Sala Salamandra, L’Hospitalet de Llobregat

Organiza: Madness Live!

Texto: Jordi Tàrrega y Markceröck

Fotos: Facebook de Heidenfest

Festivalazo de folk metal nórdico-festivo con los grandes exponentes del género como son Korpiklaani y Finntroll en una Salamandra que no terminó de llenarse hasta los topes, pero que registró una excelente entrada. Eran horarios muy europeos hasta el punto que el primer concierto empezaba justo cuando terminaba el horarios escolar. ¡No podríamos no hacer extraescolares! Y estos horarios tienen, bajo mi punto de vista, y siempre que puedas asistir, muchas más ventajas que inconvenientes.

El Heidenfest era tan extenso como el Motocultor de la semana pasada, pero a diferencia del capitaneado por Nanowar, aquí la mezcla de grupos era absolutamente acorde con el estilo y el espíritu de lo que es el Heidenfest. De todas formas, también hubo variedad para dar y tomar pues los dos cabezas de cartel eran claros y conocidos, pero es que luego pasamos desde tabernas irlandesas de piratas, al viking metal de pura cepa y a frikis vestidos de flamencos. Exacto: no nos aburrimos ni un momento.

The Dread Crew of Oddwood: los piratas acústicos

Sorpresa total de cariz acústico y con un quinteto armado con violín y contrabajo, vestidos todos de piratas. Coros reales, sabor tabernero en piezas como “Side Quest” y “Leather Ship” y esas coreografías que incluían pataditas al unísono. Cambios de voces solistas, mandolinas con un sonido pulcro y perfecto y mucha fiesta. Nos presentaron un baile de cangrejo algo forzado y luego se salieron con la excelente “Give Me Your Beer”. Apareció un panzudo roadie en pijama a modo de Eddie y nos hicieron reír con un solo de flauta tocado con la nariz. Tienen mucho de Santiano, pero los alemanes empezaron con esto hace 20 años. Y terminaron a lo grande con “Lawful Evil”. Diversión y mucha calidad, pero prefiero verlos en una taberna.

Trollfest son mucho más que un grupo parodia…

Complicado… hay veces que la parodia y la broma tapan lo que es una banda de posibilidades inmensas y de técnica notable, pero si apareces a escena a ritmo del “Carmina Burana” de Carl Orff y con todo el grupo vestido de flamencos… pues la gente se queda en eso. Algo similar les pasaba a Dry River cuando iban vestidos con trajes de Ali Express. “Dance like a Pink Flamingo” abrió los juegos para que el quinteto nos hiciera mover las alas y viésemos en “Flamongous” que no llegábamos a apreciar el elemento diferencial del grupo: el saxo. Son un sexteto muy trabajado con un vocalista-showman que tira de set percusivo en temas como “Happy Heroes”, con video de un autobús escolar.

Globos rosas desparramados para la audiencia y destellos progs en algo festivo y original, salpicado por momentos muy 90eros de cónsolas de 8 Bits. Algunos coros pregrabados en “Twenty Miles an Hour” en la que juegan con tiempos muy complejos y “Kaptein Kaos” con aires funkies y mucha diversión. Esa moda de hacer sentar a toda la sala, la explotan, pero cada vez a sus fans les cuesta más por edad. Y los sonidos balcánicos de “Trinkentroll” tomaron la sala… Atención a la conga gigante en “Piña colada”, que subió hasta los lavabos de arriba, con ritmos a doble bombo, pero me quedo con “All Drinks on Me” y ese guitarra que era capaz de cantar tanto o mejor que el vocalista.

Heidevolk mejora su última visita

Soy más fan de un disco concreto y de una mítica versión de esta banda vikinga de dos vocalistas que de sus discos, pero reconozco, que esta vez, estuvieron mucho mejor que la última visita en la que los vi en la misma sala. Nos recibieron al son de “Ontwaakt” y con su baterista subido a su kit. Los neerlandeses tiran de música seria, sin parodias ni fiesta, y la combinación de las dos voces caló. Arreglos de cuerda de fondo y chorrazos de humo al tiempo que Jacco salía con una bandera. “Ostara” fue la siguiente y Daniël blandió un escudo de batalla para luego encarar “Walhalla Wacht”, de mi disco favorito. Solemnidad y acústicas en una delicia del sexteto.

Pueden poner a la sala a saltar, tirar de blast beats e incluso utilizar guturales. Y luego bajan pulsaciones en “Yguwaz’ Zonen” por mucho que lo lleven casi todo pregrabado. Juegos de luces muy logrados en “A Wolf in My Heart” y cuernos vikingos para brindar en un tema mucho más festivo. La verdad es que todo fue una buena muestra de posibilidades que demostró mucho en “Drinking with the Gods (Valhalla)”, pero cuando ponen a la sala a bailar y cantar es con la versión (magistral) de Normaal: “Vulgaris Magistralis” te enamoran. Recuperar esa joya y hacerla suya es algo que me llega de verdad (y eso que hay un punto de parodia evidente). La despedida la puso “Nehalennia”, tema guerrero y de batalla. Mejoraron su anterior visita, y lo agradecimos.

Finntroll sin su vocalista y con sonido deficiente

Uno de los grandes problemas de los fineses es que siempre que vienen, falta alguien de la formación original y que no suenan como deberían sonar… Y esto justamente pasó esta vez: media descarga de los orejudos sonó FATAL y su vocalista Vreth no estaba. En su lugar estuvo un excelente Kistelach. “Midvinterdraken” sonó a rayos, no así la bonita intro inquietante que la precede. Luces azuladas y micro humeante para seguir con ese mix de “Vindfärd” con “Människopesten”, pero de verdad que disfrutamos más con ese “Solsagan”, capaz de levantar puños y sala al tiempo que los chorros de humo acompañaban el demoledor trabajo de batería de “Mörkö”. Es una lástima que ya hayan prescindido del teclado en directo, pero todo avanza…

No mejoraron las cosas ni con “Fiskarens fiende” ni con “Blodsvept”, pero la entrega del grupo y de su vocalista invitado está fuera de duda. A partir de “Nedgang” la cosa mejora y podemos escuchar y paladear a unos Finntroll como esperábamos, pero nos habíamos comido ya medio concierto. Para colmo de todos los males el bajo de Tundra falla, hay parón, y recuperan cable en “Svartverg” y “Mask”, esta última muy optimista y más festiva que oscura. La olla de las primeras filas empezaba a hervir, pero lo haría de verdad con ese clasicazo que es “Trollhammaren”. Aquí ya vimos a los fineses en su salsa y ya la cosa valió la pena de verdad. Y ese momento precioso en que los miembros de todas las bandas salen para hacer coros, fue una pasada, síntoma de hermandad en la gira.

