Sala Razzmatazz 2, Barcelona

1 de noviembre de 2025

Redacción: Marc Fernández

Fotos: Ruth Gómez

Organiza: El Altar del Holocausto

El Altar del Holocausto vino a Barcelona con una fórmula que, si bien es poco común en el actual circuito de conciertos, parecía destinada al éxito.  Sin teloneros, el sábado después de Halloween y obsequiando los doloridos bolsillos catalanes con precios populares, los astros parecían alinearse sobre Razzmatazz para brindar un concierto muy especial.

Me decepcionó un poco ver que la sala había cerrado parte de su espacio para paliar una afluencia algo floja, y es que es un concierto que sin duda habría funcionado mucho mejor en una Upload o en un Bóveda (¡quiera Dios que regrese pronto!). Por lo demás el público era sorprendentemente joven y variopinto, de la clase que mantiene a flote a las bandas nacionales y a la música en vivo.

Hacer una crónica de un concierto de un grupo como Altar del Holocausto es todo un desafío, más parecido a relatar una experiencia que no limitarse a dictar títulos de canciones en orden. La banda salió al ritmo de “Because Evident” (me niego a escribir el título entero), apareciendo en escena más entusiasmados que un nazareno que ha visto llorar a una figurita de la Virgen, desatando sobre Barcelona una actuación que fue como un oleaje sonoro que te atrapaba y ya no te soltaba.

El grupo eleva su atmosférica propuesta con un juego de luces resultón, y pese a lo complicado de interactuar con el público cuándo tu propuesta es instrumental, el respetable estaba lo suficientemente entregado como para unirse con aplausos o gritos a algunas de las secciones más rítmicas de las canciones, como pudo verde en “Act 2 – Resvurrectionem” y “Amen”.

La euforia estalló con las primeras notas de “Lucas I, 26, 38”, que puso al público a cantar y a saltar como si se tratara de un concierto de los mismísimos Iron Maiden. Por lo demás, el concierto fue algo así como la solemne procesión de un tranvía metafísico.  La ejecución gozaba de una precisión que no menoscababa su atmósfera atrapante, en el que cada nota y cada golpe estaba al servicio de mantener el embrujo que desgranaban cuidadosamente sobre el escenario, apreciándose especialmente en cortes como “De Euforia”.

Un fenómeno que se dio en la pista y que ya había visto con anterioridad en otros conciertos instrumentales, es que de tanto en tanto el público chistaba a los espectadores más charlatanes, como si con su cháchara pusieran en riesgo la atmósfera del espectáculo. Aunque por un lado considero que comentar aspectos del espectáculo es inherente a la experiencia de ir a un concierto, porqué al fin y al cabo no es el cine o el teatro, puedo llegar a entender que escuchar al melenas de al lado decir lo mucho que el Altar del Holocausto se parece al Ku Kux Klan seis veces seguidas puede llegar a ser cansino.

Como si todo lo que he escrito con anterioridad fuera una vil falacia, la banda sorprendió a los que los veíamos por primera vez al invocar un devastador wall of death para encarar “El Que Es.Bueno”, que abrió la sala como un proverbial Mar Rojo, como si por unos instantes nos hubiéramos visto transportados a un concierto de Slayer o Kreator.

Lo que permite que el concierto sea atrapante es que el grupo no cae en lo que me gusta llamar el síndrome del museo de cera, en el que los integrantes, cohibidos por la naturaleza de su música, son meros pasmarotes que se limitan a tocar sus instrumentos.  Por lo contrario, se nota que El Altar del Holocausto se lo pasan pipa sonríen en el escenario, moviéndose sin parar y gastándose bromas entre ellos, espoleando en el proceso a un público que de lo contrario quizás los contemplaría congelados.

