26 de marzo de 1976

Vertigo Records

 El Jailbreak de Thin Lizzy es la cima absoluta de la música del grupo irlandés liderado por Phil Lynott. Estamos hablando de su sexta obra de estudio una vez ya en su anterior Fighting ya habían descubierto la fórmula de las guitarras gemelas, habían estabilizado su formación e iban a por todas. La dupla formada por Scott Gorham y Brian Robertson se salió literalmente y a partir de entonces las melodías de guitarra de los Lizzy pasan a ser santo y seña.

Lynott solía cuidar especialmente las letras y paseaba con varias libretas en las que iba apuntado frases y palabras para poder probar luego en las futuras canciones del grupo. Fue un disco especialmente coral y colaborativo puesto que lo de las guitarras dobladas era la premisa sobre la que se trabajaba. Fueron a un estudio con pubs lejanos para que las distracciones fueran escasas y la banda tenía claro que se la jugaban esta vez. Todos los tópicos de forajidos, rompecorazones y demás impregnan las letras de unas canciones memorables.

El disco

Todo se abre con la maravillosa “Jailbreak”, el tema en el que el grupo se escapa de la cárcel, en el que suenan las sirenas y en el que no te cruces en su huída. La cadencia del tema es fabulosa, fue single en su día y es una de las más representativas y de las que no pueden faltar en sus directos desde el día que salió a la luz. “Angel from the Coast” entronca con sus temas más primerizos con esa acústica de base y la eléctrica que se va sumando. Un tema que entra bien y convence, y que, poco a poco, va mutando a lo que eran los Lizzy del 76, jugando con las guitarras dobladas y con las diabluras percusivas del maestro Downey.

“The Boys Are Back in Town” es muy posiblemente el tema más recordado y conocido del grupo junto a la versión del “Whiskey in the Jar”. Lynott destapa el tarro de las esencias y compone algo histórico que sigue sonando en discotecas metaleras y bares del estilo. Aquí los juegos de guitarra alcanzan momentos brillantes en una composición que es candidata a aparecer en la sección “Canciones perfectas”. Llegó a ser titulada como “Here in Dallas” y “G.I. Joe Is Back” en encarnaciones primerizas de la misma.

“Cowboy Song” es otra inmensa composición que se sale un poco de la tónica del grupo. Una balada que se va acelerando con la maravillosa voz de Phil y esa batería tan original de Brian Downey. De verdad que la forma de tocar de este batería es muy diferente y poco usual y le da al grupo ese algo especial y diferenciador. Con el tiempo será una canción que quedará unida al “Boys Are Back in Town” a partir del mítico directo que grabarían unos años más tarde.

De la serie media destaca “Running Back to You”, muy evocadora y cantada con la delicadeza sutil del moreno líder. Aquí la gracia son las voces dobladas que apoyan en estribillo para un tema sencillito al que le añaden un saxo sutil. Mejoran prestaciones en “Romeo and the Lonely Girl”, 100% Lizzy y con la figura de un Romeo que es una de las referencias literarias del grupo. Medio tiempo de calidad que complementa un disco en el que hay cuatro temas que se elevan por encima de todo y que tapan al resto. Esta llegó a ser tocada en directo algunas veces durante la gira del disco.

A veces subestimamos la calidad de Lynott en el bajo, y en “Warriors” sí que quiso demostrar y protagonizar otra canción muy icónica que sería la quinta joya del disco. Esta en cualquier otra obra hubiese lucido más, pero esto es el Jailbreak y la gloria va para los temas ya citados. El solazo de Robbo es de órdago y la batería de Brian es que vuelve a asentar cátedra. Lemmy de Motörhead siempre suspiró por él… Lo consiguió con Robertson, pero nunca con Downey. Curiosamente “Fight or Fall” suena exageradamente alta, con una producción diferente quedando como lo más próximo a lo que sería una balada típica de los irlandeses.

“Emerald” cierra el disco por todo lo alto y en ella el grupo acentúa la carga de la Isla esmeralda que es Irlanda con todos los mitos milenarios. Es como si anticiparan el Black Rose que aparecería años más tarde. Suena hímnica y solemne y los juegos de guitarras con ecos la hacen inmortal y épica. Posee momentos para jugar con el público y es un tema de puro directo. Es más que una canción y es como recuperar el pasado inmortal y enfrentarlo a Inglaterra. Hay muchísimo mar de fondo en esta maravilla.

