Sala Razzmatazz 2 Barcelona

24 de febrero de 2026

Redacción y fotografías por Markceröck

El frío húmedo del Mediterráneo se me colaba por las costuras de la campera de cuero, pero, al doblar la esquina en Poblenou, el aire cambió de densidad. Frente a la Razzmatazz 2, el ambiente ya no era catalán: era una embajada de asfalto porteño. Había ese olor inconfundible a birra, a pucho (tabaco argentino) y a una ansiedad eléctrica que solo el rocanrol de pura cepa sabe generar. No era simplemente una fila para entrar; era una vigilia, una antesala cargada de historia compartida y de nostalgia comprimida en cada abrazo.

Reencontrarme con la banda de amigos trasandinos en la puerta fue el primer acorde real de la noche. Entre abrazos fuertes y esas anécdotas de supervivencia migrante en Europa —donde cada uno cuenta cómo se las rebusca para seguir siendo uno mismo a miles de kilómetros— quedó claro que no veníamos solo a un concierto. Veníamos a buscar el cordón umbilical, ese refugio emocional donde la música es el único conductor que no miente. Donde no hay pasaporte ni extranjería, solo identidad.

El concepto “Juanse x Pappo” no es un tributo de compromiso: es una misión mística, un pacto de sangre que el líder de los Ratones Paranoicos mantiene para que el legado de Norberto “Carpo” Napolitano no se convierta en una pieza de museo, sino en un organismo vivo que te patea el pecho y te sacude la memoria.

Al entrar a la Razz 2, con ese aforo reducido que te permite estar a un par de metros de los equipos, sentí que cruzaba un umbral temporal. La puesta en escena era austera, sin pantallas gigantes ni distracciones: solo una hilera de amplificadores valvulares esperando ser castigados. Era un templo de los setenta transportado al 2026, un altar donde el volumen es ley y la distorsión, dogma.

De repente, las luces se apagaron y el rugido de la gente tapó el zumbido de los Marshall. Juanse saltó a escena con esa arrogancia elegante que solo él sabe portar, rodeado de una “banda deluxe” que entiende que el blues local no se toca con la partitura, sino con las tripas. El show arrancó con la declaración de guerra de “Blues local”. Desde ese primer riff, fue como si alguien le hubiera dado al play a un viejo walkman de los noventa que guardé en un cajón hace décadas. El sonido era grueso, sucio y auténtico. No había filtros ni correcciones: había madera, válvulas y piel.

Enseguida nos ametralló con la columna vertebral de Pappo’s Blues. “El hombre suburbano” sonó con una cadencia pesada, casi religiosa, seguida por “Malas compañías”, donde Juanse empezó a soltar los dedos, demostrando que no busca imitar al Carpo, sino canalizar su espíritu. No copia; invoca. Pero el primer gran incendio ocurrió con “Sucio y desprolijo”. Las guitarras tomaron el control absoluto del recinto; los solos se extendieron en improvisaciones que respetaban la arquitectura original, pero le añadían esa mugre “stone” que Juanse lleva en el ADN. Fue una versión demoledora, de esas que te dejan los oídos pitando y el corazón acelerado.

Casi sin dejarnos respirar, pasamos por la densidad alcohólica de “Tomé demasiado” y la urgencia existencial de “Adónde está la libertad”, canciones que la multitud coreaba como si fueran mantras de resistencia. No era karaoke: era catarsis colectiva.

A mitad del set, Juanse demostró que sabe manejar los tiempos de la misa. Si lo de la Les Paul en el Cosquín fue épico este año, lo de la Razzmatazz en Barcelona fue una procesión pagana mucho más cruda y directa. El clímax absoluto, ese que nos dejó a todos sin aliento, cuando Juanse decidió que el escenario ya no era suficiente y, soltando la guitarra para aferrarse solo al micrófono, saltó la valla para meterse de lleno en el ojo del huracán.

Rodeado por nosotros, bajo las luces rojas y en el corazón mismo del pogo, se puso a cantar como un poseído mientras abrazaba a una fan emocionada en una comunión total. Fue ahí donde se produjo la secuencia más increíble de la noche: Juanse, fundido en ese abrazo, recorrió media pista entre la multitud, dejándose llevar por la marea humana en un viaje de vuelta hacia las tablas que pareció eterno. Esa imagen, con él escoltado por el sudor y el rugido de los pibes mientras el espíritu del Carpo hacía vibrar hasta el cemento, terminó siendo la mejor foto del concierto: una postal inmortal de cuando el rocanrol deja de ser un show para convertirse en pura libertad.

Con “El tren de las 16” y la melancolía profunda de “Desconfío”, la sala se transformó en un club de blues de Chicago perdido en alguna calle empedrada de Buenos Aires. La armónica y el piano crearon una atmósfera de humo y confesión que nos puso la piel de gallina a todos. Pero la calma duró poco. Con “Fiesta cervezal”, la Razzmatazz se convirtió en un pogo descontrolado. Juanse, con sus movimientos eléctricos y esa mirada fija, nos recordaba que el rock and roll es, ante todo, una cuestión de actitud. “Rock and roll y fiebre” cerró el bloque dedicado al Carpo con una potencia que nos dejó a todos pidiendo más.

Fue entonces cuando el show mutó en un segundo acto musical a su banda madre. Juanse se despojó de la camisa, quedando solo con el chaleco de cuero —su uniforme de batalla—, y la banda disparó el riff sensual y arrastrado de “Rock del Gato”. La energía cambió de color: pasamos de la densidad del blues a la electricidad bailable de los Ratones Paranoicos. Con “Cowboy”, el bajo marcaba un pulso de cabalgata que nos hacía saltar sin descanso y, cuando sonó “Sigue girando”, la comunión fue total. Ver a cientos de argentinos en Barcelona explotar en un coro unísono, saltando como si estuviéramos en Obras o en el Luna Park, fue uno de esos momentos en los que la distancia desaparece por completo y el mapa se vuelve irrelevante.

Tras un breve respiro, volvieron para un encore que fue una auténtica ceremonia pagana. La mística psicodélica de “La nave” nos elevó a un trance espacial, con esas texturas de guitarra que parecen flotar en el aire, antes de devolvernos al barro con la crudeza callejera de “Rock del pedazo”. La secuencia siguió con la infaltable “Ceremonia en el hall” y la elegancia melódica de “Estrella”, que brilló con luz propia en medio de la oscuridad de la sala.

Pero el clímax final, el momento en que la ausencia física de Pappo se volvió una presencia sonora tangible y abrumadora, fue con “Ruta 66”. Las guitarras rugieron al máximo de su capacidad, celebrando la libertad de la carretera en un vendaval de decibelios que hacía vibrar hasta el cemento del piso. Juanse canalizó toda la rabia y el amor por su amigo en ese cierre salvaje, como si cada acorde fuera una conversación pendiente.

El epílogo fue “Para siempre”, el abrazo final para una colonia argentina que no quería irse. Entre un mar de estandartes de Argentina, de Boca Juniors, camisetas de la selección, chicas a hombros de sus novios y un pogo que era puro sentimiento, cantamos cada palabra como una promesa de fidelidad. “Quisiera que esto durara para siempre”, decíamos y, en ese momento, lo era.

Salí a la calle todavía sordo, con el sudor secándose con el frío de Barcelona, pero con el alma encendida con la hermandad musical como bandera. Juanse nos recordó que, mientras él siga empuñando la guitarra con esa convicción, el blues local no tiene fecha de vencimiento. Fue una experiencia visceral, ruidosa y necesaria: un pedazo de nuestra historia del rock sudamericano latiendo con fuerza en el corazón de Europa.

Markceröck

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Sala Razzmatazz 2, Barcelona

1 de noviembre de 2025

Redacción: Marc Fernández

Fotos: Ruth Gómez

Organiza: El Altar del Holocausto

El Altar del Holocausto vino a Barcelona con una fórmula que, si bien es poco común en el actual circuito de conciertos, parecía destinada al éxito.  Sin teloneros, el sábado después de Halloween y obsequiando los doloridos bolsillos catalanes con precios populares, los astros parecían alinearse sobre Razzmatazz para brindar un concierto muy especial.

Me decepcionó un poco ver que la sala había cerrado parte de su espacio para paliar una afluencia algo floja, y es que es un concierto que sin duda habría funcionado mucho mejor en una Upload o en un Bóveda (¡quiera Dios que regrese pronto!). Por lo demás el público era sorprendentemente joven y variopinto, de la clase que mantiene a flote a las bandas nacionales y a la música en vivo.

Hacer una crónica de un concierto de un grupo como Altar del Holocausto es todo un desafío, más parecido a relatar una experiencia que no limitarse a dictar títulos de canciones en orden. La banda salió al ritmo de “Because Evident” (me niego a escribir el título entero), apareciendo en escena más entusiasmados que un nazareno que ha visto llorar a una figurita de la Virgen, desatando sobre Barcelona una actuación que fue como un oleaje sonoro que te atrapaba y ya no te soltaba.

El grupo eleva su atmosférica propuesta con un juego de luces resultón, y pese a lo complicado de interactuar con el público cuándo tu propuesta es instrumental, el respetable estaba lo suficientemente entregado como para unirse con aplausos o gritos a algunas de las secciones más rítmicas de las canciones, como pudo verde en “Act 2 – Resvurrectionem” y “Amen”.