La recta final del concierto llegó con “Love Your Enemies” y “Act 1 – Crvcis”, allanando el camino para un final por todo lo alto. El show fue como una bestia gigantesca, a veces gentil y otras furiosa, como un río que discurrió sin pausa, pero sin prisa, sobre el público. Como un solo tema inmenso, quizás más como una película sonora que no como un concierto tradicional.

Puede que esta gira se llame “Amen Sin Acento”, pero lo que al Altar del Holocausto le falta en tildes le sobra en ejecución y en saber hacer sobre el escenario. Son sin duda uno de los mayores orgullos del metal patrio, y sobre las tablas desgranan una propuesta que a cualquiera que le guste la música debería darle una oportunidad.

Marc Fernández Cardellach

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Hola Michael, alias “JJ”, soy Jordi Tàrrega de Barcelona, escribiendo para la revista Starway to Rock en España. En primer lugar, gracias por tu tiempo y felicidades por vuestro nuevo álbum, Scorched Earth. Tengo que decir que vuestro estilo de música, el post black metal no es mi favorito, pero estamos en enero y… casi que estoy seguro de que este disco estará en mi top 10 de 2025.

¡Genial, eso suena estupendo!

¿Habéis recibido otras buenas críticas por parte de la prensa?

Generalmente, sí, todas son relativamente buenas. Y no soy alguien que le dé mucha importancia a las opiniones de las personas que no conozco, ya sean extraños o periodistas musicales, incluso siendo yo mismo periodista musical, porque también soy freelance en algunas revistas.

Pero cuando se trata de mi propio arte, las críticas externas no son algo demasiado importante para mí. A ver, es genial que a otras personas también les guste tu música o tu arte, pero esa no es la razón por la que hago todo esto. Aunque, por supuesto, siempre es un buen plus cuando a la prensa también le gusta tu nuevo disco.

A ver… tenéis dos vídeos singles en YouTube. ¿Y preferís no leer nada sobre las opiniones de la gente?

A veces lo hago, como con el último vídeo que lanzamos la semana pasada de “Keep Me Longing”. Mucha gente me dijo que les parecía realmente brutal. No sé si lo has visto, pero tiene mucha sangre y algunas escenas crudas como la que  me arranco una uña del dedo y cosas así. Recibí algunas reacciones de mis amigos e incluso de mi madre, y me dijeron que era un poco demasiado sangriento para ellos. Así que me interesaba saber qué pensaban los desconocidos en Internet y leí los comentarios en YouTube. Pero no suelo hacerlo normalmente.

Es genial saberlo, porque quería preguntaros sobre mis canciones favoritas del álbum, y para mí la definitiva es “Keep Me Longing”.

Sí, la mía también.

La primera vez que la escuché pensé: “¡Wow! Estos chicos tienen algo realmente especial y van a crecer mucho”. Creo que es una canción larga, por supuesto, pero épica, y tiene algo especial. Y ahora me has dicho que también es tu canción favorita…

Sí, totalmente. Siempre tienes una o dos canciones favoritas en tus propios álbumes, pero esta creo que ha sido mi favorita desde el principio. También lo era cuando solo teníamos lo instrumental. Y sigue siéndolo. Aunque esperemos a que salga el disco, porque la opinión suelen cambiar con el tiempo. Pero esta ya lleva siendo mi favorita mucho tiempo, así probablemente lo siga siendo.

En la canción “Without You, I Am Just a Sad Song”, siento algunas influencias folk y un estilo orientado hacia Amorphis. Tal vez me equivoque, pero ya te digo que es una de mis bandas favoritas, y pienso que el folk y el sonido Amorphis están un poco presentes en esta canción.

No puedo hablar mucho sobre la composición de Matthias, pero puede que tengas razón, porque Matthias siempre ha estado influenciado por el death metal melódico de los 90. Le encantan los primeros álbumes de In Flames. Creo que también le gusta Amorphis, como dices. Así que esta comparación tiene sentido, porque todavía escucha muchas otras bandas de esas hoy en día, como gran cantidad de bandas indie o alternativas. Pero este estilo de Gotemburgo y el death melódico de los 90 sigue siendo una gran parte de su gusto musical.