Veredicto

Muy posiblemente Jailbreak sea el disco más vendido de Thin Lizzy y el que les aupó definitivamente al estatus de leyendas. Estamos hablando de que los irlandeses consiguieron ser disco de oro en Estados Unidos, Canadá e Inglaterra, lo cual era todo un hito para ellos. Todo sonreía después de los fracasos comerciales de Nightlife y Fighting, pero estamos hablando de una banda maldita y Lynott pilló una hepatitis en Estados Unidos por lo que les tocó suspender parte de la gira.

Cuando una obra consigue encerrar en ella hasta cuatro canciones fundamentales para el grupo, define definitivamente su sonido y sirve en bandeja lo que será años más tarde el directo definitivo, es que ya ves que estamos ante algo absolutamente histórico. La portada también es icónica y te deja clara la pasión de Lynott por los cómics y esas historias cinematográficas de cine negro. Desde 2010 hasta ahora van saliendo muchas bandas de retro rock que tienen el sonido Lizzy como claro punto de partida. Y es que estamos hablando de una de las 10 mejores bandas de rock de la historia.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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La entrada Thin Lizzy – Jailbreak: 50 años de cuando los chicos volvieron a la ciudad se publicó primero en Stairway to Rock.

10 de octubre de 1980

Vertigo Records / Warner Records

Es difícil que cuando un grupo alcanza una de sus cotas más perfectas en estudio no se resienta en la siguiente obra. Los Lizzy en 1980 venían de tocar el cielo con Black Rose a la vez que el espiral de excesos de Lynott ya era más desaforado que nunca. Su mano derecha, Scott Gorham, también estaba muy metido en las dogas y el alcohol. Pero hay que añadir a ello que Gary Moore se había vuelto a largar del grupo y había que buscar un sustituto. Se optó por Snowy White y fue algo que nunca funcionó. ¿Un guitarra de Pink Floyd en Thin Lizzy? Rematándolo todo se decide que no van a contar con el habitual Tony Visconti en tareas de producción. El sumatorio de todo nos da un disco flojo, con mucho relleno en su segunda cara por mucho que haya muchísimos temas a revindicar e incluso clásicos.

Días de exceso y teclados

También hay que resaltar las cosas buenas de esta obra como son el fichaje de un jovencito (18 años) Darren Wharton a los teclados sustituyendo a un genio como Midge Ure, que llega a aparecer en los créditos. Lynott se había abierto al pop y los teclados y sintetizadores empezaban a asomar en las estructuras de los Lizzy, algo que el mismo Ure le decía a Lynott que era absurdo. La agencia de management había decidido ir más allá de la representación en exclusiva de los Lizzy y ficharon a Visage y Ultravox, ambas bandas comandadas por Midge Ure. Lynott montó en cólera, pero se rindió posteriormente a dos evidencias ese mismo 1980: “Fade to Grey” de Visage fue un éxito mundial y “Vienna” de Ultravox todavía fue más enorme. Se veía venir, pero estaba claro que Midge Ure era un genio y era pura actualidad, en Lizzy era un secundario que no encajaba. Lynott por el contrario sentía que su banda no era actual y que estaba desfasada.

La portada y concepto

El disco fue grabado en la zona londinense de Chinatown y recoge ese fenómeno internacional en el que una parte de una ciudad queda tomada por la inmigración china y esta mantiene sus creencias y sus prácticas quedando a la vista de todo el mundo. Los barrios chinos poseen una mística especial y les hacen atractivos y misteriosos. También suelen estar asociados a los bajos fondos y a los trapicheos, incluyendo las drogas, uno de los grandes motores (y frenos) para el líder del grupo. El dragón que aparece en la portada es el dragón real imperial, el emblema de los emperadores, siempre representado con las tres garras simbolizando la tríada: la más temida sociedad secreta oriental: el poder, el diablo y el dinero.