La euforia estalló con las primeras notas de “Lucas I, 26, 38”, que puso al público a cantar y a saltar como si se tratara de un concierto de los mismísimos Iron Maiden. Por lo demás, el concierto fue algo así como la solemne procesión de un tranvía metafísico.  La ejecución gozaba de una precisión que no menoscababa su atmósfera atrapante, en el que cada nota y cada golpe estaba al servicio de mantener el embrujo que desgranaban cuidadosamente sobre el escenario, apreciándose especialmente en cortes como “De Euforia”.

Un fenómeno que se dio en la pista y que ya había visto con anterioridad en otros conciertos instrumentales, es que de tanto en tanto el público chistaba a los espectadores más charlatanes, como si con su cháchara pusieran en riesgo la atmósfera del espectáculo. Aunque por un lado considero que comentar aspectos del espectáculo es inherente a la experiencia de ir a un concierto, porqué al fin y al cabo no es el cine o el teatro, puedo llegar a entender que escuchar al melenas de al lado decir lo mucho que el Altar del Holocausto se parece al Ku Kux Klan seis veces seguidas puede llegar a ser cansino.

Como si todo lo que he escrito con anterioridad fuera una vil falacia, la banda sorprendió a los que los veíamos por primera vez al invocar un devastador wall of death para encarar “El Que Es.Bueno”, que abrió la sala como un proverbial Mar Rojo, como si por unos instantes nos hubiéramos visto transportados a un concierto de Slayer o Kreator.

Lo que permite que el concierto sea atrapante es que el grupo no cae en lo que me gusta llamar el síndrome del museo de cera, en el que los integrantes, cohibidos por la naturaleza de su música, son meros pasmarotes que se limitan a tocar sus instrumentos.  Por lo contrario, se nota que El Altar del Holocausto se lo pasan pipa sonríen en el escenario, moviéndose sin parar y gastándose bromas entre ellos, espoleando en el proceso a un público que de lo contrario quizás los contemplaría congelados.

La recta final del concierto llegó con “Love Your Enemies” y “Act 1 – Crvcis”, allanando el camino para un final por todo lo alto. El show fue como una bestia gigantesca, a veces gentil y otras furiosa, como un río que discurrió sin pausa, pero sin prisa, sobre el público. Como un solo tema inmenso, quizás más como una película sonora que no como un concierto tradicional.

Puede que esta gira se llame “Amen Sin Acento”, pero lo que al Altar del Holocausto le falta en tildes le sobra en ejecución y en saber hacer sobre el escenario. Son sin duda uno de los mayores orgullos del metal patrio, y sobre las tablas desgranan una propuesta que a cualquiera que le guste la música debería darle una oportunidad.

Marc Fernández Cardellach

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11 de Octubre de 2025 – Sala Razzmatazz 2

Bring the noise

Redacción por Oriol Torras.
Fotografías por Irene Kilmister.

Jo Quail – Explorando los límites del cello

El evento comenzó con un ligero retraso, pero con la sala casi llena. En el escenario estaba todo preparado para God is an Astronaut, aunque un pequeño soporte ubicado en el centro indicaba el lugar donde se colocaría el cello de Jo Quail, la artista inglesa que en los últimos años ha colaborado activamente con la banda, tanto en álbumes como en sus giras.

Jo Quail apareció por primera vez en un escenario de Barcelona con su cello eléctrico, un instrumento de forma muy peculiar, casi como una escultura de arte moderno. Abrió su concierto con la pieza “Butterfly Dance”, de su último disco, que, con la ayuda de loops, fue tejiendo capas de sonido y melodía, añadiendo distorsión hasta llegar a parecer que tocaba una guitarra eléctrica.

A continuación, nos deleitó con “Embrace”, inspirada —según explicó— en la idea de que todos estamos conectados por una tela de araña invisible. En esta ocasión, los loops fueron ganando cuerpo hasta llenar por completo la sala, creando una atmósfera envolvente que transportaba a mundos distantes. La intensidad de la pieza hizo vibrar al público, que respondió con un largo aplauso. Sorprendida, la artista nos pidió entre risas que la acompañáramos durante el resto del tour.

El concierto terminó con “Forge”, en la que empleó varios loops a distintos intervalos, utilizando el cello como batería, guitarra y buscando todos los sonidos que el instrumento le podía ofrecer. Destacó el final espectacular del tema, con un juego de luces y movimientos casi de guitar hero. Fueron apenas quince o veinte minutos de actuación, pero de una gran intensidad, que sirvieron como preludio perfecto de lo que la noche aún tenía preparado.

God is an Astronaut desata un universo de sonidos, texturas y emociones

La concentración en el ambiente era palpable. Instantes antes del inicio, Torsten Kinsella afinaba meticulosamente los niveles de sus tres pedaleras y de sus guitarras. Una vez situados en sus posiciones, los músicos iniciaron un lento y delicado viaje con “Falling Leaves”, tema de su último álbum, Embers. El recientemente incorporado Anxo Silveira tomó un tambor de mar, mientras el bajista Niels Kinsella utilizaba un arco para generar sonidos sintéticos con un equipo electrónico que recordaba a un theremin. La banda fue incrementando la intensidad del tema hasta un final contundente y heavy, acompañado por un juego de luces casi estroboscópico.

El concierto continuó con “Epitaph”, en la que un sinuoso solo de guitarra se entrelazaba con la percusión suave de Silveira, que utilizó escobillas para aportar mayor sensibilidad. En este tema, Torsten Kinsella añadió su voz dulce y aguda, dando una atmósfera distinta al sonido del grupo.

En conmemoración del vigésimo aniversario del álbum All Is Violent, All Is Bright, la banda interpretó el tema homónimo, con un inicio lánguido y melancólico que fue ganando energía hasta estallar en un final apoteósico.

Volvieron a Embers con “Apparition”, una pieza de tempo pausado en la que los slides de la guitarra de Torsten Kinsella evocaban la sensación de emerger de un sueño. En uno de los momentos más intensos del concierto, los hermanos Kinsella cedieron el protagonismo a Anxo Silveira, que con golpes potentes y precisos hizo vibrar la sala.

Con “Seance Room”, la banda bajó las revoluciones y se adentró en terrenos más ambientales. Torsten utilizó la técnica de loops para envolver el tema en capas y matices, construyendo una composición que, pese a su diversidad estilística, se mantenía unida por una melodía coherente y envolvente. El delicado inicio de “Odyssey” erizó la piel del público antes de liberar toda su energía en una descarga rítmica irresistible.

La noche continuó con “Suicide by Star” y “Frozen Twilight”, en las que Torsten volvió a usar la voz con notas sostenidas y reverb, otorgando un tono etéreo a las melodías que el trío ejecutó con precisión y concentración.

Jo Quail se unió a la banda para un final intenso y bello

A medida que se acercaba el final del concierto, la banda invitó a Jo Quail a unirse para interpretar “Fragile”, tema que Torsten explicó que era el favorito de su padre, fallecido hace diez años, dotando al momento de una carga emocional especial. La cellista permaneció en el escenario hasta el cierre del show, colaborando en “Oscillation” y “Embers”, ambas de su último álbum de estudio. En estas piezas, los músicos se alternaron el protagonismo, pero siempre manteniendo un sonido compacto y expansivo que llenó todo el espacio.

La banda irlandesa se despidió con “From Dust to the Beyond”, dedicada a Lloyd Hanney, el baterista que los acompañó durante más de veinte años. Un cierre emotivo para una noche que fue una auténtica montaña rusa de emociones, donde God is an Astronaut pintaron con su sonido un delicioso lienzo que quedará grabado en la memoria de todos los presentes.

Irene Kilmister

Mi nombre es Irene, y todo el mundo me conoce por mi apellido Kilmister adquirido por el que ha sido y será mi mayor ídolo en esta vida. Lo cierto es que yo empecé en esto de la fotografía sin pensarlo mucho. Era la típica amiga de la cámara, pero de que me quise dar cuenta me propusieron entrar a colaborar en un medio profesional en 2017 y desde ahí he pasado de ser esa amiga de la cámara a evolucionar y coinvertirme en lo que conocéis ahora.

Apasionada de la música en todos sus géneros y amante de la lectura y los conciertos, aunque mi verdadera profesión no tenga nada que ver con todo esto.

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La maquinaria alemana del metalcore melódico Annisokay vuelve a rugir por Europa con la segunda parte de su ambiciosa gira “Abyss Pt. II Europe Tour 2025”, una celebración de casi dos décadas de evolución sonora, intensidad emocional y riffs que cortan como bisturíes.

En la primera parte del tour (y festivales) giraron junto Within Temptation en un pack de gira irresistible, del que nuestro Jordi Tàrrega dio buena cuenta. Es el momento perfecto para que Annisokay se lancen como cabeza de cartel en una travesía que incluye más de 30 fechas por el continente… ¡Ojo, empieza a haber sold-outs!

España: doble descarga en octubre

Estamos de enhorabuena: Annisokay aterrizarán en nuestro país con dos fechas explosivas dentro del circuito Route Resurrection:

• 23 de octubre – Razzmatazz 2, Barcelona
• 24 de octubre – Sala Changó, Madrid

Les acompañarán Heart Of A Coward y The Narrator, completando un cartel que promete dejarnos secuelas físicas durante semanas.