Cuando se trata de “Without You, I Am Just a Sad Song”, es interesante porque me preguntan bastante sobre esta canción en entrevistas y me dicen que es una de las mejores del álbum. Para mí, siempre fue una de las menos favoritas, al principio, pero con el tiempo, ha crecido en mí. Creo que también será una canción genial para tocar en directo en el futuro.

Todavía estamos trabajando en la lista de canciones, porque tenemos seis álbumes ahora. Cada disco dura entre una hora y 70 minutos, así que no es fácil elegir las canciones correctas o el setlist adecuado cuando tienes tantas que realmente quieres tocar. Pero creo que de las nuevas, esta también será parte del set en vivo.

Gran, gran canción, la verdad. En “No Graves But the Sea” estamos frente a una canción épica y marinera. ¿Por qué una canción sobre el mar?

¿Cómo decirlo…? Las montañas y el mar son algo que siempre me ha fascinado desde pequeño. Esos dos elementos, o como quieras llamarlos, son algo que me atrae mucho desde que era niño. Y como metáforas, estas ideas han estado presentes en Harakiri y en mis otras bandas desde el principio.

En cada álbum hemos tenido una canción que es una metáfora del agua, el mar o el océano. En el primer álbum, teníamos “Lungs Filled with Water”. En el segundo, “My Bones to the Sea”. También tuvimos luego “Oceans Between Us”. Siempre hay una canción influenciada por el mar o el agua en cada álbum.

Ser enterrado en el mar es algo en lo que pienso a menudo. En general, sobre el tema de los entierros, porque también tuvimos una canción sobre el entierro celestial en el segundo disco. Todo en Harakiri trata sobre el amor, la vida y la muerte. Creo que esto también forma una gran parte del último viaje de cada uno, por decirlo de alguna manera. Tal vez eso sea algo que también me fascina.

Puedes decir que estos conceptos que has mencionado son las temáticas principales de las letras de la banda.

Sí, lo son. Para mí, el escribir letras siempre ha sido algo autobiográfico. No puedo escribir sobre fantasías o cosas inventadas. Es casi un 100% sobre cosas que he vivido yo mismo. Toda vida está influenciada por el amor, el perderlo… y también la fascinación por la muerte. El black metal siempre ha tenido este lado mórbido.

Si eres alguien depresivo o que lucha contra el abuso de sustancias, la muerte siempre estará a tu lado. Yo soy así… Por eso estos tres elementos forman una gran parte de la vida de cualquiera, al menos de la mía. Como he dicho, no podría escribir sobre algo en lo que no estuviera involucrado. La única historia que puedo contar es la mía.

El relato es la forma en la que mejor puedo expresar mis letras. Tal vez intento expresar todo como poemas, o de una manera más poética, pero en general, cada texto y cada letra cuenta una historia. Eso es todo.

Vuestras canciones siempre son largas. Es una marca distintiva de Harakiri for the Sky.

Sí, es lo nuestro. En general, si tomas otras bandas de black metal atmosférico, o post-rock, hay grupos mucho más vanguardistas. Si miras una banda como Paysage d’Hiver, o, del lado del post-rock, Godspeed You! Black Emperor, tienen canciones de entre 15 y 20 minutos, casi el doble que Harakiri. Pero sí, es una característica nuestra y parece que no somos capaces de escribir canciones más cortas. Creo que no tenemos ninguna canción que dure menos de seis minutos y medio o algo así.

Considero que es un viaje musical. Tiene sus altibajos, luego se calma, se ralentiza, y luego vuelve a elevarse y explota. Creo que esto, en general, es una característica del post-rock y también del post-black metal, porque ahora están muy relacionados.