La carrera en solitario de Lynott y Thin Lizzy se solapan en un mismo estudio

Pero el problema real de todo era que el líder utilizaba las mismas sesiones de grabación de Chinatown con las del siguiente disco en solitario hasta el punto de que el resto del grupo, cuando grababa, no tenía ni la más mínima idea de si lo estaba haciendo para el nuevo disco de Lizzy o para el Solo in Soho en solitario del moreno vocalista. Era un caos absoluto. Las influencias de la música negra y su naturaleza de color le hizo abrirse a nuevos sonidos y músicas llegando a cambiar incluso algunas amistades habituales y yendo con afroamericanos y jamaicanos.

Dicen que incluso cambiaba su forma de ser cuando iba con ellos. Su nuevo matrimonio puso algo de paz, pero las críticas del disco en solitario no fueron especialmente buenas hasta el punto de que quiso romper algunas caras a críticos especializados que lo destriparon literalmente con su pluma. También se instaló en Dublín y así lo recuerda su habitual portadista Jim Fitzpatirck que lo recuerda yendo en bicicleta de casa a la iglesia.

La música

Y eso que el inicio no puede ser más rotundo con un himno del calibre de “We Will Be Strong”. Nunca entendí el por qué el grupo le dio la espalda a esta obra maestra pues estamos ante una de las canciones más perfectas del grupo. Esas twin guitars de inicio y ese tremendo estribillo con las voces dobladas de Phil ponen los pelos de punta y te dan un subidón de positividad. “Chinatown” es el típico clásico del combo que uno espera: twin guitars y la marca de siempre con una gran línea vocal y el sempieterno latido en la batería de Brian Downey. Un groove que te lleva en volandas y ese feeling que sólo ellos consiguen.

La otra genialidad del disco se coló en el Top 10 de forma totalmente inesperada: “Killer on the Loose”. Tremendo trallazo que en directo suena realmente duro y al que añaden risas malévolas. Lynott quería un poco acercarse a la corriente del NWOBHM, puede que, en parte, ese sea la clave de escalar tan alto en las listas siendo tan poco Lizzy. Otra explicación es que en esos días andaba suelto un asesino: el destripador de Yorkshire.

Podríamos salvar de la quema “Genocide (The Killing of the Buffalo)” inspirada en un libro sobre el Oeste americano que le dejó Fitzpatrick. En este tema se puede ver que a nivel de letras el poeta ya no es lo que era y que la fonética le gana terreno al mensaje y a sentido. De todas formas, sigue siendo un tema que no está nada mal. La bomba melódica de “Sweetheart” está dominada por el bajo del larguirucho rizado y sorprende por lo accesible, pero también por la contundencia de los instrumentos.

Los teclados de Wharton tienen su riff y si uno escucha con atención verá la cantidad de ideas que sacaron Los Suaves de canciones como esta. Los Lizzy fueron su fuente de inspiración absoluta. Con los años me ha ido convenciendo ese “Sugar Blues” en la que el entramado instrumental es lo principal. Solos de guitarra yendo incluso más allá de su estilo.

Las referencias veladas a la heroína y a las adicciones van ganando terreno en sus letras y el amor y otros tópicos caen en desuso, aunque “Didn’t I” es baladita con exceso de pompa, arreglos de cuerda y algo de romanticismo. No pasó a la historia, aunque conectaba con algunas composiciones de sus inicios. La influencia de la música negra se hace patente en la final “Hey You”. Hay un arranque eléctrico marca de la casa, pero la locura colectiva que supuso el “London Calling” de The Clash hizo que muchos grupos vieran con muy buenos ojos las influencias jamaicanas. “Having a Good Time” completa la cara B de un disco con buenos momentos y destellos, y aquí los hay. Destellos instrumentales notables en una canción feliz con una buena línea vocal y poderosos coros.

Veredicto

Chinatown no tiene ni por asomo la calidad de las grandes obras de Thin Lizzy pero hay aquí canciones imprescindibles y momentos de brillantez absoluta por mucho que estemos ante la decadencia del combo dublinés. Adicciones, teclados, discos en solitario en paralelo… Todo se iba sumando a una mochila que cada vez pesaba más. Quedaba enterrada para siempre la ascendencia irlandesa del grupo y con ella se perdía un poco la gran referencia de Thin Lizzy. La banda mantenía su carácter pendenciero y se atrevieron en la que sería su última gira por Estados Unidos. Allí tenían fans muy devotos y entregados, pero no los suficientes.

