que es la música la que lo necesita. La música misma te lleva a unas voces o a otras.

Tengo que confesarte que mi canción favorita es “Melancholy”. ¿Qué me podrías contar sobre la misma?

Es algo increíble… yo escribo la música y los álbumes siempre vienen muy rápido a mí. En un mes siempre tengo el disco listo. La música llega a mí como una gran ola, y luego se escribe sola. Pero con “Melancholy”… tuve ese momento que me suele ocurrir en los últimos 10 o 15 años, donde todas las canciones me vienen muy, muy rápido. Y lo mismo pasó con este disco. Pero el caso es que “Melancholy”, vino después, fue la única canción que, de repente, ya tenía todo el disco listo, y todas las demos incluso ya grabadas.

Y luego, de repente, apareció “Melancholy”, esa canción… Comencé a pensa en ella y me vino a la cabeza todo el estribillo, así que corrí de vuelta a casa. Vivo aquí en un bosque. Y cuando salgo a los bosques y a la naturaleza, la música está sonando todo el tiempo. Así que muchas veces tuve que correr rápidamente a buscar mi teléfono para tararear la melodía o algo así. Y esa canción vino súper rápido, en un par de horas esa composición ya estaba lista. Y no sé… es una canción bastante buena, podría decirlo de esta forma.

Y por otro lado, hay gente que me ha dicho: «Bueno, ¿dónde está el resto de la canción?» Porque están acostumbrados a que nuestras canciones duren entre seis, a siete o incluso diez minutos, por lo general. Pero eso es todo lo que esa canción necesitaba. Es una composición bastante compacta, la verdad.

Hay algunas canciones que me encantan. Una de ellas es “November Dust” porque me recordó a Paradise Lost mezclado con Swallow the Sun, por supuesto. Y es realmente buena. ¿Tienes en mente el setlist para el futuro tour? ¿Qué canciones de este álbum vas a tocar en el escenario?

Sí, he estado haciendo el setlist de las canciones y sí, estoy bastante seguro de que “November Dust” estará en él. No puedo estar 100% seguro aún porque, en realidad, solo hemos tocado dos canciones nuevas del álbum en directo. Ni siquiera hemos tocado estas canciones juntas en los ensayos.

No ensayamos, simplemente vamos del estudio al directo. Así que, en realidad, no sabes quá pasará hasta que empieces a ensayar las nuevas canciones y ver si van a funcionar en vivo o no. Pero estoy bastante seguro de que “November Dust” estará. Espero que estas nuevas canciones funcionen bastante bien en directo y espero que también las toquemos en el escenario. Por lo menos, ese es el plan.

Y “Melancholy”, claro…

Sí, también creo que entrará. Pero nunca se sabe… Puede ser que en vivo, simplemente no funcione. Muchas veces, con las canciones nuevas, piensas: «Oh, esta va a ser una gran canción de directo«, y luego resulta que no, que no funciona. Es como que en el disco funciona, pero por el contrario, muchas veces, alguna canción que piensas que no va a ser buena en directo, resulta ser espectacular en vivo. Así que siempre puede haber una sorpresa. Pero creo que estas nuevas canciones van a funcionar bastante bien en directo y, mezcladas con las canciones más antiguas, creo que vamos a tener un setlist excelente.

Por otro lado, tenemos la canción final, “Shining”, la más larga. Probablemente esta canción es más para un disco que para los conciertos.

Sí, podría ser, pero no lo sé. Tal vez la toquemos, no tengo ni idea aún, pero en este momento… no lo sé, veremos. Vamos a ensayar a principios de diciembre. Entonces veremos cómo funcionan las cosas y qué puede entrar..

Un diciembre en Finlandia, debe ser “un diciembre muy diciembre”. Frío polar…

Sí, ahora hay un par de semanas de conciertos en Finlandia y luego vamos a América y Europa. Así que la gira empieza ahora en diciembre.

Vais a venir a Barcelona, creo.

Sí, venimos. Me encanta la ciudad, por supuesto. Tengo muy, muy buenos amigos viviendo en Barcelona, por lo que he estado allí muchas veces.

Asistí a vuestro último concierto en Barcelona. Fue una pasada y el Bóveda estaba lleno.

Sí, recuerdo ese concierto, el lugar, la audiencia y el show. Fueron muy, muy buenos. Así que estuve muy feliz con ese concierto.