Quiero preguntarte sobre la portada del disco. Hay algunos animales, y parece que siempre hay animales en vuestras portadas, como ciervos o águilas. ¿Por qué siempre animales en las portadas?

Es un concepto que tuvimos ya desde el primer álbum. Realmente no pensamos mucho en la portada del primer disco porque teníamos unas pocas canciones y queríamos hacer un EP más que un ábum completo. Un amigo mío propuso esta portada con el cuervo y dijimos: “Oh, esto encaja perfectamente”.

Dos años después, trabajamos en Aokigahara y pensamos: “Los animales siempre son estéticos, siempre se ven bien, al menos cuando están dibujados en las portadas”. Y decidimos mantener ese concepto de los animales en la portada del disco. Seguimos con ello en el tercer álbum, un ciervo en el cuarto, después un búho, y luego, un lobo que iba a ser desollado. Ahora tenemos a todos los animales reunidos en una portada, lo cual tiene sentido, porque el título del álbum es Scorched Earth y están huyendo de un bosque en llamas.

Para nosotros, el nuevo disco, es como una colección de los puntos fuertes de Harakiri for the Sky. Tomamos lo mejor del primer álbum, de cada uno de los demás, y lo reunimos todo en este. Es por eso que dijimos: “De acuerdo, pongamos a los cinco animales en la portada de este disco”. El sexto álbum es el que surge de todos los demás, y ese es, al menos, su significado más profundo.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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La banda germana The Ocean, baluartes del Post Metal continental, anunció recientemente el inminente final de su formación actual, con una minigira de despedida por Europa continental en diciembre de 2024 (4 fechas) y enero/febrero de 2025 (3 fechas). Por suerte, no supone su despedida final, ya que regresarán con una nueva formación más adelante, siendo esta toda la información disponible hasta la fecha. Durante la gira interpretarán en su totalidad su último álbum, Holocene (2023), junto con una selección de temas de dos trabajos anteriores: Phanerozoic I: Palaeozoic (2018) y Phanerozoic II: Mesozoic/Cenozoic (2020). En palabras de la banda: «Todas las cosas buenas eventualmente llegan a su fin, y nosotros no somos la excepción. Estos son nuestros últimos conciertos con la formación actual.»

Madrid será la ciudad afortunada que presenciará el canto del cisne de esta encarnación de The Ocean, que tendrá lugar en la Sala Mon el próximo 2 de febrero de 2025.  El horario y la venta de entradas online están disponibles en este enlace. Dada la magnitud del evento, la promotora confirma que quedan pocas entradas disponibles. Os recordamos las fechas pendientes de la minigira:

11/01 – DE Berlin Kesselhaus
16/01 – BE Ghent Vooruit
02/02 – ES Madrid Mon

Recordamos que la banda The Ocean fue fundada por el guitarrista Robin Staps en el año 2000, por lo que, aunque la banda no ha especificado quién dejará el grupo y quién permanecerá, es razonable asumir que Staps, su único miembro original, seguirá siendo parte del proyecto. Además, el guitarrista es el principal compositor de la banda, además de llevar las tareas de management, así como la dirección de su sello discográfico, Pelagic.

Aparte de Staps, el miembro que más tiempo ha permanecido en The Ocean es su todavía cantante, Loïc Rossetti, desde 2010, antes del lanzamiento de los álbumes dobles Heliocentric y Anthropocentric de 2010 y 2011. Rossetti también participó como vocalista en el aclamado álbum de 2013 Pelagial, así como en la duología Phanerozoic y Holocene, protagonista absoluta de este tour. En cuanto a los otros miembros, el batería Paul Seidel se unió en 2013, el bajista Mattias Hägerstrand en 2015, y el guitarrista David Ramis Åhfeldt en 2018. El teclista Peter Voigtmann también formó parte de la banda desde 2018, pero se retiró el año pasado. Las quinielas sobre quienes permanecerán en la futura formación están en marcha, aunque teniendo en cuenta que en los dos primeros años de la banda, 40 músicos diferentes entraron y salieron (salvo Staps, lógicamente), podemos esperar cualquier cosa.