Económicamente era un desastre. El disco llegó a ser de plata en Inglaterra, pero las cosas irían a peor con Renegade, llegando a fichar a Chris Tsangarides como productor para poder llegar a diferenciar qué canción iba para Lizzy y cuál para su material en solitario. El mismo productor de Chinatown Kit Woolven terminó en la segunda aventura personal de Lynott que pasó muy inadvertida. Afortunadamente, años más tarde, el último coletazo discográfico de Thin Lizzy sorprendió al mundo. Pero esa ya es otra historia…

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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12 de septiembre de 1975

Vertigo

Fighting… el álbum de horrible portada, con nueva formación y con la aproximación a las twin guitars que les pone en la antesala del éxito. Después de este, viene Jailbreak, pero… en Fighting ya puedes notar que el grupo tiene algo sumamente especial. Podemos calificarlos como esbozos de lo que van a ser, pero aquí ya encontramos obras maestras en un puente respecto a sus cuatro anteriores (aunque se suele considerar como el segundo disco) y lo que está por venir. El guitarrista Eric Bell ya era historia y entraba Brian Robertson, un joven escocés de armas tomar, que, unido a Scott Gorham, haría historia viva del rock, y luego se iría a Motörhead.

El disco

Muy posobemente “Rosalie”, versión genial de Bob Seger, sea lo más recordado de Fighting. Es la encargada de abrir fuego y el grupo está espléndido en nueva formación de cuatro miembros. Tema rockero de riff base y sonido cálido y real. Añadidos sutiles de teclados por parte del invitado Ian McLagan (de Faces) y coros en una composición, que mucha gente cree que es original de los Lizzy. Y la suelen tocar actualmente cuando se vuelven a encarnar como banda. “For Those Who Love to Live” ya va con guitarras dobladas a pesar de que aquí, no todavía podemos hablar del sonido twin guitars. Obviamente la dupla formada por Scott Gorham y “Robbo” Robertson ya empieza a hacer de las suyas en un tema dominado por el bajo y la voz de Phil Lynott. Sin ser un tema estelar, suena perfectamente como tiene que sonar el combo irlandés.

Y llegamos a uno de los momentos culmen en “Suicide”, tema hipnótico e hímnico. Al grupo se le nota un salto cualitativo evidente y esta composición es un clasicazo en toda regla. Hay los redobles de Brian Downey y las guitarras ya empiezan a apuntar hacia la dirección correcta y¡de su sonido futuro. La versionaron Los Suaves en su día, y si lo hicieron, fue por algo. La cadencia es muy ZZ Top, pero no es polvorienta, y letra y versos, son tan inmortales como los excelentes parones y el repartir juego. Aquí las guitarras toman el protagonismo absoluto y todo pasa a ser un festival.

Y “Wild One” es una auténtica maravilla y uno de esos temas que ya marca definitivamente el camino con las twin guitars asomando. Medio tiempo evocador con un riff antológico dominando el corte, en el que Phil, comanda a voz y bajo, con una imaginativa línea. Y el solo… pues como que ya definen lo que serán las guitarras gemelas con ese canon rápido. Pero venga, ya que hemos entrevistado a Scott Gorham, os dejamos que sea él quien os lo explique:

“Bueno, digamos que la mayoría de todo aquello fue realmente un accidente. No fue algo premeditado. Nadie dijo en ningún momento: “vamos a ser una banda de guitarras armónicas”. Lo que ocurrió fue que, en el álbum Fighting, nuestro segundo disco, Brian iba a grabar una sola línea de guitarra, y la iba a grabar dos veces. Y eso iba a ser todo. Pero lo que pasó fue que, el ingeniero, dejó un retraso en su guitarra y se retroalimentó luego, un par de milisegundos. Y se retroalimentó aquello armónicamente. Y, por supuesto, él se sintió avergonzado. “Oh, Dios, lo siento mucho… Déjame arreglar eso”.