La gira servirá como escaparate para el nuevo EP Abyss Pt. II, continuación directa del celebrado Abyss Pt. I (2023). El trabajo incluye cortes como “Inner Sanctum”, “Never Enough” y el más reciente “My Effigy”, cuyo videoclip fue publicado a finales de agosto. En él, la banda muestra su faceta más introspectiva y cinematográfica, con una producción pulida y atmósferas densas que refuerzan su evolución estilística.

Dr. Reifstein

“Dr. Stein grows funny creatures, while Dr. Reifstein dissects albums, analyzes concerts, and synthesizes interviews.”
Aunque trabajo en ciencia (sí, lo de Dr. no es un guiño casual), hace tiempo que dejé la química y cambié los elementos de mis matraces: [Fe] por Iron Maiden, [Ne] por Neon Knights… y así.
Coruñés de adopción y habitual en Madrid, también he vivido en Cataluña, Reino Unido y California. Como suelo decir: del Whisky a Go Go a la Sala Canciller (D.E.P).
Helloween y Angra son mi laboratorio sonoro, pero mi vocación científica me empuja a explorar todos los estilos. La ciencia explica el mundo; el metal le da sentido a mi existencia: brújula, refugio y combustible.
Ejerzo en Stairway to Rock desde su nacimiento… ¡bienvenidos al laboratorio del metal!

stairwaytorock.com/

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Este septiembre, el alma de Rhapsody vuelve a conquistar España llevando su nuevo proyecto a Barcelona, Valencia, Sevilla, Madrid, Burgos y Bilbao con Dawn Of Victory, una formación que no busca mirar al futuro, sino encender el pasado con toda su fuerza, con una celebración del repertorio clásico de Rhapsody, interpretado por algunos de los músicos que lo hicieron eterno.

La gira nacional, organizada por Z! Live On Tour, recorrerá seis ciudades en seis noches consecutivas:

• 23/09 – Barcelona | Razzmatazz 2
• 24/09 – Valencia | 16 Toneladas
• 25/09 – Sevilla | Sala X
• 26/09 – Madrid | Revi Live
• 27/09 – Burgos | Andén 56
• 28/09 – Bilbao | D8 Sorkuntza Faktoria

Entradas disponibles en www.ticketgate.es
Precio: 33 € anticipada / 38 € en taquilla (gastos incluidos)

La formación: viejos conocidos, nueva cruzada

En esta gira, Lione se reencuentra sobre el escenario con tres de sus antiguos compañeros de batalla con los que lleva compartiendo escenario desde los años dorados de la banda:

• Alex Holzwarth, baterista preciso y poderoso que formó parte de Rhapsody of Fire durante más de 15 años.
• Patrice Guers, bajista versátil y técnico, admirado por su dominio del tapping y el slapping.
• Dominique Leurquin, guitarrista de confianza en las giras más memorables de la banda

El cuarteto suma al joven guitarrista Justin Hombach, aportando energía renovada y virtuosismo a una formación irrepetible.

El repertorio es una descarga directa de nostalgia épica: «Emerald Sword», «Dawn Of Victory», «Holy Thunderforce», «Lamento Eroico», «Symphony of Enchanted Lands», «Unholy Warcry»… y más himnos que marcaron una era.

Fabio Lione’s Dawn of Victory no es solo una gira, es el regreso de una voz que marcó a toda una generación de fans. Es una invitación a revivir himnos eternos. A sentir de nuevo la épica en su forma más pura.

Teloneros: Alterium, el poder melódico tiene nueva voz

La apertura de cada noche corre a cargo de Alterium, banda italiana liderada por Nicoletta Rosellini (ex-Kalidia), que presenta su álbum debut Of War and Flames. Con riffs potentes, coros majestuosos y una presencia escénica arrolladora, Alterium marcarán el inicio de una gran noche.

Dr. Reifstein

“Dr. Stein grows funny creatures, while Dr. Reifstein dissects albums, analyzes concerts, and synthesizes interviews.”
Aunque trabajo en ciencia (sí, lo de Dr. no es un guiño casual), hace tiempo que dejé la química y cambié los elementos de mis matraces: [Fe] por Iron Maiden, [Ne] por Neon Knights… y así.
Coruñés de adopción y habitual en Madrid, también he vivido en Cataluña, Reino Unido y California. Como suelo decir: del Whisky a Go Go a la Sala Canciller (D.E.P).
Helloween y Angra son mi laboratorio sonoro, pero mi vocación científica me empuja a explorar todos los estilos. La ciencia explica el mundo; el metal le da sentido a mi existencia: brújula, refugio y combustible.
Ejerzo en Stairway to Rock desde su nacimiento… ¡bienvenidos al laboratorio del metal!

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Con su inigualable energía, sus riffs pegadizos y ese toque tan característico de irreverencia, EODM dejará su huella en nuestros escenarios con dos conciertos únicos en los que convertirán Razzmatazz 2 y Mon Live en el epicentro de la fiesta.

Es una banda marcada por la tragedia de Le Bataclan, pero que ha sido capaz de sobrellevar los golpes de la vida y de demostrar que su propuesta sigue siendo especialmente atractiva con su rock desenfadado y que gana especialmente en las pequeñas salas.

Les he podido ver un par de veces e incluso de toparme con Jesse Hughes en las escaleras que dan acceso al Razz 2. Jesse es un personaje total que vive el rock n’ roll a su manera, y andaba él escuchando la banda sonora de “The Rocky Horror Picture Show” con un radiocasete gigante pegado a la oreja. Es un rockstar de manual.

No tengo una evidencia directa, pero el nombre de Eagles of Death Metal se rumorea que surgió cuando alguien le dijo al líder de Vader: “Tío, sois los Eagles del death metal”. No sé a vosotros, pero a mí sí me cuadraría… Allí estaremos.

24 de junio de 2025 Razzmatazz 2, Barcelona

27 de junio de 2025 Mon Live, Madrid

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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7 de mayo de 2025

Razzmatazz 2 (Barcelona)

Organiza: Neverland Concerts

Texto: Markceröck

Fotos: Markceröck

La noche del 7 de mayo de 2025 se erige Barcelona como un santuario para los devotos del rock progresivo, un crisol de expectativas donde la leyenda británica Arena desembarca en el corazón del arena Razzmatazz. El motivo de esta peregrinación sonora es trascendental: la conmemoración de tres décadas de una trayectoria musical que ha esculpido paisajes sonoros intrincados y ha resonado en las almas de quienes buscan más allá de las estructuras convencionales del rock. Una palpable anticipación flota en el aire, aunque una sutil sombra de resignación se cierne sobre la sala 2, consciente de una concurrencia que, aunque entusiasta, no alcanza la magnitud deseada.

La alineación que Arena presenta para celebrar este hito es un verdadero Olimpo del prog, una constelación de talentos cuyas luces individuales ya brillan con fuerza propia. Mick Pointer, el pulso original de la icónica Marillion, se erige como el capitán de esta nave sonora. A su lado, Clive Nolan, un alquimista de las texturas y las atmósferas, cuyos dedos han danzado sobre los teclados de formaciones seminales como Pendragon y Shadowland, promete expandir los límites de la imaginación auditiva.

La genialidad de John Mitchell, un arquitecto de melodías complejas y solos que definen una era (el alma de Lonely Robot y figura clave en It Bites y Frost*), se entrelaza con la solidez rítmica de Kylan Amos al bajo, creando una base firme para las exploraciones sónicas. Y en el frente del escenario, la voz poderosa y camaleónica de Damian Wilson(un trotamundos vocal en proyectos de la talla de Ayreon y Threshold) se erige como el narrador de estas épicas musicales. La promesa de una inmersión profunda en el neo-prog de más alto calibre se siente en cada rincón del recinto.

Sin embargo, el calendario barcelonés de esta noche presenta una encrucijada para los amantes de la música elaborada. La coincidencia de este concierto aniversario con lo que se anuncia como la despedida escénica de los legendarios Jethro Tull en la majestuosidad del Palau de la Música genera una división en la grey progresiva. Muchos se ven ante la difícil elección de sacrificar una experiencia única en favor de otra, una decisión que inevitablemente merma la asistencia en ambos eventos (cubrimos ambos).

Es una sombra que se proyecta sobre el encomiable esfuerzo de Neverland Concerts, promotores que con pasión y dedicación se empeñan en traer a la Ciudad Condal el arte intrincado y apasionado de bandas como Arena, un género que, si bien no siempre convoca multitudes masivas, siempre conquista la fidelidad de sus seguidores con la profundidad y la calidad de su propuesta.

A pesar de este telón de fondo agridulce, la profesionalidad y la pasión que emanan de Arena son un faro que ilumina la sala desde el momento en que los primeros acordes flotan en el aire. La proverbial puntualidad británica, casi un ritual para sus seguidores, permite que el público se congregue frente al escenario con la calma suficiente para anticipar la tormenta sonora que se avecina.

Esta espera se convierte en un regalo inesperado, un preludio íntimo que rompe la distancia entre el artista y el espectador: el encuentro directo con Damian Wilson. El vocalista, con una calidez genuina y una sonrisa contagiosa, se sumerge entre la multitud, saludando, charlando y posando para fotografías, tejiendo lazos de cercanía que trascienden la mera admiración. Su carisma magnético siembra la semilla de una conexión que florecerá con cada nota y cada verso.

Cuando las luces del Razzmatazz se atenúan, sumiendo la sala en una penumbra expectante, y los músicos de Arenatoman sus posiciones con una sincronía que denota años de complicidad musical, el recinto se transforma en un portal hacia un universo sonoro complejo y evocador. Mick Pointer, la columna vertebral rítmica de la banda, marca el pulso ancestral sobre sus tambores, guiando el viaje a través de paisajes sonoros intrincados.