La oscura “Nattföd” y la cabalgante “Skogsdotter” fueron una fiesta total, pero nada comparado a lo que es “Jaktens Tid”. Esta canción, para un servidor, sintetiza lo que es este movimiento musical y fue la que puso a los trolls en el mapa del metal mundial. Kistelach ya iba sin camiseta y el combo había estado a la altura a pesar de todos los problemas habidos y por haber. Nos despidieron con “Ormfolk”, temazo de su última obra y bajo luces azules. El problema que me sucede con Finntroll es que siempre se quedan a las puertas de demostrar que son únicos y que son más padres del invento que Korpiklaani.

Korpiklaani convencen (por Markcerök)

La noche de L’Hospitalet se transformó, ante mis ojos, en un claro del bosque finlandés bajo el influjo del Heidenfest, una de las giras más esperadas del año, que traía de regreso a los auténticos maestros del desenfreno folk: Korpiklaani. La expectación era máxima, no solo por la envergadura del festival —con un cartel compartido con gigantes como Finntroll y Heidevolk—, sino por la oportunidad de presenciar en directo la madurez de una banda que ha sabido evolucionar sin perder ni un ápice de su esencia rústica y festiva.

Desde el momento en que los músicos pisaron las tablas, quedó claro que la formación actual atraviesa un auténtico estado de gracia. Jonne Järvelä, carismático líder de melena salvaje e indumentaria de alquimista imposible, se erigió en maestro de ceremonias de una auténtica «celebración pagana», que arrancó con la potencia de «Hunting Song» y la ya emblemática «Wooden Pints». Su voz, curtida en mil batallas y madurada en barrica de roble, no se limitó a sostener las canciones: su presencia escénica —saltando con la guitarra, dirigiendo los coros del público— eliminó cualquier distancia física entre la banda y la audiencia.

La sección instrumental fue un despliegue de virtuosismo orgánico. Sami Perttula, al acordeón, y Tuomas Rounakari, al violín, acapararon gran parte del protagonismo. Verlos interactuar es comprender el alma misma de Korpiklaani: mientras Sami imprime ese ritmo de polca metalera que obliga a mover los pies, Tuomas eleva el conjunto con arreglos que evocan los paisajes míticos del Kalevala. La reciente incorporación de Olli Vänskä ha reforzado aún más esta faceta, creando una auténtica pared de cuerdas y fuelles que suena atronadora y genuina, demostrando que la banda no necesita pistas pregrabadas para resultar densa y vibrante.

A medida que el setlist avanzaba, el grupo fue desgranando los tres pilares de su identidad. La vertiente más mística y ancestral brilló en temas como «Ämmänhauta» y la hipnótica «Leväluhta», donde el ritmo se vuelve más pesado y las letras nos transportan a las leyendas de los bosques finlandeses. En esos momentos, la sala Salamandra parecía guardar un silencio reverencial, roto solo por los aplausos ante la complejidad técnica de Jarkko Aaltonen al bajo, quien, con su sobriedad habitual y su barba kilométrica, cimentaba una base rítmica inquebrantable junto a la batería.

La presentación de su último álbum, Rankarumpu, aportó cortes como «Aita», «Kalmisto» y la frenética «Saunaan», canciones que mantienen intacto el pulso joven y vigoroso del grupo y que encajan a la perfección con los clásicos de siempre. La entrega de los guitarristas, especialmente la de Kalle «Cane» Savijärvi, fue impecable: riffs que beben directamente del heavy metal más puro, pero que se entrelazan con las melodías folclóricas de un modo casi mágico.

El punto de inflexión hacia la locura colectiva llegó con la versión de «Gotta Go Home» (original de Boney M.), que desató un mosh pit discotequero tan masivo como inesperado y arrancó sonrisas cómplices entre los asistentes, confirmando que Korpiklaani no teme lo lúdico ni lo imprevisible.

La interacción con el público de L’Hospitalet y Barcelona fue constante y sincera. Jonne se acercaba una y otra vez al borde del escenario para chocar manos y compartir miradas de júbilo, mientras la banda agradecía entre canción y canción la energía de una sala que colgó el cartel de «sold out». El tramo final fue un ascenso imparable hacia el paroxismo festivo: «Viima» y «Metsämies» prepararon el terreno para un cierre apoteósico. Cuando los primeros acordes de «Vodka» retumbaron en la Salamandra, el recinto se convirtió en un caos controlado de saltos, brindis al aire y sudor compartido.

Al terminar, con los músicos exhaustos pero sonrientes despidiéndose desde el escenario, me quedó la sensación de haber asistido a algo más que un concierto de metal. Fue una auténtica fiesta de pueblo finlandesa trasladada al corazón de la ciudad, un recordatorio de que, a través de la música, los bosques ancestrales y las tabernas eternas siempre están a nuestro alcance.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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3 de junio de 2025 – Sala Salamandra – L’Hospitalet de Llobregat

Rebel Sound

Fotos: Carlos Martínez

Crónica: Jordi Tàrrega

Si un Ramone viene a tu ciudad, lo mínimo que hay que hacer es irle a ver y presentar nuestros respetos ante tamaño coloso. Quedan tres vivos en todo el mundo: C.J., Richie y Marky, pero indudablemente lo de Marky es especial, pues estuvo en los momentos claves en el seno de la banda y ha vivido gran parte de su vida con Johnny, Joey y Dee Dee. Gran entrada, que parece haber consolidado la leyenda. Recuerdo en 2003 que tocó para una sala Màgic con apenas 20 personas. Está claro que esta encarnación supera aquellos Speedkings que le acompañaban.

 Wild Mama’s reparten juego con una gran propuesta

Gran papel de los catalanes Wild Mama’s, un cuarteto que demostró horas de local y una propuesta dispar en lo estilístico que gustó y fue especialmente aplaudida. Combinan castellano e inglés, pero sorprendieron con un tema en catalán al final “Noia de l’Amazones”. Se combinan las voces solistas y dejan el centro del escenario a su bajista a la vez que uno de sus guitarristas también ataca con la armónica dando mucho juego en canciones como “Somos animal”.