 

Y yo le dije, “espera un momento, eso sonó genial”. Convertir esta línea solitaria en una línea armónica… Y le dije, Brian, ¿por qué no vas allí, grabas la línea, y la duplicas? Yo me quedaré en el estudio y me ocuparé de las notas armónicas y las añadiré”. Y eso fue lo que hicimos. Luego todos escuchamos el resultado y dijimos: “hombre, esto suena increíble. Suena genial”. Fue en ese momento cuando empezamos a buscar otras partes de las canciones donde pudiéramos meter estas armonías, porque, realmente, nos gustaba cómo sonaba y cómo sonaba aquello al tocarlo. El lugar donde realmente comenzó todo fue en Fighting, cuando nos esforzamos mucho para crear todas esas líneas armónicas”.

“Fighting My Way Back” es otra excelente canción, da título al disco, y es que en esos años los puños volaban cuando salían de fiesta. Hacían un poco de trampa, porque a sus roadies les encantaba entrar al trapo y darse de ostias con la excusa de proteger a sus chicos, que daban y recibían. Y si a esa panda le metes a “Robbo”… pues os lo podéis imaginar. La canción tiene una cadencia especial con los redobles de Downey que parecen puños. De hecho, paran para que sobresalgan sin otro instrumento. Canción pendenciera, eléctrica e infravalorada.

“King’s Vengeance” es una delicia acústica de guitarras en la que se nota la huella de Zeppelin, Downey hace diabluras y el grupo se electrifica, pero el nivel va decayendo un poco y todo termina siendo un poco irregular. Si queréis un tema plenamente ZZ Top ese es “Silver Dollar”, pues parece un homenaje en toda regla a la vez que el piano, de fondo, llena la canción de aires desérticos. El tema es más que interesante, pero la acción se traslada a Chicago, lejos de su Isla Esmeralda y estamos ante algo plenamente alejado de lo que son Thin Lizzy.

En “Spirit Slips Away” estamos ante una de esas canciones que evocan a sus primeros discos y en las que el feeling se combina con unos momentos en los que bajo y batería dominan sonando todo grave y triste. Lynott está excelente a las voces, y transmite, pero tampoco es lo más recordable de un disco, que no es de los favoritos de los fans. “Freedom Song” es otra de esas composiciones infravaloradas en las que las twin guitars brillan y en las que Phil no se queda corto y juega con su bajo siguiendo las armonías con clase sobrada. Cierra el disco “Ballad of a Hard Man”, que, curiosamente, posee bastante de lo que serían Motörhead. Que Robertson esté aquí no me parece baladí ni mucho menos…

Veredicto

Es curioso que el disco Fighting de Thin Lizzy posea la portada más fea, y que, a la vez, sea el inicio de todo. Descubren la fórmula y lo que viene a partir de aquí, ya es todo gloria. Nada mal para una banda de irlandeses fiesteros que defendían su orgullo con los puños y a los que se les sumaba un “Robbo” desatado creativamente, pero también en lo agresivo. Técnicamente y compositivamente hay un mundo respecto al anterior, y si hasta la fecha lo que brillaba por encima de todo era la voz y bajo de Lynott junto a la inmensa batería de Downey… ahora son las guitarras las que piden paso.

Llegó en Inglaterra a la posición 60 en las listas y la cosa iba creciendo en la buena dirección. Y todo eso a pesar de que la portada, como ya hemos dicho varias veces, es horrible… pero es la única de todos los discos del grupo que posee el logo por el que conocemos a Thin Lizzy. Aunque parezca mentira, este es el único álbum (que no es recopilatorio) que tiene en portada el mítico logo de los Lizzy. Y a cada año que pasa, más de rodillas estoy ante Phil Lynott y su legado. No hay banda igual a ellos, en todos los sentidos, habidos y por haber.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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“Black Rose” también es un clásico, con unas voces únicas, pero ante todo y personalmente considero a Thin Lizzy como a un grupo infravalorado. Ahora ellos continúan como Black Star Riders… ¡y continúan firmando unos directos increíbles!” Geoff Thorpe (Vicious Rumors)

El gran público conoce a Thin Lizzy por dos temas básicamente: “Whiskey in the Jar” y “The Boys Are Back in Town”. Dos obras maestras que un poco han tapado todo el inmenso legado del grupo. Se suele opinar que el mejor disco de los irlandeses es el Jailbreak, y, de hecho, las cifras hablan por sí solas, pero sorprendentemente Black Rose: A Rock Legend llegó hasta el número 2 de las listas británicas y a disco de oro en las Islas. Pero banda y fans suelen considerar esta obra como la más grande de todas.