Dr. Reifstein

“Dr. Stein grows funny creatures, while Dr. Reifstein dissects albums, analyzes concerts, and synthesizes interviews.”
Aunque trabajo en ciencia (sí, lo de Dr. no es un guiño casual), hace tiempo que dejé la química y cambié los elementos de mis matraces: [Fe] por Iron Maiden, [Ne] por Neon Knights… y así.
Coruñés de adopción y habitual en Madrid, también he vivido en Cataluña, Reino Unido y California. Como suelo decir: del Whisky a Go Go a la Sala Canciller (D.E.P).
Helloween y Angra son mi laboratorio sonoro, pero mi vocación científica me empuja a explorar todos los estilos. La ciencia explica el mundo; el metal le da sentido a mi existencia: brújula, refugio y combustible.
Ejerzo en Stairway to Rock desde su nacimiento… ¡bienvenidos al laboratorio del metal!

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1 de noviembre de 2024

Black Grain Records

Desde la primera vez que escuché su nuevo disco, Dying Hydra me ha parecido una banda muy interesante. Es perfecta para quienes buscamos de vez en cuando algo refrescante y con el valor de mezclar distintos géneros, y con «Strange and Beautiful Things» nos encontramos ante una interesante mezcla entre Doom, sludge, hardcore y post-metal.

Su sonido es lento, potente, corrosivo y muy atmosférico. Es una banda formada en 2018, y este es su segundo disco. A su cargo está el trío formado por las guitarras y la voz de Patrick Fragtrup, también las guitarras y voces de Lars Pontoppidan, y la batería de Tejs Kyhl.

«Lithification» comienza con casi dos minutos de introducción a base de guitarras y un sonido muy post-rock, ya empiezas a notar su ambiente sombrío y muy distorsionado, y luego el sonido estalla con más potencia cuando las guitarras empiezan a ponerle garra y contundencia. Entonces entra la voz, desgarrada y corrosiva, ofreciendo una combinación sombría, como sacada de una pesadilla, pero que embruja y fascina por partes iguales. «Aurelia», el segundo corte de este trabajo, es muy parecido en cuanto a sonido, aunque las voces parecen venir de más abajo, de un inframundo más melancólico y nostálgico. He de decir que esta es una canción que me ha atrapado desde la primera vez que la escuché, y me parece brillante.

«Abyssal Clocks» cambia un poco de registro, llevándonos a un sonido menos post y un poco más doom, con una voz gutural muy profunda. La música es parecida, pero sólo con el cambio en el registro de la voz ya se nota una atmósfera totalmente diferente. Y cuando pasado el ecuador de este disco pensamos que ya sabemos lo que vamos a seguir encontrándonos, llega «Grasping Stone» y nos sorprende con su introducción de batería muy rítmica, casi ritual. Las guitarras y la atmósfera son similares cuando entran, pero la voz vuelve a cambiar para ser más incisiva y agresiva. Las guitarras vuelven a dibujar una ambientación casi árabe en algunos pasajes, un sonido muy puntual que le da un toque muy original.

«Into Existence» y «Ancestral» son los dos últimos cortes del álbum. El primero es un tema de algo más de diez minutos, un auténtico viaje que vuelve a recuperar un sonido post-rock, pero que nos transmite un sonido que evoca más a una tormenta acercándose que a la niebla de otros grupos del género. Posiblemente en esto influyan las guitarras afiladas y el desfile de voces de todo tipo, desde unas que gritan desesperadas hasta otras más profundas y guturales. Es uno de esos temas que pueden definir perfectamente todo lo que nos hemos ido encontrando en el resto. Y luego «Ancestral» vuelve a sorprendernos al ser un poco más diferente. Tenemos de nuevo gritos desgarrados, pero musicalmente es más juguetonas, con momentos rápidos con algunas paradas técnicas que le dan algo más de dramatismo.