A su lado, Clive Nolan, el mago de las texturas y las atmósferas, despliega su arsenal de teclados, prometiendo pintar sinfonías de otro mundo. La guitarra de John Mitchell, un narrador de historias a través de sus cuerdas, se convierte en el hilo conductor de melodías intrincadas y solos que desafían la gravedad, mientras la solidez discreta pero fundamental de Kylan Amos al bajo ancla las exploraciones armónicas. Y elevándose sobre este entramado sonoro, la voz poderosa y camaleónica de Damian Wilson se erige como el guía lírico, transportando al público a través de relatos épicos y emociones profundas.

El concierto se abre con la majestuosa «Valley of the Kings», la pieza inaugural del influyente álbum «Songs From the Lion’s Cage» (1995). Esta elección no es fortuita, sino un deliberado guiño al pasado, un punto de partida para un viaje nostálgico a través de las tres décadas de evolución sonora de Arena. La canción, que en sus orígenes resonaba con la intensidad melódica de los primeros Marillion liderados por Fish, se revitaliza con la impronta vocal única y la presencia escénica magnética de Wilson, mientras los primeros destellos de la maestría de Mitchell en las seis cuerdas presagian la tormenta de virtuosismo que se desatará a lo largo de la noche.

A medida que las horas se deslizan y el concierto avanza, la sinergia palpable entre los miembros de Arena se intensifica, tejiendo una red invisible de comunicación musical. La habitual seriedad que a menudo irradia John Mitchell se disipa en la efervescencia de sus solos, donde cada nota parece esculpida con una precisión milimétrica y una pasión desbordante. Clive Nolan, el cerebro conceptual y sonoro de la banda, ejerce con gracia de maestro de ceremonias, hilvanando anécdotas sobre la rica historia de Arena con un humor británico sutil e inteligente, presentando a sus compañeros con afecto y dedicando palabras especialmente cálidas a la energía renovadora que Damian Wilson ha inyectado al proyecto.

El setlist se revela como un tapiz sonoro cuidadosamente tejido, donde los clásicos atemporales, aquellos que han marcado la trayectoria de la banda y han resonado en los corazones de sus seguidores durante años, se entrelazan con las joyas más recientes de su discografía, mostrando la continua evolución y la vitalidad creativa de Arena. La monumental «Moviedrome», con sus veinte minutos de épica progresiva, se despliega con una paciencia y una intensidad que parecen desafiar las limitaciones del tiempo, sumergiendo al público en un viaje cinematográfico a través del sonido. Los temas extraídos de su último trabajo, «Time Capsule» y «The Equation (The Science of Magic)», demuestran la vigencia y la frescura del sonido Arena en el presente, con la inconfundible impronta vocal de Wilson aportando una nueva dimensión a la banda.

Es precisamente durante la interpretación de «The Equation» cuando se produce uno de los momentos más memorables y, a la vez, inesperados de la noche: en un arrebato de energía y conexión visceral con el público, Wilson insta a la audiencia a crear un wall of death en el corazón del Razzmatazz, un gesto de comunión rockera que culmina en un silencio abrupto provocado por un desafortunado fallo técnico en el micrófono. Lejos de desmoronarse ante la adversidad, Wilson demuestra su profesionalidad y su carisma inquebrantable, convirtiendo este contratiempo en una anécdota entrañable que subraya su conexión genuina con el público.

La magia instrumental regresa con la delicadeza conmovedora de «Serenity», una pieza que se funde a la perfección con la intensidad emocional de «(Don’t Forget to) Breathe», exhibiendo la química musical y la sensibilidad interpretativa que definen el sonido de Arena. La implacable tiranía del reloj obliga a sacrificar «What If?», un tema que sí había resonado la noche anterior en Madrid, pero la banda compensa esta ausencia con un tramo final apoteósico que incluye la muy solicitada «Solomon» y el himno colectivo «Crying for Help VII», coreado con fervor y pasión por un público completamente entregado a la causa del buen rock progresivo.

Al apagarse las luces del Razzmatazz, la sensación que perdura en el ambiente es agridulce: la euforia palpable de haber presenciado una exhibición musical impecable y conmovedora se mezcla con la melancolía de que la noche haya llegado a su inevitable conclusión. La inmediata salida de los músicos al encuentro de sus seguidores, compartiendo un último instante de conexión antes del cierre forzoso del recinto, sella una relación profunda y sincera entre la banda y su público.

En esta noche mágica en Barcelona, Arena no solo ha celebrado tres décadas de música; ha reafirmado su estatus como una fuerza vital e ineludible en el universo del rock progresivo, dejando en el corazón del Razzmatazz una huella imborrable de pasión, virtuosismo y una conexión humana que trasciende las notas musicales. La ferviente esperanza de un pronto reencuentro ya palpita con fuerza en el corazón de la afición barcelonesa.

Fotos extraídas del Facebook Oficial de Arena

Markceröck

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27 abril 2025

Razzmatazz 2 – Barcelona

Fotos y texto: Markceröck

Barcelona fue testigo de una velada que se convirtió en un viaje emocional a través del metal finlandés en sus múltiples formas. Desde la energía arrolladora y la técnica implacable de Stam1na, pasando por la melancolía poderosa y la oscuridad melódica de Before the Dawn, hasta la introspección devastadora de Swallow the Sun, cada banda ofreció una experiencia única que capturó el alma del público.

En un mismo escenario se reunieron tres formas distintas de canalizar la intensidad: la furia técnica, la melancolía combativa y la belleza sombría. Lo que compartieron fue una entrega absoluta y una conexión emocional profunda con los asistentes, que se dejaron arrastrar por la energía, la tristeza y la catarsis colectiva de una noche inolvidable.

Stam1na abre fuego

Stam1na comienza sus conciertos con una explosión de energía e intensidad, y así es como probablemente suenan estos temas en directo: «Valtiaan uudet vaateet» arranca el show de forma impactante, golpeando al público con una combinación de virtuosismo técnico y furia directa. Con su posible mensaje crítico y su sonido contundente, mantendría la energía alta en el concierto.

«Vereen piirretty viiva», un tema intenso, con un ritmo rápido y agresivo que generó una gran reacción del público en vivo, con mosh pits y mucha energía. La banda destaca la precisión de su ejecución y la potencia de su sonido, con Pexi destacando con solos de guitarra virtuosos y veloces. En directo, el grupo podría enfatizar el ritmo y la fuerza de los riffs, animando al público a moverse y a corear. Hyrde lideraría la carga con su voz enérgica y su presencia escénica.

La voz agresiva de Antti «Hyrde» Hyyrynen y sus pegadizas melodías atrapan al público desde el primer momento, y la energía de la canción «Kadonneet Kolme Sanaa» es tan contagiosa que el público canta a pleno pulmón los estribillos. Pexi muestra su destreza con riffs intrincados y veloces, marcando el tono del concierto, mientras Hyrde, además de su rol como vocalista, aporta una base rítmica sólida y enérgica con su guitarra rítmica. La batería de Kake marca el ritmo con precisión y potencia.

«Utopia» continúa con la atmósfera intensa, pero añade más elementos melódicos, con guitarras precisas y estructuras progresivas que crean un paisaje sonoro multifacético, probablemente acompañado de un espectáculo de luces que refleje los diferentes estados de ánimo de la canción, permitiendo al público sentir su fuerza y gancho. «Viisi laukausta päähän», con su estilo rápido y agresivo que desata el moshpit. En directo, su intensidad se intensifica aún más, y el público puede liberar su energía.

La cruda potencia de la voz de Hyrde y la precisión de la banda crean una experiencia inolvidable, con Pexi luciendo solos virtuosos y riffs potentes, e impulsando la canción a un nivel aún mayor de intensidad. La batería implacable de Teppo «Kake» Velin impulsa la canción con una precisión y una potencia asombrosas, y Kaikka mantiene el ritmo con líneas de bajo complejas y dinámicas. «Taivas» añade una dimensión más melódica y emotiva al setlist.

En directo, la voz de Hyrde puede destacar con mayor claridad, permitiendo al público conectar con la letra y la atmósfera de la canción. Los arreglos de guitarra de Pexi, probablemente con un sonido más limpio, crearían un contraste interesante con la potencia general del concierto. «Metropolio», más épica y atmosférica, muestra la versatilidad de Stam1na. Sus ricos paisajes sonoros y sus pegadizas melodías envuelven al público, y en directo, la canción es probablemente un espectáculo visual, donde sus diferentes capas brillan con fuerza. El público puede sentir la historia de la canción y su fuerza emocional.

Pexi demuestra su versatilidad con arreglos de guitarra que van desde lo melódico y atmosférico hasta lo potente y contundente, creando un viaje sonoro cautivador, y Kai-Pekka «Kaikka» Kangasmäki aporta una base de bajo sólida y profunda, que se entrelaza a la perfección con la batería, creando un groove hipnótico.

Para cerrar el concierto, «Sirkkeli» sería una elección perfecta. Esta canción, conocida por su energía arrolladora y su ritmo frenético, dejaría al público exhausto pero satisfecho. En directo, la banda lo daría todo, creando un final de fiesta memorable y catártico. La energía combinada de Hyrde, Pexi, Kake y Kaikka culminaría en un final explosivo. En resumen, Stam1na en vivo es una experiencia donde la habilidad de cada miembro de la banda se aprecia en todo su esplendor precisa, y el disco X de 2025 muestra la madurez de la banda, con canciones como «Taivas» que exploran nuevas profundidades emocionales y «Valtiaan uudet vaateet» que demuestran su capacidad para crear himnos potentes y directos.