Momentos realmente punks, pero con garajeo muy bien llevado y manteniendo la intensidad en todo momento. “City’s Burning Generation” elevó la temperatura de la sala con una bailable línea de bajo. Curiosamente uno de sus mejores temas fue “Dinosaurear”, que suena muy a la movida madrlieña, pero con muchísima gracia. Y terminé el concierto con el estribillo de “Noia de l’Amazones” repitiéndose en mi mente sin parar. Y se la jugaron con una proclama a favor de Palestina, y lo digo porque no es algo que le guste especialmente a Marky…

Marky Ramone’s Blitzkrieg

Se amenizó la espera con clásicos de punk rock hasta que sonó la banda sonora de la serie “Perry Manson”. Un enorme logo con letras rosas en el que rezaba Marky Ramone’s Blitzkrieg se alzaba tras la batería blanca, y el grupo asaltó el escenario en un show de la vieja escuela y en el que se trató de ser muy respetuoso con el legado de los de Queens. Show trabajado con buenos músicos y mucho sentido del directo al ritmo de “Do You Wanna Dance” y “Havana Affair”. El bajista metía coros, pero el 1,2,3,4 con el que daba inicio a muchos temas no era como el clásico de Dee Dee.

Tampoco la voz del cantante se parecía a la de Joey, pero… ¿y qué más da? Cuando cantas y bailas “Teenage Lobotomy” o “Commando”, uno se da cuenta en un directo como este que el legado de los Ramones es inmenso, y que sus himnos de minuto y medio son atemporales y tremendamente divertidos. Tras “Beat on the Brat” pasamos a un tramo de versiones con “Let’s Dance” y “Surfin’ Bird”. La histórica “Judy Is a Punk” y la proto-pseudo-balada “I Wanna Be Your Boyfriend” no nos puso tiernos, pero la cantamos de principio a fin. Para esto está este proyecto: para que estas canciones sean tocadas sobre las tablas.

Marky es de largo el que menos clava los tiempos, intenta hacer alguna virguería rítmica y… naufraga, y está más tosco que nunca, pero… ¡es un Ramone vivo! Y cuando alguien aprende a tocar la batería, el primer tema que uno suele tocar es uno de Ramones, normalmente el “Blitzkrieg Bop”, que fue la que cerró la velada. Pero antes caerían 34 canciones más. “Now I Wanna Sniff some Glue” representa su faceta más cafre y “We’re a Happy Family” tiene calado político en sus letras y musicalmente es de lo más rico de su discografía.

El guitarrista cumplió con creces, vistiendo como le parece y sin intentar vestirse con “el uniforme Ramone”: véase chupa de cuero, pelos largos y tejanos desgastados. Bailamos el “Rockaway Beach”, cantamos el “Gimme Gimme Shock Treatment” y nos emocionaron con la versión de la Creedance “Have You ever Seen the Rain”. El bajista llevaba una camiseta con la frase: “Today Your Love, Tomorrow the World”, canción que no cayó esa noche (¡!!), pero sí lo hizo “Oh Oh I Love Her so”. Y luego nos fuimos a tramo más primigenio y ramonil con (atención) “I just Want to Have something to Do”, “Pinhead” y “Cretin Hop”.

Me dolió que no apareciera en escena el cartel de “Gabba Gabba Hey” en “Pinhead”, tributando a la película “Freaks” de la que el tema toma inspiración y que simboliza lo que fueron los Ramones: unos marginados de manual. Marky sonríe, el logo de fondo va cambiando de color. Mucha actitud para luego poner algo más de clase en la versión de “Needles and Pins”, la fabulosa “Rock n’ Roll High School” y la versión de Motörhead “R.A.M.O.N.E.S.”. Menudo tributo les hizo Lemmy Kilmister a los de Queens. Parada, con bajada a bastidores y con la sala rugiendo ávida de más clásicos.

El bajista ya iba sin camiseta luciendo tattoos y atacaron seguidas “You’re Gonna Kill that Girl” y “Chain Saw”, dos de las fundamentales. Luego dos de “desamor” como son “Gald to See You Go” y “I Don’t Wanna Walk around with You”, para luego hacer latir el corazón de amor con “Listen to My Heart”, y una de las sorpresas de la noche: “What a Wonderful World”, versión que cantó Joey en sus últimos días y que es tan famosa como la original. El cantante estuvo especialmente bien en este tema. Y tras “Blitzkrieg Bop” dijo “eskerrik asko”, “moltes gràcies” y tocó irse a casa feliz.

Podemos gastar saliva debatiendo si lo que presenciamos es un mero tributo, pero lo que realmente es, es que las canciones de los de Queens se hicieron para ser tocadas en directo, que no hay peinados ni poses y que Marky merece tocar ese legado. Dentro de la crítica posible es que sean las canciones más obvias y los grandes éxitos, pero cuando suenan… te transformas y revives los tiempos del Loco Live, grabado en Barcelona. Me gustaría escuchar piezas más olvidadas y que arriesgaran, pero ya me va bien así. Y si nos vistan una vez al año, yo ya soy feliz.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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20 de diciembre de 2024

Salamandra

Organiza: HotPro

Crónica: Markceröck

Fotos: Markceröck

Los sevillanos O’Funk’illo han envejecido, como todos. Sin embargo, lo que no ha envejecido son sus canciones ni ese estilo tan único que los mantiene vivos en este viaje musical a través del tiempo. La Salamandra, emblemática sala de conciertos, se fue llenando poco a poco con un público fiel, compuesto por seguidores que, generación tras generación, han conectado con el espíritu y la energía de la banda. Este evento era mucho más que un simple concierto: era la celebración de un viaje de 25 años, desde los inicios de O’Funk’illo hasta su consolidación como uno de los grupos más emblemáticos del panorama musical español.

Antes de convertirse en los O’Funk’illo que conocemos, la banda experimentó con versiones de clásicos como Living Colour y Faith No More, bajo el nombre de Motherfunkers. En esa época, Pepe Bao al bajo y Andreas Lutz en la voz y rapeos, ambos fundadores y miembros clave de la formación, ya empezaban a construir los cimientos de lo que sería su sonido característico. Años después, ese estilo evolucionó hacia un concepto innovador, el «funky andaluz embrutessío», un término que captura la esencia mestiza y poderosa de su música.

La Salamandra se llenó de un público heterogéneo, desde heavies veteranos hasta oyentes más casuales. Aunque se esperaba una mayor presencia rockera, dada la contundencia de su última obra, quedó claro que el poder de convocatoria de O’Funk’illo sigue intacto. La conexión entre la banda y el público era palpable desde el primer momento.