En definitiva, puedo decir que «Strange and Beautiful Things» es un trabajo que me provoca sensaciones encontradas. Por una parte me gusta la manera en la que combinan géneros y los paisajes tan grises y distorsionados que dibujan. Pero por otra parte, se me acaba haciendo un poco repetitivo. Pero aun así, sigue siendo un segundo paso atrevido para una banda que seguro que todavía tiene mucho que decir.

Yúbal Fernández

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8 de noviembre de 2024

These Hands Melt

«Tidal Passages» es el álbum debut de Dropwnship. Se trata de una banda alemana que combina el Doom metal melódico con el Post-Metal, acompañado con algún que otro toque de Grunge e incluso progresivo. El resultado es un sonido potente pero sombrío, envuelto en una textura muy palpable que en ocasiones amortigua todo el conjunto demasiado. Consigue un sonido muy particular, aunque a veces parece que la atmósfera le quita crudeza y dramatismos a momentos que podrían ser más intensos. Imagínate estar viendo a alguien sin camiseta en medio de una montaña, pero que la niebla no te deja ver con claridad la escena, esto es lo que me evocan musicalmente. La banda está formada por Jonas Borchers a la voz, Floris Lange Van Ravenswaay y Torsten Radtke en las guitarras, Edgar Berlies con el bajo y también voces, y Wolfram Zarnack a la batería.

En sus canciones nos vamos a encontrar con riffs de guitarra afilados, y con una combinación de voz extrema con voces limpias, todo ello en temas muy cambiantes y variados, en los que hay altos y bajos, algo que a quienes nos gusta el progresivo agradecemos. Después de haber estado escuchando el disco unas cuantas veces no termino de decidirme, porque la combinación musical es buena, aprecio la personalidad que tienen, pero las composiciones no me terminan de atrapar salvo en momentos puntuales de alguna de sus piezas, y en ocasiones todo el conjunto me acaba pareciendo un poco monótono.

El álbum comienza con «Where The Flood Springs», que comienza muy directa con un potente riff y voces limpias marcando un camino melódico, pero a las que pronto se le incorpora el contraste de las voces extremas. Y este contraste es el que domina tanto esta pieza particular como el trabajo completo, todo ello envuelto con una pesada atmósfera que lo cubre todo. Me gusta especialmente el final, con grito desgarrador que es casi un rugido que se mantiene mientras el resto de la música se desvanece, y luego solo quedan unas guitarras muy melódicas mientras los rugidos de las voces se quedan más de fondo, como si se hubieran alejado, como si quedasen atrás… hasta llegar a un momento de intensidad final cuando vuelven al primer plano.

«Those Who Drank From the Waters of Lethe» mantiene un sonido muy similar al del corte anterior, siendo casi una continuación, aunque algo más fuerte. A partir de su ecuador, Dropwnship vuelve a jugar con paradas melódicas para luego volver a arrancarse con gritos viscerales y riffs corrosivos, alternando entre sentimientos de vulnerabilidad y desesperación. «Pacified» marca un poco más las diferencias, tomándose un primer minuto para sentar lentamente cimientos con sintetizadores lentos para luego desatarse con agresividad. En lo musical me recuerdan un poco a Katatonia, sobre todo en las partes de voz limpia y más lentas como la que hay a mitad de la canción, aunque ellos se aseguran de darle mucha presencia a su parte más agresiva.

Con «The Great Devouring» la fórmula musical cambia un poco con respecto al tema anterior. Aquí, tras la introducción nos encontramos con una parte más melódica, que luego va in crescendo hasta un estribillo más potente, con los guturales en primer plano y las voces limpias en un segundo como si fueran eco. Luego paran y vuelven a ir creciendo otra vez repitiendo la fórmula. «Cradled By Fire» tiene un riff inicial que me ha recordado inmediatamente a «Pneuma» de TOOL, y en las primeras estrofas ha provocado que tenga una cierta sensación de familiaridad con ella, aunque realmente sigue su propio camino. De esta composición me ha gustado que la voz limpia tenga un poco más de presencia, dándole un aire algo más dramático y con más sentimiento a algunos de sus pasajes.