Quiero preguntarte sobre otra canción, una de mis favoritas y tal vez, algo diferente, “Charcoal Skies”. Es una canción realmente buena. ¿Tienes pensado tocarla? ¿Es especial para ti?

Sí, creo que esa canción está hecha para una situación de directo. Así que sí, estoy bastante seguro de que esa caerá, o al menos, la vamos a ensayar. De cara a la gira estoy 99% seguro de que esa canción va a funcionar perfectamente. Será una buena patada en los huevos del show, porque el 80% de nuestras canciones son bastante lentas al final, digamos que terminan bastante suave. Así que es agradable tener ese tipo de canciones que te patean directo en las partes bajas.

No tengo las letras, pero ¿cuáles son los temas principales de este disco?

Bueno, es como toda la música, que compongo, es algo muy personal para mí y no quiero hablar demasiado de ello, pero este disco, de alguna forma, es más como una obra auto-reflexiva. En los últimos discos, he estado cantando sobre mí mismo. Yo escribo las canciones y yo escribo las letras, así que todo pasa a través de mí.

Pero he estado escribiendo mucho sobre cosas que han pasado a los seres queridos de mi vida. Y este nuevo disco es como más un intento de entenderme a mí mismo en medio de todo este maldito caos y de la vida. Así que la canción “What I Have Become” habla mucho sobre esto justamente. Cuando te miras al espejo y te dices, «Oh, mierda, ¿es esto en lo que me he convertido? Esto no es lo que planeé«.

Lo que quería ser y lo que finalmente soy… Pero es como un disco de auto-reflexión en ese sentido. Intentando entenderme un poco más sobre mí mismo, de la vida y de las cosas que han pasado. Y es una vida caótica, sin duda.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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La entrada Entrevista a Juha Raivio de Swallow the Sun (Parte I): ‘Lo mejor que nos podía pasar es que la gente odiase nuestro nuevo disco o que lo amara’ se publicó primero en Stairway to Rock.

Swallow the Sun tiene nuevo disco, y es uno que puede dividir a gran parte de sus seguidores. Su portada blanca, mostrando una mano perlada y brillante era premonitoria. La banda siempre se ha caracterizado por su mezcla de Death y Doom metal, con tintes muy melódicos y orquestales, y el estilo ha cambiado mucho en el nuevo trabajo. Ahora, gran parte de la vertiente Death ha desaparecido, no tiene casi guturales, y la orquestación también ha bajado de nivel para ser sustituida por sintetizadores y teclados varios. Se han limado los extremos del contraste entre oscuridad y melodía de la banda, y el resultado musical es muchísimo menos dramático e incisivo que en trabajos anteriores, se han suavizado mucho.

Shining ha sido producido y mezclado por Dan Lancaster, que ha trabajado con otras bandas como Muse o Bring Me The Horizon, y estas son influencias que se notan en el resultado final. El sonido del álbum lo podría definir como más superficial y menos visceral que el de trabajos anteriores, con una música menos orquestal en favor de la sencillez de teclados y sintetizadores. La banda está formada por Juha Raivio a la guitarra, Mikko Kotamäki a las voces, Juuso Raatikainen en la batería, Juho Räihä a la guitarra y Matti Honkonen al bajo.

Fue el propio Raivio el que dijo que después de su último álbum, le quedó claro que «escribir otro álbum de Moonflowers me mataría». Es esa la razón por la que parecen haber buscado un nuevo sonido algo más brillante y menos opresivo, y un estilo que les refresque llevándoles a nuevos paisajes musicales. Esto puede decepcionar a algunos fans de la banda, pero también puede abrirle la puerta a nuevos seguidores.

Voces etéreas y ritmos melancólicos

El disco empieza con una «Innocence was long forgotten» que marca bastante el rumbo de todo el trabajo. Comienza con un buen riff de guitarras y un ritmo quedo y melancólico. Los efectos que le han metido a las voces hace que todo suenen etéreas junto a los teclados de fondo, y tiene un estribillo muy pegadizo. Le sigue «What I Have Become», que sí recuerda a unos Swallow the Sun más clásicos con un atmósfera inicial más opresora y guturales, aunque todo se acaba diluyendo un poco según va avanzando. Tiene de todo, con estribillo pegadizo y guturales que van dándole unas pinceladas de oscuridad aquí y allí.