Before the Dawn cumplen con creces

El escenario se baña en una luz azulada y tenue, creando una atmósfera fría y opresiva. La expectación crece mientras los primeros acordes de «Unbreakable» resuenan, potentes y melancólicos a la vez. Before The Dawn irrumpe en el escenario con una energía contenida pero palpable. Las guitarras de Tuomas Saukkonen y compañía se entrelazan en melodías oscuras y riffs pesados, marcando el tono sombrío de la noche. La voz gutural de Saukkonen, profunda y desgarradora, se abre paso entre la instrumentación, transmitiendo una sensación de fortaleza en medio de la adversidad, aunque con un trasfondo melancólico inherente.

Sin apenas pausa, la oscuridad se intensifica con «My Darkness». Los ritmos se vuelven más lentos y pesados, casi doom, mientras las melodías de guitarra se arrastran con una belleza triste y evocadora. La atmósfera se carga de una sensación de introspección profunda. La voz limpia de su líder, cuando aparece, añade una capa de vulnerabilidad y desolación, contrastando con la brutalidad de los guturales y amplificando la carga emocional de la canción.

La intensidad se mantiene con «Faithless». Los riffs se tornan más agresivos y rápidos, impulsando la canción con una energía oscura y furiosa. La batería marca un ritmo implacable, mientras el bajo te retumba en el pecho. En vivo, esta canción se siente como una descarga de rabia contenida, con los músicos entregados a la potencia de su sonido. Los juegos de luces, aunque sobrios, acentúan los momentos de mayor intensidad. Un respiro melancólico llega con «Dying Sun». La atmósfera se vuelve más etérea y melancólica, con las guitarras creando paisajes sonoros sombríos y evocadores.

La voz limpia de Saukkonen toma un mayor protagonismo, transmitiendo una sensación de pérdida y desolación. En directo, esta canción permite al público sumergirse en la belleza triste de su música, creando un momento de conexión emocional profunda. La pesadez regresa con «Chain». Los riffs son densos y arrastrados, creando una sensación de opresión y encadenamiento. La voz gutural domina, escupiendo letras cargadas de angustia. En vivo, esta canción se siente visceral y poderosa, con la banda moviéndose al ritmo de su contundencia, transmitiendo una energía oscura y palpable.

La melancolía se intensifica con «Downhearted». La atmósfera se vuelve aún más sombría y reflexiva. Las melodías de guitarra son tristes y penetrantes, y la voz de Saukkonen, tanto en gutural como en limpio, transmite una profunda sensación de desánimo y desesperanza. En directo, esta canción puede sentirse como un abrazo a la tristeza, un momento de catarsis colectiva para aquellos que se identifican con sus emociones oscuras.

Un escalofrío recorre el ambiente con «Winter Within». La frialdad del invierno se siente en cada nota, con melodías heladas y ritmos lentos y pesados. La voz de Saukkonen evoca la desolación de un paisaje invernal interior. En vivo, la iluminación suele ser más fría, con tonos blancos y azules que refuerzan la sensación gélida de la canción.

La intensidad vuelve a aumentar con «Monster». Los riffs se tornan más agresivos y directos, impulsando la canción con una energía oscura y visceral. La voz gutural de Saukkonen se desata con furia, transmitiendo una sensación de lucha interna y confrontación. En directo, esta canción suele generar una respuesta enérgica del público, con headbanging y puños en alto.

La furia se desata por completo con «Wrath». Los ritmos son rápidos y frenéticos, la batería golpea con una intensidad implacable y las guitarras escupen riffs cargados de rabia. La voz de Saukkonen es un torrente de furia gutural. En vivo, esta canción es un torbellino de energía oscura, con la banda entregada a la brutalidad de su sonido.

El punto culminante visual de la noche llega con «Deathstar». La canción en sí es un poderoso ejemplo de su death metal melódico, con melodías épicas y riffs contundentes. Pero el momento especial en vivo es cuando los guitarristas elevan sus instrumentos sobre sus cabezas, un gesto icónico que desata la euforia entre el público. Es un momento de conexión visual y sonora, un símbolo de la intensidad y la pasión de la banda.

Tras el clímax de «Deathstar», Saukkonen se dirige al público con un «Deathsong”, soltando un «gracias por venir». La gratitud es palpable, aunque envuelta en la atmósfera sombría característica de la banda. La noche no termina sin un último golpe al corazón con «una canción más para ustedes«. Esta canción final puede variar, pero seguramente mantendrá la intensidad emocional y la oscuridad melancólica que ha caracterizado toda la actuación, dejando al público inmerso en la atmósfera única de Before The Dawn hasta el último acorde.

Barcelona se hunde en la melancolía de una noche con Swallow The Sun

El aire en la sala ya vibraba con una expectación palpable. Los amantes de los sonidos oscuros y profundos nos congregamos, por fin, tras la larga espera impuesta por los acontecimientos recientes. La promesa de una noche de introspección sonora, cortesía de Swallow The Sun y sus acompañantes, era un faro en la oscuridad para muchos.

Tras las actuaciones de las bandas invitadas, que prepararon el terreno con sus propias atmósferas sombrías, el silencio se hizo denso. La espera se sintió eterna para los que estábamos ansiosos por sumergirnos en el universo particular de los finlandeses. La primera fila, mi privilegiado observatorio, era un hervidero de murmullos y cánticos espontáneos, un preludio de la comunión que estábamos a punto de vivir.

Las luces se atenuaron por completo, y una atmósfera casi espectral invadió el escenario. Entre sombras y una sutil cortina de humo, los músicos tomaron sus posiciones. El inicio, tal como lo anticipamos, fue un golpe directo al alma con la instrumental «Velvet Chains». Una balada triste y delicada, con una instrumentación mínima que dejaba espacio para la melancolía pura. La ausencia de voz femenina en directo, a diferencia de la versión de estudio, no restó ni un ápice de su belleza sombría, preparando el terreno para el viaje emocional que nos esperaba.

Sin apenas un respiro, la banda arremetió con «Innocence Was Long Forgotten». El riff inicial, cargado de una melancolía punzante, se clavó en el ambiente, y el estribillo, potente y pegadizo a la vez, resonó con fuerza. La transición de la delicadeza inicial a esta explosión de sentimiento oscuro fue impecable, demostrando la maestría de Swallow The Sun para navegar entre la fragilidad y la intensidad.

La atmósfera se tornó más densa y opresiva con «What I Have Become». Los guturales profundos de Mikko Kotamäki emergieron de la oscuridad, como un lamento desde las profundidades del alma. La base rítmica, sólida y pesada, nos envolvió en una sensación de desolación palpable.

Un breve respiro llegó con «When a Shadow Is Forced Into the Light», otra joya de Shining que aportó una nueva capa de matices a la noche. Su melodía, aunque melancólica, poseía un cierto brillo, una sombra quizás menos profunda que las anteriores, pero igualmente una declaración evocadora. La sorpresa de la noche llegó con la oscuridad cruda de «Under the Moon & Sun». Un guiño a sus raíces y una muestra de la versatilidad de la banda para sumergirse en el progresivo más primigenio, manteniendo su sello personal de pesadez y atmósfera.

La continuación de su particular «Horror» llegó con «Don’t Fall Asleep (Horror Part 2)». La tensión y el dramatismo se intensificaron, creando una sensación casi cinematográfica. Los cambios de ritmo y las texturas sonoras nos mantuvieron en vilo, como si estuviéramos inmersos en una pesadilla musical.

El ambiente se cargó aún más de solemnidad con «Cathedral Walls». Los primeros acordes fueron recibidos con una ovación, y la intensidad emocional de este tema icónico se sintió en cada rincón de la sala. La conexión entre la banda y el público se hizo palpable, con muchas voces coreando cada palabra con una entrega conmovedora. La penumbra volvió a envolvernos con «Charcoal Sky». Su atmósfera densa y triste nos sumergió en una nube de melancolía, con las melodías de guitarra tejiendo paisajes sonoros oscuros y evocadores.

La locura se desató con los primeros acordes de «New Moon». La energía en la sala se disparó, y lo que antes era una introspección solemne se convirtió en una catarsis colectiva. Los fans corearon el estribillo con una pasión desbordante, entregándose por completo a la intensidad del momento. Un respiro melódico llegó con «Melancholy», cuyo sonido más accesible y esas reminiscencias inundadas de doom, progresivo, toques de psicodelia y elementos más melódicos la hicieron destacar por su relativa ligereza dentro del setlist, ofreciendo un contraste interesante con la oscuridad predominante.

La brutalidad regresó con «These Woods Breathe Evil». La canción sonó con una fuerza visceral, conectándonos directamente con esas emociones profundas que caracterizan a la banda. La base rítmica atronadora y los riffs oscuros nos arrastraron a un torbellino de sentimientos intensos. «November Dust» mantuvo esa línea oscura, pero con esos toques de esperanza en su melodía. Esa dualidad entre la oscuridad y un atisbo de luz es una de las señas de identidad de Swallow The Sun, y en directo se sintió con especial intensidad.