«A Tomb Between The Stars» es una pista de transición, apenas tres minutos de música con sintetizadores que evoca un ambiente espacial, y con una narración de fondo. Un momento de quietud antes de llegar a las dos últimas del trabajo. «Abysmal Flower» es casi un tema de post-doom, en la que el estribillo lo domina la voz limpia para darle un mayor dramatismo. Pasada la mitad de su minutaje hay un parón con unas narraciones de fondo que nos devuelven a su predecesora, y luego estalla en un final absolutamente apoteósico lleno de fuerza, garra y crudeza. Y terminamos con «Iconoclast», más de ocho minutos donde Dropwnship echa el resto y pone toda la carne en el asador. Es más progresiva, con unos cortes y cambios más marcados, incorporando una voz femenina para darle una mayor riqueza y un sabor mucho más melódico a las partes melódicas. Particularmente me parece uno de sus mejores temas, mucho más maduro, y si marca el futuro de la banda tengo muchas ganas de ver cómo evolucionan con el tiempo.

En definitiva, «Tidal Passages» me ha parecido un álbum que peca un poco de monótono. Quizá sea porque la atmósfera post-metalera se traga en exceso la garra y, sobre todo, las voces, pero es como si no hubieran terminado de dar con la tecla. Aun así, en muchas de sus canciones hay momentos en los que consiguen brillantez, y el «Iconoclast» con el que terminan me ha dejado muy buen sabor de boca.

Yúbal Fernández

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8 de noviembre de 2024

Century Media Records

Adentrarse en un nuevo disco de Sólstafir es dejarse seducir por un sonido particular y muy reconocible, crudo y con mucha textura musical. También es dejarse llevar por la magia de disfrutar de canciones sin necesidad de entender sus letras, ya que están cantadas totalmente en islandés. «Hin helga kvöl» es el octavo disco de la banda, título que significa «El Santo Sufrimiento». Es una exploración cruda y profunda de las emociones, que es precisamente algo que su música consigue transmitir, y también habla de la lucha contra las dificultades y el sufrimiento al que nos enfrentamos en nuestra vida.

Al escucharlo, nos vamos a encontrar con esa bien medida mezcla entre post metal, black metal y metal clásico, aliñado con toques punk y rockeros. Tienen un sonido muy característico, con una atmósfera oscura presente en todas las canciones que hará las delicias de los amantes del rock islandés. No me refiero a esas atmósferas opresoras que parecen dejarte sin aliento de algunas bandas de black más clásico, sino más bien en una que evoca niebla, y que le da a todo un halo de misterio y misticismo. Es música muy texturizada, que casi puedes tocar, y su tacto es rasposo y crudo, es como el ruido que aparece en las imágenes de un viejo video, con colores grises como un cielo encapotado. Este trabajo propone distintos ritmos y estilos musicales. Hay algún tema totalmente blackero con una batería atronadora, otros más rockeros o lentos, pero cada uno forma parte de un todo de forma perceptible.

En este trabajo, Sólstafir está formado por la voz y las guitarras de Aðalbjörn Tryggvason, el bajo de Svavar Austmann, la batería de Hallgrímur Jón Hallgrímsson, y la guitarra de Sæþór Maríus Sæþórsson. «Hin helga kvöl» también supone el estreno de la banda con el sello Century Media. Es un trabajo magnífico y muy variado, de esos que estoy seguro que disfrutarán los asiduos a la banda, pero también quienes estén buscando algo fresco, diferente, y alejado de lo convencional.