«MelancHoly» es la siguiente en la lista. La voz principal con gran presencia de efectos y distorsiones, y un estribillo sencillo y repetitivo. Es bastante más ligera y comercial, que puede que a algunos nos recuerde un poco a Ghost. Sigue «Under The Moon & Sun», una balada clásica adornada con sintetizadores, y con un toque de melancolía con una letra que habla de hacer brillar la oscuridad interior. Tras esta balada llega «Kold», un tema con mucha más garra gracias a sus guitarras afiladas y unos guturales más profundos y contundentes. Tiene una atmósfera halloweenesca bastante cinematográfica que le da una personalidad única.

«November Dust» mantiene la atmósfera de la canción anterior, aunque con unas voces más profundas y graves. Empieza sonando un teclado que parece emerger de la profundidad, y un riff inicial de guitarras oscuro que acaba contrastando con un estribillo que juega a superponer una melodía más positiva con una letra oscura que habla caer en una pesadilla. Sigue «Velvet Chain», una triste balada que es también un delicado dueto junto a una voz femenina con muy poca instrumentación. Apenas tiene un piano, batería, bajo y alguna guitarra dando ambiente lento pero eléctrico mientras las voces se acarician suavemente durante poco más de tres minutos y medio.

El viaje musical continúa…

El viaje musical continúa con «Tonight Pain Believes», que es corta y lenta, pero con una peculiar textura arenosa que le da un bienvenido punto distintivo. Sus estrofas lentas desembocan en un estribillo que sube un poco en intensidad, pero no demasiado, resultando un tema ligero y asequible. La siguiente canción es «Charcoal Sky», que transmite una nube de penumbra que se acerca, y donde los guturales contrastan con voces voces lentas. Tiene un paisaje musical más tenebroso y opresor que en la mayoría del resto del trabajo, pero sin pasarse demasiado.

Y el álbum termina con «Shining», que pese a tener un título luminoso nos ofrece un poco más del Swallow the Sun clásico. Es un corte largo y más complejo, con muchas capas de voces de distintos tipos. Empieza rápida y con guturales, pasa a una estrofa limpia y lenta, luego se para hasta quedarse casi desnuda con únicamente voces y guitarra acústica, para luego volver a crecer en intensidad añadiéndose guturales acompañarlos de riffs afilados. En general, son ocho minutos en los que se van alternándolos distintos paisajes musicales en la que es posiblemente mi pieza favorita de todo el disco.

Conclusión

En conjunto, estamos ante un trabajo más ligero y comercial de lo que esperábamos teniendo en cuenta la banda que lo firma, pero que si nos ceñimos a la música, es sólido y tiene unas muy buenas composiciones. Hay momentos puntuales en los que recupera el típico contraste entre la rudeza y oscuridad de las voces con ambientes hermosos y claros como en discos anteriores, pero incluso entonces parece un gato con guantes. Da la sensación de que todo lo que intenta transmitir se hace de una manera más comedida, sin la característica intensidad que te desgarraba por dentro en el pasado de la banda. Si nunca escuchaste Swallow the Sun o considerabas que era una banda demasiado fuerte para ti, es posible que este disco te ayude a descubrirlos y consigas engancharte a ellos a la primera, porque es muy asequible. Pero si vienes de disfrutar de la hermosa visceralidad de trabajos anteriores, es posible que te quedes a medias, y con algo de decepción. Se echa de menos ese dramatismo que te dejaba sin aliento.

Pero no quiero terminar sin recordar que muchas bandas exploran distintos sonidos en discos puntuales para no acabar repitiéndose y dar más de lo mismo constantemente. Es lógico que evolucionen, aunque no siempre nos van a gustar a todos las direcciones que deciden tomar. Ciertamente, el cambio en la música de Swallow the Sun ha sido bastante más abrupto de lo que me hubiera gustado, pero eso no ha hecho que deje de disfrutar de sus composiciones. Habrá que ver cómo sigue evolucionando este grupo en el futuro.

Yúbal Fernández

Experto en tecnología y amante de la buena música. Abierto a todo tipo de géneros, pero amante del prog en particular. Me encontrarás más en conciertos de pequeñas bandas locales y nacionales que en los de grandes leyendas del rock internacional, y también en algunos que otros festivales.

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