El cierre del set principal llegó con la épica «Swallow (Horror Part 1)», esta joya del disco nos llevó por un torrente de emociones cambiantes. Su complejidad y la forma en que evoluciona a lo largo de sus minutos la convirtieron en un clímax perfecto para la noche. Sin embargo, la sensación general fue la de haber vivido una experiencia profunda y conmovedora.

Mikko Kotamäki se entregó por completo, aferrado al micrófono como si cada palabra fuera un pedazo de su alma. Su voz, aunque quizás un punto baja para tu gusto, transmitió una carga emocional innegable, tanto en los pasajes limpios como en los guturales desgarradores. El resto de la banda estuvo impecable, creando esa muralla de sonido melancólico y opresivo que es la marca de Swallow The Sun. Juha Raivio, en la guitarra principal, tejió melodías oscuras y punzantes, mientras que Matti Honkonen y Juuso Raatikainen proporcionaron una base rítmica sólida y poderosa. El apoyo de Juho Räihä en la guitarra rítmica y Jaani Peuhu en los teclados fue fundamental para crear esas atmósferas envolventes y necesarias.

Como bien dijo Mikko, sus canciones son historias brutales de sus vidas, y esa honestidad cruda y sin filtros se sintió en cada nota, en cada palabra. La música de Swallow The Sun no es para pasar un rato ligero: es una inmersión en las sombras, en las batallas internas que todos enfrentamos. Y vivirlo en directo, rodeado de otros que comparten esa conexión con su oscuridad melancólica, es una experiencia que trasciende lo puramente musical. Fue una noche donde la pesadez, la melancolía y el dolor se hicieron carne, dejando al público inmerso en un estado de catarsis emocional en bucle.

Markceröck

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12 de enero de 2025

Razzamataz 2

Organiza: Get In Concerts

Crónica: Jordi Tàrrega

Fotos: Irene Kilmister

Gran noche de tendencias musicales extremas en una especie de minifestival del que disfrutamos de hasta cuatro bandas de distintos pelajes y estilos. La Razz 2 registró una muy buena entrada y un muy buen ambiente. Venían el funeral oscuro algo de luto e indignado por la venta de merchandising en Madrid, y en Barcelona, posiblemente pasó lo mismo. El caso es que los precios de camisetas y discos en los conciertos están disparados y es un tema que da para mucho debate.

Habían venido ya Dark Funeral en festivales, y hace un año y poco, junto a Cannibal Corpse, pero esta vez iban como cabezas de cartel y defendiendo un discazo como es We Are the Apocalypse pero también su primer EP regrabado. La sensación sobre el escenario era de falta de espacio con tres baterías montadas y dos de ellas tapadas para darle vidilla a los cambios de grupos y no tener que montar y desmontar. Pequeñeces, pues todo funcionó al milímetro.

Kami No Ikari: propuesta fresca de batiburrillo de estilos con acento nipón

Gran propuesta y sonido para ser los teloneros de los teloneros en un grupo que aúna en una misma canción muchos estilos y tendencias. Los franceses son liderados por Yumi Kami, que va con unas lentillas rojas y en temas como “Godly Oath” ves que el quinteto tira de inspiración nipona y metalcore, pero de repente… aparece un tramo sinfónico. Kami es un torbellino, y si un corte como “Interitus” en manos ajenas puede terminar siendo un pastiche infumable, en las de este grupo, todo tiene mucha coherencia y resulta muy atractivo.

Yumi habló un castellano casi perfecto y disfrutamos de “Cronos”, demostrando que estábamos ante la banda más “alternativa” de las cuatro que tocaron. A nivel de producción llevaban un par de imágenes de puertas niponas y se la jugaron en “Theophobia” haciendo que la sala se pusiera de rodillas y se levantara, pero… la edad de los presentes y la motivación no dio para tanto… Gran directo y muy buenas sensaciones para un grupo destinado a crecer.

Ex Deo ofrecen un show imperial

Imperiales y vestidos todos como centuriones romanos. Así hicieron acto de presencia Ex Deo, que poseen un EP nuevo. Juegos de luces rojas para dar inicio con “Imperator” y dar buena cuenta de lo que el quinteto ofrecía. Un gran Maurizio Iacono y la gente de Kataklysm dieron rienda suelta a la inspiración imperial romana en cortes como “Cato Major: Carthago delenda est!”. Guturales y voces rasgadas junto a momentos muy épicos. Aquí la intro llevaba incluso el chasquido de las espadas en batalla.

Tramos más sinfónicos en “The Rise of Hannibal”, que vino acompañada de luces verdes para en “Vespasian” quemar las naves y convencer a la concurrencia con sonidos abrasivos y con una batería muy poderosa. El líder saludó en “The Fall of Claudius” y dejaron que Oli Beaudoin hiciese un breve solo de batería. Algo arriesgado, pues en sets tan cortos no haría falta. Lo mejor de su concierto fue “I, Caligula”, tema que casi podríamos decir que puede ser single, pues es muy pegadizo y gran final con “Romulus”. Muy buen concierto, sin fisuras y en el que vimos a un grupo con ganas de asentarse y dar mucho de qué hablar.

Fleshgod Apocalypse dan un enorme paso hacia adelante

Y llegó el gran momento para muchos de los presentes… Los itálicos Fleshgod Apocalypse han mutado en estilo y abrazan las sonoridades de Therion con su nuevo disco Opera. El inicio es absolutamente espectacular con Veronica Bordacchini de diva cantando ópera en “Ode to Art” y enarbolando una bandera italiana, vestida con máscara veneciana. Imponente inicio para luego atacar “I Can Never Die”, en la que lució ese piano de cola en el escenario ya con todo el grupo sobre escena.

“Healing to War” nos devolvió al grupo más auténtico, con un death metal más de manual y de impecable presentación. Muy buen sonido, y Fabio y Francesco Paoli turnándose las voces en cortes como “Sugar” o “Minotaur (The Wrath of Poseidon)”. Pero es que las sorpresas no terminan aquí y el teclista Francesco Ferrini tiene su momento de lucimiento local, y miras hacia arriba, y hay focos al final de la sala para apoyar canciones como “Bloodclock”, del último disco.

Eugene es un baterista rapidísimo, como bien demostró en “The Fool”, y las apariciones de la vocalista en “Pendulum” fueron exquisitas. Impresiona ver la gran capacidad y posibilidades con las que juega la banda. Se atrevieron a hacer un círculo para un pogo masivo y la vocalista devolvió al público una peluca que iba saltando entre el gentío. Impecable final en “The Violation” y demostración de que Fleshgod Apocalypse han dado un paso valiente en su evolución. Puedo entender a los fans clásicos, pero actualmente están en su mejor momento y a todos los niveles.

Dark Funeral combinan pasado y presente y arrasan con todo

Primera vez que veía un show completo en sala de Dark Funeral y debo decir que la experiencia es superior a cuando les ves en festivales. Allí queda todo más condensado y luce igual, pero aquí hay más matices y temas menos habituales. Inicio entre brumas apareciendo ellos pintados y con esos trajes con pinchos para encarar una impactante “Nosferatu”, perteneciente a su “nueva” obra We Are the Apocalypse. Chorrazos de humo en “Atum Regina” y gran papel de su vocalista Heljarmadr, aunque las miradas se las lleva siempre Lord Ahriman, de imponente planta.

El cantante dijo eso de “Buenas noches Barcelona” y nos preguntó si queríamos una canción rápida. Turno de “To Carve Anther Wound”, en la que nos fijamos en los pentagramas, que son logo del grupo, y un par de martillos Mjolnir enormes flanqueando los dos lados del escenario. La banda sonaba aplastante y en cuanto a entrega y decibelios quedamos más que contentos bajo esas luces rojas. Black metal de primera en “The Arrival of Satan’s Empire” de mano de una de las agrupaciones fundamentales del género.

Blasfemias y odas fúnebres con volumen al 11 sucediéndose cortes como “When I’m Gone” o “Unchain My Soul”, aunque hubo quejas de que el grupo no tocase un clásico infaltable como “My Funeral”. Pero no nos quejamos pues se marcaron el EP que han reeditado hace poco, y de verdad que fue todo un detalle. Canciones como “Open the Gates” y “Shadows over Transylvania” siguen manteniendo esa rabia primeriza y ese encanto. A mí me encanta su último trabajo, pero “My Dark Desires” e “In the Sign of the Horns” son piezas tan primigenias como míticas. Un regalo absoluto para el fan, que pudo comprar la edición en vinilo a precio de sangre de unicornio.

Y ya en la recta final sonó el “Let the Devil in” de su último trabajo de estudio, con más chorros de humo y la final “Where Shadows Forever Reign”, con un Jalomaah rapidísimo a la batería y Lord Ahriman repartiendo carisma a borbotones. Despedida teatral con la sala ovacionando el esfuerzo y convencidos de que Dark Funeral siguen siendo uno de los pilares más importantes del black metal mundial. Espectacular velada de cuatro bandas que brillaron a gran altura demostrando que el metal extremo vive momentos de gloria, a pesar de que siempre parece que todo tiempo pasado es mejor.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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10 de diciembre – Razzmatazz 2– Barcelona

Noise on Tour – Resurrection

Crónica: Jordi Tàrrega

Fotos: Markceröck

Gran noche de retro rock a manos de esa diosa que lleva por nombre Elin Larsson. Ella es la estrella y parece que todo este hecho a su imagen y medida. Pero el grupo que empezó con dos ex miembros de Radio Moscow y han conseguido hacer algo muy grande encontrando una vocalista con estrella. Es un éxito que consigan que la sala no necesitara de cortina pues consiguieron una gran entrada y se hicieron acompañar de un grupo que nos dejó absolutamente noqueados.