El viaje musical comienza con «Hún andar», cuyos primeros segundos son lentos, para enseguida cambiar a un medio ritmo muy post rockero. Combina una melodía vocal melancólica con una atmósfera oscura, queda y calmada. El tema es un obituario a una persona que sigue viva, pero cuya mente ha desaparecido, y aun sin saber islandés para poder fijarse en la letra, es un sentimiento que casi puedes notar en la música.

Tras una introducción relajada, seguimos con «Hin helga kvöl», que es puramente black metalera con una batería atronadora. Suena agresiva, y con toques ochenteros a lo Slayer, todo envuelto en el paisaje sonoro de la banda. Esto hace que el sonido sea menos afilado y estridente, pero le da una crudeza y un ambiente opresivo que le queda muy bien. El tercer corte es «Blakkrakki», donde las máquinas se ralentizan para presentarnos un aire más rockanrollero y un estribillo con mucho gancho. Este ha sido uno de los sencillos lanzados por la banda en las últimas semanas, en el que se han tocado sobre un remolque a alta velocidad para mostrarnos todos los paisajes de su país.

La siguiente parada en el viaje es «Sálumessa», que es la canción más lenta del disco. Su ritmo es lento y desolador, que hace que la atmósfera sonora que caracteriza a la banda se lleve todo el protagonismo. Es una balada lenta, sin estridencias ni agresividad, solo un canto triste adornado con un ambiente sonoro que te va quitando el aire según va ganando intensidad en sus últimos minutos. Y tras este primer descanso seguimos con «Vor ás», que es una canción muy rockera protagonizada por el intercambio de frases entre la voz principal y el coro. La voz dice algo, y los coros lo repiten con un efecto muy bueno que recuerda a décadas pasadas. Su ritmo es agresivo, pero no demasiado rápido, y el estribillo es lento y se deshace en ecos lejanos en un efecto elegante que le da mucho dramatismo. Al final vuelve el juego de voz y coros, solo que ahora estos tienen voces femeninas que le da un toque muy ochentero.

El siguiente corte es «Freygátan», que empieza como una segunda balada casi desnuda, solo con voz y piano, aunque a la mitad de su minutaje entran la batería y las guitarras con unos aires muy post-rockeros, y con detalles aquí y allá, como una guitarra doblando la voz. El resultado es una balada potente y con mucha personalidad. Luego llega «Grýla», que es un estallido de rock mucho más agresivo e incisivo, casi grunge. En su segunda mitad hay un momento de calma instrumental, que sirve como preludio antes de que estalle una tormenta musical más rápida y heavy.

«Nú mun ljósið deyja» es la octava pieza del trabajo, que recoge el testigo para aumentar la intensidad de la tormenta llevándola de nuevo a un sonido mucho más black metalero. Pero a diferencia del segundo corte del disco, aquí la batería suena algo más amortiguada, lo que hace que la agresividad se sienta elegantemente dispersada por la atmósfera sonora de la banda. Y todo termina con «Kuml (forspil, sálmur, kveðja)», que es prácticamente un canto religioso. Es un tema mucho más ambiental, y totalmente diferente al resto, pero que sirve como un muy final muy oscuro que gana enteros en intensidad y dramatismo cuando al final entran todos los instrumentos.

Sólstafir es uno de esos grupos que siempre he disfrutado, pero que nunca he buscado a propósito para ponérmelo una y otra vez. Pero he de decir que este disco me ha gustado, me ha seducido y me ha convencido. Tal y como bromeé con mis compañeros antes de finalizar esta reseña, termino de escucharlo y tengo la sensación de que si toso me saldrá niebla por la boca. Y eso es bueno, porque es precisamente lo que le da a este trabajo un toque distintivo, eso que hace que la banda islandesa pueda tocar varios palos y sonar siempre como ellos mismos.

Yúbal Fernández

La entrada Sólstafir – Hin Helga Kvöl se publicó primero en Stairway to Rock.