No es para menos pues Thin Lizzy estaban en un buen momento y habían reclutado a un inmejorable guitarrista para suplir la baja de Brian Robertson: Gary Moore. “Cara-cortada”, norirlandés, estuvo entrando y saliendo de los Thin Lizzy debido a sus desavenencias con su líder Phil Lynott. Dos gallos en un gallinero es muy complicado, y ambas personalidades chocaban constantemente. De hecho, esta fue la vez que más tiempo estuvo Moore con ellos, obviamente no llegó ni a empezar la gira, pero por vez primera tuvo voz y voto a la hora de componer el disco. Pronto volaría solo ayudándose de Lynott y parirían obras maestras juntos. Pero la clave de «Black Rose», el disco y la canción, es Gary Moore.

“¡Esta canción es toda una aventura, especialmente en directo! Este tema es efectivamente lo mejor del folk-rock/metal y destaca casi todos los puntos fuertes de las habilidades que desplegaban Thin Lizzy, tanto individuales como como de banda completa. La música puede balancearse, hacerte bailar, suenan las twin guitars, se cantan grandes melodías y se cuenta una gran historia. Una gran canción para encapsular todo el sonido Thin Lizzy.” Will Richards (City of Thieves)

La fama del grupo se la reportó el hecho de versionar la tradicional irlandesa “Whiskey in the Jar”, ¿así que por qué no volver a probar fortuna otra vez mezclando las ya asentadas twin guitars con las melodías tradicionales de la Isla esmeralda? Thin Lizzy eran ya estrellas. Lejos quedaban sus inicios en los que los borrachos de los pubs les lanzaban de todo y les decían de todo al tocar rock y no material irlandés.

Defendieron con los puños decenas de veces su honor e integridad en los pubs de mala muerte y les encantaba siempre una buena pelea. ¿De dónde creéis que nace el corte en la cara de Moore? Para rematar la provocación recordemos que Lynott era un altísimo negro de madre blanca y padre desconocido en el país más católico del mundo. Él mismo era una provocación con (largas) patas.

“Es un tema muy potente. Es una lástima que a hoy en día ya no se hagan canciones con este tipo de estructuras de más de siete minutos y que te permitan desarrollar esa capacidad de guitarras. Solemos escribir temas con una fórmula más usual (que no sencilla) porque los productores un poco te empujan a ello. Yo he optado por hacer lo que me da la gana, pero también escribo temas más tópicos.” Luís Tormo (Another You)

El origen

La canción está basada en otra canción llamada Roisin Dubh, nombre de la hija de un conde del siglo XVI. Hay contenido político en la metáfora de la rosa negra siendo Irlanda y de protegerla de la amenaza inglesa. Con el tiempo este texto ha terminado siendo uno de los poemas más conocidos de la historia irlandesa pues fue escrito en gaélico y se ha musicado en infinidad de veces. Fue el punto de partida y la inspiración para un disco que culminó con la preciosa portada de la rosa por parte de. He conocido gente que lleva justo ese tatuaje con esa rosa negra salpicada de sangre.

“Thin Lizzy siempre ha sido una gran influencia, y es una banda de excelente musicalidad. Lynott tiene una manera increíble de contar historias con su voz. Realmente me gustó que siempre mantuvieran una gran influencia de su herencia irlandesa, que también se ve plasmada en esta canción. Y, por supuesto, “Black Rose” tiene unas guitarras increíbles, Moore y Gorham … ¡qué dúo de guitarras!” Tore Ostby (Conception)

El tema en cuestión cierra el disco y lo hace de una forma abrumadora. Es la demostración de que Lynott y Moore juntos podían hacer magia, y, de hecho, la hicieron posteriormente en temas de ambos como “Parisienee Walkaways” o “Out in the Fields”. Pero la cima de todo es “Black Rose”, de hecho, Moore ve claro que la influencia folk es la vía por la que tiene que apostar y esta cristalizará posteriormente en maravillas como “Over the Hills and Far Away”. La composición base y las letras son de Lynott pero el épico solo en el que se empalman canciones tradicionales irlandesas es la demostración de que Gary era un fuera de serie a todos los niveles.