Daniel Romano’s Outfit a piñón fijo y luciendo músculo

Su nombre siempre había estado en mi radar, pero, a decir verdad, nunca me había decidido a acercarme al legado del gran Daniel Romano, y de verdad que la impresión que dio sobre el escenario, fue inmejorable. Rock de garaje, capaz de sonar a Hellacopters como en “Field of Ruins” para luego irse hacia un brit pop con actitud punk en “The Long Mirror of Time”. Era un cuarteto muy animoso y motivado que no paró ni un momento. No hubo pausas y todo se encabalgó haciendo a la sala sonreír con cortes como “Toulouse”.

Destacaron esas luces amarillas constantes y esa chica armada con la pandereta que puso los coros a un grupo en el que cantan todos. El look de la banda era colorido y variado, con barbas, gorros y cortes de pelo beatlenianos. Romano presentó al grupo al llegar al final de la actuación, pero antes, su bajista cantó “Fire Breather” con voz principal y su panderetista-guitarrista hizo lo propio luego. Gran concierto, de esos que el grupo te convence hasta el punto de que, si vuelven, allí estaremos.

Blues Pills: colorido y feeling

Arrancó todo de la mejor forma posible con esa tremenda “Birthday”. Elin es pura actitud y entrega. Lucieron esos pantalones verdes y no paró quieta ni un minuto para quebradero de cabeza de los fotógrafos, que apenas la podían seguir. La banda estuvo muy profesional y compacta, el sonido cumplió, pero lo que me parece absolutamente absurdo es que el grupo matuviera la pancarta de Daniel Romano’s Outfit hasta bien entrada su actuación. No llevaban ni telón, pero iban a ser fotografiados con el logo de otra banda….

La enérgica “Don’t You Love It” hizo que la sala bailase al ritmo que André Kvarnström marcaba desde la batería. Gran línea vocal y la expresiva voz de la diva. “Top of the Sky” es una canción destinada al puro lucimiento vocal de una vocalista que está a un nivel impresionante. Ambiente más psicodélico y cadencioso en “Bliss”, en la que agradeció nuestra presencia y en la que se armó con una pandereta. El profundo bajo de Kristoffer Schander es una de las claves del sonido del grupo, y en directo se nota especialmente. Elin se lanzó a las primeras filas mientras Zack Anderson alargaba el solo

La banda no busca protagonismo alguno y está todo muy medido, pero todo encaja en piezas como “Proud Woman”, en la que la reivindicación y la carga positivista se dan la mano para crear algo muy grande. Los 70 tomaron la sala para continuar con “Low Road” y luego regalarnos un tema de su próximo disco: “Like a Drug”. Presentó la canción “Piggyback Ride” como un tema sobre el sitio donde nació, bajo luces rojos y justo en ese momento sacaron el telón de fondo de la otra banda (¡!!!!). Tras ello, tiraron de feeling en “Ain’t No Chance” y terminaron con “Black Smoke” y “Little Sun”, de la que nos dijo Elin que fue escrito hacía 10 años en Estados Unidos.

Antes de los bises ya vimos que Zack Anderson es absolutamente fundamental en un grupo que estuvo realmente bien y que en “I Don’t Wanna Get Back on that Horse again” lucieron especialmente. Tonos fríos con focos azules y mucho derroche de feeling. Luego acompañamos con las palmas el “Bye Bye Birdy”, que fue una fiesta y la que Elin bajó al público y el colofón final fue “Devil Man”. Tremendo himno en el que el ventilador hacía mover el pelo de una imponente Larsson que demostró una voz negra, combinada con esos tramos instrumentales con ecos en la guitarra y con ese feeling espiritual.

Perfecto final a un show que se hizo especialmente corto y en el que el grupo consolidó ya su presencia en nuestros escenarios, y que, en cada gira europea vienen por aquí pues hay un público suficiente para que los promotores apuesten por ellos. Y sabemos que el retro rock es un estilo muy amplio, pero lo de Blues Pills es algo especial, el problema es que quizá todo se centra en exceso en el protagonismo de esa gran vocalista que es Elin Larsson. Y bueno… el grupo es más que su lideresa, pero es que ella es muy, muy grande.

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Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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8 de diciembre – Razzmatazz 2– Barcelona

RRS Promo

Crónica: Jordi Tàrrega

Fotos: Marta Caru

Vivimos en un mundo absolutamente absurdo. Y es que a pesar de tener a mano todo tipo de información, somos todos tan cortitos que seleccionamos la que nos interesa o simplemente nos creemos lo que leemos. Ahora se llaman fake news, antes eran “paparruchas” (excelente nombre), pero el caso es que el concierto de Orphaned Land en Barcelona casi se suspende por las protestas de un grupo pro-palestino que consideraba que la banda israelí está a favor del genocidio.

La causa palestina es tan urgente como necesaria de revindicar, pero si alguien considera a Orphaned Land como opresor y de estar a favor de las barbaridades del gobierno de Israel, es que apaga y vámonos. Siglos atrás, con la llegada del ferrocarril a Barcelona, se sucedieron manifestaciones de gente en contra del mismo ya que creían que funcionaba con bebés tirados a las calderas (¡!!!). En ese nivel están los que cantaban “boicot Orphaned Land, boicot Razzmatazz”. Las locomotoras no funcionaban con bebés…

A todo esto, cabe señalar que es el concierto de Orphaned Land en Barcelona con menos gente, hasta el punto que se tuvo que poner la cortina dejando la capacidad a medias. Así que puede que el boicot, la manifestación, el clima y demás, terminaran influyendo a un grupazo que siempre ha defendido la paz y la música. Han girado con bandas de metal palestinas por Europa y por declaraciones a favor de la paz, han sido perseguidos por fundamentalistas judíos. Reciben por todas partes, y es una lástima porque han luchado mucho para llevar a cabo esta gira, suspendida hasta dos veces.

Royal Rage abre el Motocultor con thrash old school

Esa treintena de gritones ejercerían de teloneros de los thrasheros brasileños Royal Rage, que tiraron de un thrash metal de toda la vida, pero también prototípico y algo manido. Un cuarteto muy directo y cumplidor que contó con algunos elementos decorativos en las pantallas traseras y con esa especie de símbolo del grupo que parece ser un extraterrestre. Había muy poca gente y entre trallazos de thrash old school como “Feed the Herd” hubo llamamientos a la paz y críticas a los políticos. Continuaron con una versión de Sepultura del Roots: “Lampiao” y una potente “Real Dolls”. Demostraron estar muy a la altura.

Ring of Gyges demuestra que Islandia no le hace ascos al prog

No soy de prepararme ni buscar los grupos que voy a ver de teloneros, pues prefiero verme sorprendido por lo que ofrece cada banda, y vaya… este festival era ecléctico a más no poder. Desde Islandia aparecieron Ring of Gyges con un progresivo muy cuidado, de teclados protagonistas, dos vocalistas y un bajista que tampoco le hacía ascos al micro. Pecaron de una extensa intro de fondo con unas voces impresionantes, pero es que, luego esas voces mismas dominaron el concierto. Rock y metal progresivo de excelente factura.

Grandes prestaciones en “Ascend” y especialmente en “Andvaka”, tomando temas del Beyond the Night Sky y con su guitarrista y vocalista presentándonos a la agrupación y avisando de que tenía la gripe, pero que iba a continuar con todo. Elegantes y variados al ritmo de “Ghosts” y luego bañando el escenario de luces rojas con “The Choice”. Los juegos de las tres voces y el teclado impresionaron por momentos y “Holy Water” es un temazo.

Su otro guitarrista posee una voz muy a lo Muse, y de verdad que, si te gusta el metal progresivo con dejes alternativos, este grupo posee una enorme personalidad. No desentonarían abriendo una jornada del Be Prog! barcelonés. Y ese detalle de terminar y poner de fondo a Skálmönd fue un puntazo y toda una declaración de intenciones.

Strale demuestran que tienen lago especial…

Estos fineses pusieron el toque más hard rockero con retazos glam, y es que, a pesar de que su vocalista no posee una voz especialmente aguda y típica para el estilo, se ganó a la platea. Sexteto muy competente que dejó patente su clase con un temazo de la talla de “Resist and Reform”. Temazo algo más oscuro en el que participa en estudio todo un Björn “Speed” Strid de Soilwork.

Pero el momento de la noche fue esa presentación de la enorme “Close Is Not Enough” dedicada a su madre fallecida. Una especie de balada cautivadora que nos dio muchas pistas de lo especial que es este grupo. Tienen algo… Me sobró un poco el final festivo para todos los públicos en el que salpicaron de versiones el tramo final. Primero el “Blinding Lights” de The Weekend y “Rebel Yell” de todo un Billy Idol. Funcionaron bien y el público quedó entusiasmado, pero dos versiones en un set de 30 minutos es exagerado. Como nota exótica decir que el bajista iba con una camiseta de Camarón de la Isla.

Dirty Shirt: cuando la fiesta viene de Transilvania…

Y la fiesta se hizo carne de manos de un septeto de lo más curioso y entretenido que se llevó a la gente de calle siendo, sin duda alguna, el show más completo y dinámico de todos los que abrieron para Orphaned Land. Locura total desde la inicial “Ciocarlia” con esos dos cantantes pintorescos que combinaban voces agudas con otras graves. Movilidad total y sin descanso en piezas como “Put It On” y “Pretty Faces”. La gracia y toque diferencial del combo es que se van hacia terrenos alternativos y salen especialmente airosos.