El concierto arrancó con fuerza, como un estallido, con “Riñones al Jerez”, una pieza de funk metal cargada de energía. Pepe Bao se lució desde el primer segundo con un impresionante tapping de bajo, mientras la batería y la guitarra lanzaban un riff furioso. Andreas Lutz no tardó en animar al público, incitándolos a gritar con todo lo que tenían desde el primer acorde. Este inicio sentó el tono para una noche cargada de adrenalina.

Le siguieron temas emblemáticos como “O’Funk’illo Groove” y “El Mármol”, que mantuvieron el alto nivel de energía. Cada nota era ejecutada con precisión y fuerza, dejando claro que la banda sigue en plena forma. añadió un toque personal con su estilo macarra, su entrega total y su técnica impecable.

Un viaje por el universo O’Funk’illo eso es el repertorio que fue una auténtica montaña rusa de emociones y estilos. Con “El Tajo Busty”, la banda exploró un sonido más discotequero, al estilo de Jamiroquai, con un acompañamiento sólido en el teclado y la batería. El joven baterista, de apenas 19 años, fue una de las grandes sorpresas de la noche, mostrando una madurez y técnica que impresionaron incluso a los seguidores más exigentes.

El ambiente alcanzó su punto álgido con temas como “Arte un Waka”, una pieza que llevó al público a un frenesí total. Los fanáticos no pararon de cantar cada palabra de la letra, creando una atmósfera que mezclaba devoción y euforia. El ritmo funky de “Rulando” añadió un toque desenfadado, con un personaje disfrazado de alien de color verde que animaba y divertía al público, robándose el show en más de un momento.

“En el Campito”, una de las canciones más reproducidas de la banda en plataformas digitales, destacó por su virtuosismo instrumental. Pepe Bao ejecutó un solo de bajo magistral que, por momentos, recordó la sonoridad de una guitarra española, en un truco que suele deslumbrar en festivales de jazz. Con “Todo pa’ la Pachamama”, el concierto tomó un giro hacia el flamenco funk, fusionando wah-wahs de guitarra con palmas por bulerías y un break sorprendente en el que Andreas brilló con su interpretación vocal.

El público, que no paró de corear, vibró especialmente con “Nos Vamos Pal Kely”, donde Andreas, con una sonrisa de oreja a oreja, agradeció la energía de la sala, que cantaba con entusiasmo cada estrofa. La banda demostró su maestría en piezas como “Dinero en los Bolsillos”, donde la experiencia y el aplomo de los músicos se hicieron evidentes. Incluso en momentos de improvisación, la banda mantenía el control, mostrando su gran nivel técnico.

En “A Jierro”, O’Funk’illo desplegó su característico humor andaluz, fusionando géneros como el funk, la bossa nova y los metales de big band. Este tema, cargado de ironía y energía, incluyó referencias a la marihuana y la naturaleza, elementos que han sido parte de su identidad desde el principio.

“Fiesta, Siesta” trajo consigo uno de los momentos más festivos de la noche, mientras el bajo de Pepe Bao resonaba con sus inconfundibles diabluras. El público, ya completamente entregado, bailaba y cantaba sin descanso. En “En el Planeta Aseituna”, Pepe Bao volvió a brillar con un solo espectacular que bien justificaba el precio de la entrada.

El reggae llegó con “Mary Jane”, donde el tempo ralentizado invitaba a balancearse y dejarse llevar. “Al Rollo del Cogollo” fue otra muestra de su versatilidad, con la aparición sorpresa de Morti, quien añadió un toque especial a una ya de por sí animada velada.

Finalmente, cerraron con “Esso Cuenno”, un tema que convirtió la sala en un mar de manos alzadas. Andreas, jugando con el público, preguntó «¿cuántos somos?» y se aseguró de que todos estuvieran involucrados hasta el último momento. El gran final incluyó un Pepe Bao tomando una baqueta para golpear las cuerdas del bajo en una clase de virtuosismo que sólo él puede emanar más una vuelta más del extracto de “Riñones al Jerez”, enlazado con el coro de “Vaya morao”, un cierre perfecto para una noche funk inolvidable.

O’Funk’illo demostró una vez más por qué son un pilar del funk andaluz. Andreas Lutz, con su carisma y energía, sigue siendo el corazón de la banda, mientras Pepe Bao, con su inigualable virtuosismo, actúa como el motor que mantiene todo en marcha. Rodeados de músicos excepcionales, han sabido mantenerse fieles a su esencia y prometen regresar el próximo otoño, cargados de groove y éxitos listos para seguir haciendo historia.

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Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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12 de diciembre – Salamandra – L’Hospitalet de Llobregat

Madness Live!

Crónica: Jordi Tàrrega

Fotos: Karina Estrella / Rock Culture

Son maravillosos… La verdad es que Eclipse es una de las mejores bandas de la actualidad en cuanto a hard rok se refiere. Pero no lo son hoy, lo son desde que irrumpieron y renovaron, a la vez que actualizaron el estilo junto a H.E.A.T. A Suecia nadie le tose en terrenos de rock duro y en todas sus vertientes, porque todo lo más excitante que sucede en el heavy metal actual, suele llegar de esas latitudes en las que otrora, ABBA sentó muchas bases, y la “presencia” de esa mítica banda sigue siendo una realidad.

Excelente entrada para un grupo que suele tocar hasta tres veces en Barcelona por año, y es que, quizá exageramos, pero la demanda por este cuarteto es más que evidente. El gran problema empieza a ser la sala Salamandra, y no por el sonido, ni por nada que ellos puedan controlar, pues la amabilidad de todos los que allí trabajan es exquisita.

El problema es el aparcamiento, que antes era absolutamente fácil, pero a día de hoy los clubs de pádel nos han copado ese espacio. El caso es que, muy a pesar de que salí con tiempo, tuve que aparcar a kilómetro y medio y llegar empapado, perdiéndome casi todo el show de Remedy, el principal aliciente del show. Y ya os digo, que las dos “nuevas” bandas de hard rock sueco son, para un servidor, Remedy y Nestor.

Remedy: Crítica sin remedio alguno…

Mojado hasta las trancas llegué para disfrutar de un “Crying Heart” certero, pero servidor estaba para otras cosas a pesar de que el grupo parecía ofrecer un hard rock actual de muchos quilates. Estribillo tan predecible como arrebatador. Si es que quería comprarme un CD, pero viendo la lluvia temí que al salir se mojara y se convirtiese en EP (chiste para coleccionistas). A pesar de mi estado pude ver la gran calidad del combo sueco, refrendada por la final “Moon Has the Night”.

La sensación es que van muy en la línea de las bandas actuales y punteras de hard rock sueco, con producciones pulcras y estribillos de los añorados 80, a pesar de que hay ese poso personal, cosa que se agradece especialmente. Y es que mola ver a grupos de hard rock que en pleno 2024 tienen tanto que decir y material a la altura de las circunstancias. Sé que los volveré a ver, sólo espero que seco y presenciando el show completo. Podría escribir una crónica completa obviando mi estado deplorable, pero para esto ya hay otras webs que lo hacen mejor…

Eclipse no fallan y siguen sumando fans

Sin novedades al frente, más allá de esos triángulos invertidos y luminosos que combinan con el pie de micro luminoso y rojo de Erik Martensson. “Roses in Your Grave” fue un inmaculado inicio con teclados pregrabados, pero con el sello de la banda presente, que siempre hace algo especial en sus directos y te toca muy adentro. Producción y focos van creciendo en cada venida, y de eso se alimentó la gran “All I Want”, otro temazo de aires 80eros con un inmenso Martensson a las voces. Quizá esta vez su voz era algo más raspada. El otro líder del grupo es el gran guitarrista Magnus Henriknsson, excelso en “Run for Cover”, de inspiración irlandesa. Si es que los nuevos temas siguen enamorando tanto como el material más antiguo…

Obviamente la trabajada base rítmica formada por Philip Crusner a la batería y por Victor Crusner al bajo hacen que los dos divos luzcan, pero es innegable que ellos dan alas a las canciones, y “Killing Me” fue el mejor ejemplo de ello. “Jaded” refrendó su propuesta poniendo a la sala a cantar, y “Runaway” fue la única concesión al genial disco Armageddonize, mi favorito. Será por temazos… tienen para parar un carro. “Still My Hero” nos devolvió a su presente más inmediato, pieza del Megalomanium II. La tocó Erik sólo con la acústica, lo que le dio aires nuevos a la composición.

Hubo un solo de batería por parte de Philip Crusner con fragmento de fondo del “O Fortuna” de Carl Orff y con una imagen de un eclipse solar en las pantallas. Buenos detallitos… “Estamos a jueves, pero esto parece un sábado noche”, palabras que precedieron al “Saturday Night (Hallelujah)”, recibida como el clasicazo que es. Innegablemente tiran de su fórmula, pero es que es arrebatadora… “Anthem” y “Black Rain” fueron interpretadas en acústico, la primera con ese sabor tan irlandés.

Disfrutamos luego con el “Never Look Back” con esos coros tan comerciales pregrabados, repleta de energía y capaz de alegrarte y motivarte. Música feliz que en “Twilight” alcanzaría su cenit cuando en el solo, Philip Crusner se marcó un fragmento del “Himno de la alegría” antes de dar paso a unos bises, que agradecimos. No estaba prevista “Battlegrounds”, y me sigue pareciendo su mejor canción, otra vez con esos ecos irlandeses, esta vez a dos guitarras. El público cantó tan bien el estribillo que Victor, el bajista, nos dijo un “Gracias”.

Quedaban las cargas de profundidad por lanzar y una fue el “Hardest Part Is Losing You”. Eléctrica e intensa, y muy definitoria de lo que el grupo es capaz. Incluso hubo un momento en el que la gente movió los brazos cual parabrisas para acompañar la canción. La otra fue “Viva la Victoria”, temazo absoluto e hímnico que ya hace tiempo que es la encargada de cerrar sus descargas. Ningún pero a un grupo que ofrece 18 temas en algo más de hora y media. Vienen mucho, pero es como que hay ganas de verles y que, como siempre cumplen y que la fórmula no se agota, siempre funcionan. Ahora que ya ha pasado la gira, a esperar a que les confirmen para festivales.

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Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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Salamandra

Organiza: EclipseGroup

Fotos: Ruth Gómez

Desembarcó por enésima vez el héroe de Toronto en la ciudad condal y se lo llevó todo por delante, como tiene que ser. En esta web somos muy de “Dan Kojones” y servidor lo veía por octava vez en directo. Mantiene la actitud por bandera y sabe ofrecer a una sala (casi llena) un show dinámico y tremendamente divertido y eléctrico. Vendió merchandising a precios populares y, como siempre hace, cuando habla, es tan efectivo como cuando toca y canta. Mordaz, afilado y satírico, ensalzó a la sala Salamandra mientras daba su desaprobación a la misma, pero no somos músicos, y toca decir qué, como espectadores, lo disfrutamos en la comodidad de un recinto que siempre alberga grandes conciertos.

Los Pepes se ganan un buen puñado de fans desde la telonería

Desconocía absolutamente a Los Pepes, y la verdad es que el nombre ya me daba cierto repelús. Esperaba con miedo a una banda de pacazos de cualquier ciudad del extrarradio de la capital catalana, pero me encontré con una agrupación trabajadísima de punk, con influencias de la invasión escandinava 90era tipo Backyard Babies y Gluecifer, pero también con influencias del power pop tipo Cheap Trick. Formaron en cuarteto con Ben Perrier a las voces y la guitarra en el flanco derecho y con unos coros más que competentes de su baterista y bajista.

Convencieron rápido a los asistentes al ritmo de piezas como “Guilty Pleasures” y “Paradise”. Sus fans ya me advirtieron que en directo todo queda más homogeneizado, pero que en disco, al grupo se le notan las muchas texturas y estilos con los que juegan. Disfrutamos de tonadas como “The Trap” y el grupo se ganó un buen puñado de fans, especialmente cuando cerraron su descarga con la espectacular versión de los Dictators “Stay with Me”. Gran concierto y ejemplo de cómo tiene que sonar y hacer una banda telonera.

Danko Jones pide ser banda local en una BCN entregada

Una intro con harmónica y mucha oscuridad a ritmo de Morricone para la entrada del power trio con “Guess Who’s Back” y ese riff monolítico. Toda la banda vestida de negro y enchufada, aunque huelga decir que echamos de menos esas luces con el logo que otras veces han traído. La sala rugió y bailó al ritmo de “Get High?”, otro tema de su último trabajo titulado Electric Sounds y que lució especialmente. Tocaría destacar los buenos coros imprimidos por Rich Knox desde la batería, dando un plus a temas como “I’m in the Band”. Aquí ya hubo una larga perorata de un Jones que dijo que quería ser banda residente del Salamandra y grupo local en Barcelona.