Destacaron más por contraste asemejándose a otras bandas, pues hay grupos similares como Russkaja especialmente, Korpiklaani y demás, con acentuados dejes balcánicos como en “Hot for Summer”, pero ellos son transilvanos, y en temas como “Dirtylicious” pusieron a toda la sala a bailar con su peculiar folklore. Dan Craciun no paró ni un momento de cantar y bailar jugando con los silbidos, aunque no tienen el carisma de don Biff Byford de Saxon. Nos recordaron que era su primera vez en España e invitaron al gentío a un circle pit.

Incluso hubo un guiño al tema “Roots” de Sepultura y terminaron a lo grande con “Palinca” y “Latcho Drom” en las que las otras bandas salieron a escena para ser parte de una fiesta única y desmadrada. Literalmente ARRASARON, pero repito: hay otras bandas similares que también están a la altura. Eso no quita que esta agrupación rumana, nacida en 1995, demostrara que están para que toquen en cualquier festival patrio y la líen parda.

Orphaned Land mantienen el estatus pese a la adversidad

Impactante inicio de Orphaned Land con el logo del grupo de fondo y sonando a todo trapo “L’Estaca” de Lluís Llach. Estamos hablando de que el grupo, atacado por los fanatismos en Barcelona, responde haciendo sonar el himno catalán por antonomasia de la anti-represión. Ojalá los manifestantes hubiesen podido escuchar y ver ese inicio, pues me pareció una lección absoluta. Tras el “Bona nit” y el “Shalom” de rigor, Kobi y los chicos optan por “Simple Man”, que brilla especialmente y que hace que toda la gente se sumerja en la propuesta de directo.

Gran sonido, comunión absoluta y ese “The Kiss of Babylon (the Sins)” que incluyó guturales y que fue acompañada por bellas imágenes en la pantalla trasera. Excelente Uri a las cuatro cuerdas y presentación de la genial “All Is One” en la que dijo un “fallamos todos…”, como si tras todo lo acontecido, parezca que no hay esperanza en este mundo loco. En todo momento se dio protagonismo a la música y esta se elevó por encima de todo, y que ella misma tiene que estar por encima de religiones y la política. Los sabores de oriente salpicaron la sala con ese magnífico mix de “In Propaganda” con “All Knowing Eye”.

Fue un gran concierto a pesar de la situación y Kobi Farhi nos dijo que el bolo en la ciudad condal iba a ser cancelado, por lo que agradeció a los promotores que no se rindieran ante las presiones. También nos dijo que habría nuevo disco pronto… “Sapari” es siempre uno de los grandes momentos, aunque también tengo que decir que había gente no habitual en los shows metálicos como expolíticos catalanes (lo pasaron en grande). “Ocean” siempre va acompañada por el video de las olas, y luego, nuestro maestro de ceremonias dijo que si estaba enojado con alguien, era con los políticos que mandan.

Eso fue la antesala del “We Do Not Resist”, que elevó su significado para luego sumergirnos en “Let the Truce Be Known”. El punto no habitual fue la interpretación de “El Meod Na’Ala”, para nada esperada. Y luego sacaron guitarras acústicas y su baterista Matan jugó con el djembé, que llevaba instalado en el pie del charles. El gran final, como no puede ser de otra manera, vino de la mano de “Norra el Norra (Entering the Ark)” en una versión acotrada que nos dejó con ganas de muchísimo más.

Me dio la impresión que estábamos más en un show de festival que de gira propia, pero es que lo que vivimos en la segunda de las Razz fue todo un festival de cinco bandas. Me quedo con la experiencia de que pudimos conocer a agrupaciones muy dispares y de que Orphaned Land pueden continuar a pesar de la dificilísima situación en la que se encuentran. Pues no sólo hay que apoyar a la música, también a esas bandas que luchan activamente por la paz. Lo triste de todo es que la gente se intoxique de todo tipo de mentiras y patrañas y que la desinformación domine el mundo en el que nos ha tocado vivir. De esto iba el concierto…

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Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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26 de noviembre – Razzmatazz 2 – Barcelona

Live Nation

Crónica: Jordi Tàrrega

Fotos: Facebook Walter Trout (Bilbao)

Impresionante velada a cargo de uno de los más grandes guitarristas de la historia del blues y el rock. El señor Walter Trout vino a Barcelona en una sala Razzmatazz 2 que lucía cortina, hecho por el cual te deja todo a medias, pero ni eso, ni tampoco el hecho que no llevara merchandising alguno, fue impedimento para que los presentes disfrutaran de un concierto espectacular. Media de edad muy alta y predominante el género masculino para asistir a una velada con el señor “trucha” (Trout en inglés es trucha).

Allí había un quinteto de músicos de la vieja escuela que fue a degüello desde la inicial “I Can Tell”, versión de Bo Diddley. Espectacular solazo y voz a lomos de un conjunto rodado y efectivo. Teclista y bajista lucían gafas de sol y sombrero, pues la imagen molona siempre ha sido importante. No pasa el tiempo para un Trout que saca adelante la exigencia de cortes como “Courage in the Dark”. Antes, ya nos saluda y nos confiesa que ama la ciudad de Barcelona, pero… “Para la edad que tengo (73), todo sitio es bonito para mí”.

El “Wanna Dance” sonó muy a Neil Young y la clase de los músicos hace que se alarguen las canciones a demanda de un líder que, brilló especialmente y que sorprendió por el inmenso nivel vocal. Incluso se adornaba en algunos agudos. “Tengo 73, pero me siento como si tuviese 25”… Para “Say Goodbye to the Blues” tuvo un extenso speech sobre John Mayall, con quien giró siete años de su vida. Emociones a flor de piel y puro feeling, tanto en guitarra como en voz en un homenaje a su gran inspiración vital. Se llegó a referir a Mayall como a “un padre”.

Hubo luego ese incómodo momento en el que la canción demanda silencio, pero siempre hay gente que prefiere charlar a viva voz… Se consiguió al final, y luego, atacó la enérgica “Ride”, con unos coros inmensos por parte del baterista. Este tema constata que, actualmente, Trout sigue siendo capaz de sentar cátedra en estudio. Tema de su penúltimo álbum con un acercamiento claro al rock sureño. Dedicó “Follow You Back Home” a todos los enamorados, y de verdad que la banda acompaña toca con una maestría absoluta. Alargaban los temas y la sensación de jam general flotaba en el ambiente. Aquí Brad Smith Daniels estuvo a la guitarra acústica, él iba combinando.

Momento para tocar “una canción triste”, para referirse a un “Bleed” que caló hondo entre los presentes y en la que no participó al joven guitarrista antes citado. Genial el trabajo del teclista para un blues acelerado y certero, Nos contó que había llegado a tocar con John Lee Hooker y que una vez le dio un consejo que nunca olvidará: y empezó a balbucear imitando su voz, y nos tronchamos de risa. “¡Nunca supe qué me había dicho, pero seguro que era un buen consejo!”. “We Are All in this Together” fue la siguiente con Walter sólo con guitarra y voz. Nos dijo: “A veces me siento como BB King”, y aquí fue cuando cogió la eléctrica y entró toda la banda con él.

En ese disco del mismo nombre de 2017 se rodeó de la creme de la creme del blues, así que empezó a decir los nombres de los músicos que participaron, y la lista tiraba de espaldas. Incluso se vino arriba e incluyó, a modo de broma, los de David Hasselhoff y Barbra Streisand. Fue en esa larga jam que nos presentó a su joven guitarrista Brad Smith Daniels, y un poco, era como si presentara a su protegido y continuador, pues el chico canta y toca de maravilla. Gran momento combinando ambos vocalistas a las voces.

El momento más bonito y sensible fue cuando Trout nos contó que el trasplante de hígado le había salvado la vida y que en el hospital no era capaz de reconocer ni a su esposa ni tampoco de hablar. También nos animó a hacernos donantes de cualquier órgano que tuviésemos, pues eso salva vidas. Luego presentó a los músicos, destacando el bajista, que ha tocado con, atención: Neil Young, Joe Satriani, Steve Vai, Eric Johnson, Steven Tyler, Ritchie Heavens, Willy Nelson y Bob Dylan… Hubieron solos de bajo y de teclado y el cansino “oé oé oé”.

Ya en los bises cayó el “I’ve Had Enough” en la cual el excepcional bajista cantó tras sus gafas de sol y bajo su gorro en un tema que puso la sala en ebullición. Jam extensa y lucimiento de todos los instrumentos. La despedida la puso la pausada versión de la canción de Bob Dylan “I Shall Be Released”. Puro feeling y piel de gallina en un atronador concierto de lo más completo, y hubo un momento flamenco en su guitarra como guiño al país.

Dos horas de material clásico a manos de una leyenda absoluta de las seis cuerdas con una formación de lujo y un Walter Trout impresionante. Sus 73 años no le pesan para nada y su trasplante de hígado parece que no le ha afectado para nada. Voz y guitarra sonaron a gloria en un concierto al que sólo le pongo el pero de que no hubo merchandising para comparar. Noches como esta en la que vas a ver un clásico pueden ser mágicas. No nos equivocamos con nuestra asistencia.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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