Impresionante ver al gentío corear el “I Gotta Rock” del disco Wild Cat. Y es que hay ese feeling ramonil en su música que hace que la gente cante y se mueva al son de sus canciones. Tres cuartos de lo mismo en un “Lipstick City”, dotada de un groove sexy y que encandiló a los presentes: “si tu traes vainilla, yo pongo el chocolate”. Compactos y directos, con un enorme John Calabrese al bajo, continuaron con el que es para un servidor el mejor tema del grupo: “First Date”. Por cortes como este, Danko es leyenda, y sí, en S2R besamos en la primera cita e incluso mordemos todas y todos.

Se hizo corto el bolo de hora y cuarto, pero cuando suena el “Code of the Road” quemamos las naves y disfrutamos como toca. Solía ser un tema de final y ahora está en medio del set, lo cual no es malo, para nada. “The Twisting Knife” tiene mucho de “I Had Enough”, pero se disfruta igual: puro rock n’ roll directo y en vena. Los presentes corearon el nombre de “Dan Cojones” y él se crece ante semejante tributo. Le sirve para tirar de actitud y peroratas para luego atacar “Good Time” y un “Flaunt It” predecida por la intro de “You Are My Woman”, algo que funcionó especialmente…

Quedaban las joyas de la corona y estas cayeron empalmando “Full of Regret” con “Had Enough”. Ambos temas me hicieron saber, cuándo salió a la luz el Below the Belt, que este tío era especial, y la audiencia reconoció ambas tonadas con aplausos y bailes. “Lovercall” y “MY Little RnR” bajaron las pulsaciones, pero las acercaron a ritmos de AC/DC para que la concurrencia disfrutara de lo lindo antes de los bises. La banda toca de memoria y los temas lucen con especial alegría entre parlamentos del ídolo de Toronto.

Lo bises empezaron con la sorpresiva “I Think Bad Thoughts” del Below the Belt, y ya con todo el pescado vendido atacaron “Invisible” del Sleep Is the Enemy. Electricidad y cadencias a prueba de balas en un ejercicio de catarsis global en la sala. Se hizo todo corto y terminó todo con un “Shake Your City” que tiene pintas de quedar como un nuevo clásico. Reverencia a Barcelona y gran final eléctrico que nos dejó con ganas de más fiesta. Danko Jones es una garantía y un seguro de vida. Material incendiario y speeches con mucho mordiente son lo que le caracteriza, por lo que difícilmente te vas a ir decepcionado a casa. Siempre sale a hombros, y se lo gana sudando sangre… Agradecimos también que el momento horchata ya sea cosa del pasado.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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La entrada Danko Jones lleva al Salamandra al punto de ebullición con puro R’n’R se publicó primero en Stairway to Rock.

Es un ciclón, un metalhead que desde su tierna infancia ha sentido debilidad por los sonidos metálicos pero su Toronto multicultural materno ha hecho de él un tipo abierto de mente capaz de amar desde el punk al jazz. Power Trio y Electric Sounds son sus nuevos disco en los que va secundado por su sempieterno bajista JC y por el ya asentado Rich Knox a la batería. Una inmejorable excusa para charlar un poco con Danko…

Hola Danko, enhorabuena por tus últimos discos. En mi opinión, desde que editasteis Below the Belt, todos vuestros discos siempre suelen mejorar el anterior. Aquí en Power Trio todas las canciones funcionan muy bien y son 100% Danko Jones. ¿Ha habido buenas reacciones por parte de prensa y fans sobre los nuevos singles?

La verdad es que todas las opiniones han sido muy buenas, parece que está gustando y es algo que nos está ocurriendo en los últimos cuatro discos, incluyendo Power Trio. La cosa marcha muy bien y también considero que como grupo estamos mucho más compenetrados.

El primer sencillo “I Want Out” apunta a nuevo clásico y en el video un poco tratas ese sentimiento que todos hemos tenido durante las etapas de confinamiento. ¿Necesitabas escribir sobre este periodo de reclusión forzosa de alguna manera?

No necesitaba escribir específicamente sobre el confinamiento, pero empecé con la letra, y claro, suelo tratar siempre sobre temas que me rodean, lo que me sucede y lo que pasa a mi alrededor, y eso es con lo que nos ha tocado lidiar a todos. Era fácil que todo eso me influyera a la hora de escribir a pesar de no estar pensando específicamente en ello. De alguna manera afloró en las letras.

Es una gran canción para empezar el disco y tiene un video realmente divertido …

Creo que si es divertido es porque aparece allí un tipo tan carismático como Biffen Jansson. Es un buen amigo nuestro y ha sido roadie de un montón de bandas importantes por lo que es amado por toda la industria y la escena. El hecho de que haya participado es algo que lo hace todo mucho más gracioso.

John Calabrese “JC” empezó contigo desde el principio, pero habéis necesitado a siete bateristas hasta que apareció Rich Knox. Supongo que piensas que este “power trío” actual es la mejor formación que puedes encontrar. ¿Tienes ya el trío definitivo?

¡Absolutamente! Hay razones por las cuales “Richi” ha estado más tiempo en el grupo que todos los otros. Obviamente una es porque los tres nos llevamos muy bien. Pero más allá de llevarte bien, para funcionar como banda, tienes que ser suficientemente bueno y funcionar junto al resto del grupo. Las dos cosas son imprescindibles y esas son las dos razones por las cuales Richi lleva tanto tiempo con nosotros.

La primera canción de Danko Jones de la que me enamoré fue «First Date», creo que es todo un himno y hasta tiene un cierto aire a Ramones. Pero en realidad es puro Danko Jones, definías vuestro estilo en esos tiempos. También creo que es tu canción más popular. Así que… ¿Es posible tocar un concierto sin el “First Date” en el setlist?

Ostras, esta sí que es una buena pregunta… y la respuesta es NO. Siempre la hemos tocado. Creo que hay unas tres canciones que siempre tenemos que tocar, y el “First Date” es una de ellas, y el “I Had Enough” es otra. Los años pasan y vas añadiendo algunas canciones nuevas en tus conciertos, pero no vas a poder olvidarte de ellas ni mucho menos cambiarlas por material nuevo. Y lo que me hace estar absolutamente seguro de que tienen que estar siempre es Internet. En la red de redes puedes ver los números.

Por ejemplo: “First Date” es nuestro videoclip más visto, y la canción más escuchada de Danko Jones es el “I Had Enough”. Así que teniendo estos datos claros…  sacar de forma deliberada alguna de estas dos canciones no sería correcto… A ver, a mí me gustaría hacerlo, pero sabes que eso puede comportar que luego haya gente que después del concierto que se queje. Y en el fondo estamos allá para satisfacerles de la misma forma que quieres satisfacerte a ti mismo.

Tengo que decir que mi álbum favorito de Danko Jones es Below the Belt. ¿Ese disco cambió muchas cosas en tu carrera?

Desde una perspectiva general no, no creo que lo hiciera. Es más, ningún álbum ha cambiado las cosas, simplemente he ido notando un crecimiento gradual en popularidad, y si un disco no ha conseguido ser un éxito o funcionar como los demás, se ha mantenido la cosa, es decir, en ningún momento ha habido un bajón. Para nada se ha hundido el grupo. Si un disco gusta y es bien recibido por la gente, en ningún caso las cosas se disparan.

Tampoco llegaremos a ser la banda más escuchada ni nada por el estilo. El tema, más que nada, depende de si el álbum es bien recibido o no, pero ya tenemos claro que eso no va a cambiar las cosas. Si el disco funciona o no funciona, es algo que, para bien o para mal, ya no es determinante para Danko Jones. Nosotros vamos a apostar por el disco, le guste o no a la gente, pues sabemos que los niveles que hemos alcanzado no se van a ver afectados por ello.

Si el disco funciona: muy bien, no vamos a tener un gran pico de popularidad ni de ventas. Sabemos que de golpe y porrazo no pasaremos de estar tocando delante de mil personas a unas 10000 por noche en espacio de un mes. Eso nunca nos ha ocurrido. Pero, por otro lado, hemos tenido un par de discos que no funcionaron especialmente bien, y tampoco nos cambiaron mucho las cosas. Cuando ocurrió no pasamos de tocar delante de mil personas a 100 por noche.

Yo te diría que estamos instalados en una zona de seguridad… O más que zona de seguridad te hablaría de que probablemente tenemos un estatus respetable en el que la gente sabe lo que puede esperar de nosotros. Esta credibilidad nos ha ayudado a pesar de que nos obstaculiza al mismo tiempo.

Algo realmente loco fue el videoclip de “Full of Regret” con Lemmy Kilmister y Elijah Wood. ¿Cómo conseguiste estas celebridades como invitados en el video?

La principal razón es que la gente que dirigió el video son dos buenos amigos nuestros: Josh y Jason Diamond. Ellos son hermanos mellizos y les conocíamos de mucho tiempo atrás, ya que habían estado en una banda llamada Puny Human. Ellos estaban rodando una película justo en las grabaciones del disco, y nosotros contábamos con ellos para hacer ese videoclip. Y bueno, uno de sus mejores amigos era Elijah Wood al que ya le habían mostrado nuestra banda algunos años atrás, mucho antes de hacer el vídeo.

Así que le dijeron que por qué no se pasaba a participar en el videoclip y… ¡nos dijo que sí! Una vez ya tienes a Elijah, pues claro, era mucho más fácil conseguir a otra gente. Ese fue el caso de Selma Blair. Selma aparece porque el productor del video era amigo de ella y estaba muy interesada en trabajar con Elijah Wood, y mira… eso ocurrió. A Lemmy se lo pedimos porque le conocíamos mucho, también se lo pedimos a Mike Watt, y todos dijeron que sí. Todos conocían al grupo y somos buenos amigos.

Ayudó el hecho de decirles que Elijah Wood iba a participar en el videoclip. Recordemos que Jenna Molne inicialmente también estaba allí, también estaba previsto que Ralph Macchio se sumara al proyecto… En fin, el punto de inicio es Elijah. Pero también te digo que, si Elijah no hubiese estado, Lemmy hubiera participado igualmente.

¿Qué importancia tuvieron los Ramones como influencia para Danko Jones?

Los Ramones suponen una influencia enorme para mí. Ya sabes, especialmente cuando estás empezando a tocar la guitarra. Tú empiezas con el instrumento, y claro, no es necesario que suenes o que tengas el nivel de Yngwie Malmsteen o Eddie Van Halen a la hora de tocarla. El poder escribir canciones me permitió el tener cierta perspectiva a en cuanto a composición y de cómo quería sonar.

Algo que me encanta de tus conciertos es cuando levantas tu puño y brindas por nombres como los de Johnny Cash, The Ramones, Ronnie James Dio… Los héroes caídos. Lamentablemente hace pocas semanas fallecieron Joey Jordison y Dusty Hill. Parece que la muerte va a golpear a todos nuestros héroes en los próximos años… ¿Cómo ves el futuro del rock n ‘roll?

El hecho de que todos vayamos a morir algún día no debería ser visto como una revelación, o sorprendernos. Todos vamos a morir. La muerte forma parte de la vida. El tiempo avanza y puede que el rock n’ roll quede como la música de un determinado tiempo si no hay sucesores de esas grandes bandas. Puede ocurrir que le pase como en su día le pasó al jazz. En el jazz nunca hubo sucesores para los grandes nombres y maestros. No hubo un nuevo Duke Ellington, ni un John Coltrane, ni un Miles Davis o un Charlie Parker.

Quedó todo fijado en un segmento de tiempo, pero uno puede seguir siendo fan esa época porque te gusta el Jazz. Pero no se recogió el guante ni salió nadie capaz de continuar con ese legado ni de conseguir nuevas audiencias, y creo que el rock está en peligro de correr la misma suerte. Hay un elemento añadido a favor del rock y es el hecho de que pueda pasar al underground y prosperar allí.

Dentro del rock hay una red ya muy establecida, mucho más instalada que la tuvo el jazz en su día. Ese estilo no gozó de esa red capaz de sostener el estilo hasta 2021. Afortunadamente en el rock n’ roll sí está presente. Así que yo espero que, si al rock n’ roll le pasa algo parecido y no siguen apareciendo nombres como los de Kiss, ZZ Top, los Rolling Stones… pues al final de todo habrá grandes oportunidades dentro del underground.

El concierto más especial de Danko Jones al que he asistido fue en Barcelona en 2015 cuando el Athletic de Bilbao jugaba la final de la Copa del Rey contra el Barça. El concierto fue la noche anterior al partido. Lo mejor de todo es que, en ese mismo momento, estaba tocando AC/DC en la ciudad, muy cerca de donde estaba Danko Jones. ¿Recuerdas ese concierto?

Recuerdo que había mucha gente y que era un espacio al aire libre. Todo pasó muy rápido. Nos plantearon el tocar allí, pero lo supimos una o dos semanas antes, y de repente, estábamos en Barcelona. Felices de estar allí y esperando que algunos fans de AC/DC estuvieran entre la multitud y que la gente que no nos conociera se enganchara a nuestra música. Fue muy divertido, pero a la vez todo se hizo con muchas prisas. Volamos, tocamos y volamos otra vez de vuelta a casa.

El Athletic tiene a los leones como símbolo y Danko también. ¿Por qué el león es tu símbolo?

Porque el león es mi signo del zodíaco.

En España todo el mundo sabe que te encanta la horchata. Lo veía más como un truco simpático, pero veo que tu pasión por la horchata es real. Recuerdo tus fotografías en El Tío Ché después de tu show en Barcelona bebiendo horchata. ¿Cuándo experimentaste el sabor de la horchata?

JC fue quien me enseñó lo que era la horchata cuando estábamos en España y me encantó. Es una de mis bebidas favoritas, pero, por ejemplo, a mí no me gusta la cerveza.

Sé que has hecho algunos monólogos en festivales. Debo decir que es genial verte tocar en el escenario, pero también es realmente interesante escuchar tus historias y las cosas que cuentas. ¿Por qué empezaste con los monólogos?

Con los spoken words empecé en 2004. Fue una gira de una semana y de verdad que no me gustaba hacerlo. No sabía bien bien que estaba haciendo y la gente que venía tampoco sabía realmente lo que iba a ver. Tampoco sabían como comportarse. No sabían si enfocarlo como un concierto al uso o como si fuera un rollo unplugged, así que me dio muchos quebraderos de cabeza el cómo enfocarlo.

Luego, en 2011, la gente del Wacken me pidió que lo hiciera y les dije que sí. Estuve preparando ese show durante todo el año y en 2012 lo hice. Quizá lo tenía sobrepreparado… Allí sí que sabían exactamente lo que yo iba a hacer. La gente sabía perfectamente que no iba a ser un concierto, por lo que había una onda mucho más fácil para encararlo todo. Eso de salir a escena y hablar, sin nada realmente preparado, y tener que improvisar, es duro.

La primera vez que escuché a Danko Jones fue en 2002 en un álbum tributo a los Ramones llamado The Song Ramones the Same con la canción “The Return of Jackie and Judy”. ¿Por qué elegiste esa canción? Quiero decir… no es uno de los éxitos más evidentes de los Ramones. ¡Y todavía me encanta ese disco!

Cuando te dan la oportunidad de tocar las canciones más famosas uno siempre va a estar un poco en contra de tocar las más obvias. La original ya es muy buena, así que ese es el hit. Así que algo hay que hacer para que no suene igual. Lo mejor que que puedes hacer es hacer algo más profundo y hacerla un poco tuya. Eso es un poco lo que te toca hacer. Y a nosotros siempre nos había gustado esa canción. Ya te digo que es una de mis canciones favoritas de los Ramones.

¿Llegaste a ver en directo a los Ramones? Porque yo nunca tuve esa oportunidad.

Bien, eso es algo de lo que siempre me arrepentiré ya que tuve muchísimas oportunidades de verles, pero por muchas razones, nunca terminé viéndolos. En unas ocasiones fue por el tema económico, también en esos tiempos, yo era un chaval y mi pasión principal era el asistir a todos los shows de heavy metal que me fueran posibles (risas).

La canción “Black Rose” de Volbeat es una de las mejores canciones de los daneses y me parece el tema perfecto para una colaboración con Danko Jones. ¿Cómo fue eso de cantar junto con Volbeat todas las noches en esa gira?

Eso fue un sueño hecho realidad. Una auténtica pasada. Es de esa clase de giras que sueñas siempre para que se hagan realidad una vez en la vida. Es de esas en las que te encanta salir a la carretera. Principalmente porque no vas de cabeza de cartel. No lo eres, pero estás tocando en estadios y en grandes arenas. Obtienes la experiencia de tocar en grandes recintos, pero sin la presión de que cada noche tienes que dar lo mejor de ti y de no llegar a decepcionar a 10.000 personas o más.

Así que te sacas la presión de encima. Otra ventaja es que tocas muy temprano y que ya a las 9 de la noche ya puedes estar relajado pues el trabajo ya está hecho. Piensa que en el mundillo del que formamos parte normalmente uno termina completamente y descansa a la una o a las dos de la madrugada. Así que quedar libre a las 9 de la noche es un absoluto lujo. Puedes andar por allí tranquilamente, ver a los Volbeat tocar, ir a comer a un buen restaurante…

De verdad que fue un lujo estar en esa gira. Luego, me tocaba volver al backstage, salir al escenario y cantar para su audiencia, que estaban totalmente receptivos. Fue una maravilla esa gira, muy divertida, te lo digo de verdad. Y la relación con las bandas, la gente de la crew y todo aquel que estuvo involucrado fue muy buena, eran todos encantadores. Nos trataron de maravilla. Era casi como estar de vacaciones.

Duff McKagan de Guns N’ Roses te escribió el prólogo de tu primer libro. Supongo que os conocisteis en la gira con su banda Loaded. ¿Fue Duff una gran influencia para ti? 

Con Duff ya nos habíamos conocido antes de esa gira. Juraría que coincidimos en Brasil o en España, pero lo que sí estoy seguro es que cuando nos llevamos mejor fue en Brasil. Luego en 2013 ya fuimos juntos de gira, primero con Loaded y unos meses después con The Walking Papers. Y bueno, girar con Duff es siempre excelente. Es un tío genial y muy auténtico. Yo creo que todo eso le viene porque posee ese background en el punk rock.

Ese es un estilo que te da siempre mucha autenticidad. Él siempre trata a todo el mundo con sumo respeto, además, que es un tipo muy cercano, algo que no suele suceder cuando uno está a un nivel de estrella del rock. De todas las estrellas a su altura es el más agradable que he conocido. De verdad que es genial pasar un tiempo hablando con él.

¿Y del libro qué me puedes contar?

Bueno, del libro Duff escribió el prólogo y se trata de una colección de ensayos. Salió bajo el editorial Feral House Books, y esa editorial es importante para mí puesto que llevo leyendo sus libros desde que era un niño. Se centraron en un tipo de literatura marginal y diferente, incluso ocultista.

También editan libros de música o de esos que no gustan a Hollywood que salgan a la luz. Por lo general es un material raro y bizarro. En fin: es justo el editorial en el que yo quería estar. Que Feral House publiquen tu libro es algo impresionante. Yo les leía cuando estaba en primaria así que es como si con tu banda fichas por tu sello favorito.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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