Técnicamente es excepcional y el hecho de tratar las melodías con cánons hace que la belleza musical aflore de forma encadenada. Cada fragmento supera el anterior. Pero señores/as, estamos hablando de Lynott y Moore en la cima. Eran amigos, pero, ante todo, rivales, por lo que el bajista decidió poner lo mejor de sí en las letras, que son otra maravilla, especialmente cuando termina con esos juegos fonéticos en lo que cita a lo más grande de Irlanda. Sí, ante todo Thin Lizzy era una banda tremendamente nacionalista irlandesa.

“Black Rose”… apasionada, triste, pero heroica. Tiene toda la belleza del metal primigenio. Cuenta con unas hermosas y enérgicas interpretaciones por parte de todo el grupo, y una tierna, pero a la vez dura interpretación vocal, muy apasionada, por parte de Phil Lynott. La canción tiene un sabor distintivo que es reconocible desde el primer instante, y creo que es una tema excelentemente escrito, el cual podría ser fácilmente versionado en unplugged. Pero seguiría siendo toda una experiencia completa dentro del metal/rock”. David DeFeis (Virgin Steele)

El marco histórico

La grabación fue bastante caótica a todos los niveles. Ya había llegado la oferta de disco en solitario para Lynotty Moore estaba preparando también el suyo. El moreno vocalista siempre dio prioridad a los Lizzy pero utilizó las sesiones de grabación, las horas de estudio y los miembros de la banda para hacer ambos discos. Estos vasos comunicantes, sumados a la exploración del líder hacia otro tipo de estilos, terminó con el disco Black Rose algo contaminado, y hay muchos que consideran que los Thin Lizzy permeabilizaron el pop. Para muchos es también el último gran disco de la banda desde la perspectiva clásica. Lo que vino después ya fue otra cosa.

“Estuvimos a punto de tocar en Madrid con Thin Lizzy con el lanzamiento de octubre y cancelaron la gira en el ultimo momento, hubiera sido una experiencia increíble, Black Rose refleja el sonido de la época con una guitarra muy protagonista en todo momento de la canción, momentos extensos instrumentales muy trabajados, el momento del punteo es un clásico, cambios bruscos originales que pasan de lo denso a lo rítmico, es un tema que transmite muy buen rollo y que te descoloca desde el segundo uno, quedarnos con un tema perfecto de Thin Lizzy es complicado debido a que son totalmente dispares entre ellos, Chinatown es un temazo y no es tan complejo compositivamente hablando”. Fernando Pleite (Siddharta)

Lynott el gran conquistador de mujeres fue padre de “Sarah”, un padre orgulloso hasta el punto que le dedicó para el disco un tema que llevaba el nombre de la niña. Curiosamente es la segunda canción de Thin Lizzy llamada “Sarah”, algo nada común en ninguna banda. Pero el que es cazador es cazador… Lynott fue invitado a un certamen de Miss Mundo y tiró la caña a la ganadora siendo él jurado. De vueltas al estudio afirmaba que se lo había montado con Miss Brasil en los lavabos.

El alcohol y las drogas estaban sobre la mesa y Tony Visconti, el productor, no era precisamente un angelito por mucho que se quejara de lo contradictorio que era grabar un tema como “Got to Give It Up” (tengo que dejar las drogas) mientras Lynott se drogaba a cantidades industriales. En esos tiempos la escalada violenta del IRA fue brutal (en los 70) pero el grupo decidió no entrar en terrenos pantanosos si bien a nivel político el apoyo de los músicos era evidentemente hacia la causa irlandesa.

“Temazo de los irlandeses, me flipa como han hecho una oda a su tierra mezclando un sonido folk con el estilo propio de Thin Lizzy. Un clásico donde los haya.” (Aquelarre)

La letra de la canción

La canción es el último ejercicio que hizo Lynott cantando sobre la Irlanda mítica, cerraba el disco y un poco significaba el final de muchas cosas, entre ellas que los Lizzy ya no volverían a ser nunca más los mismos a pesar de ofrecer buenas canciones y algún buen disco. También la espiral autodestructiva de Phil estaba en un punto de no retorno el cual le llevaría a la muerte. Recupera en las letras el pasado bélico de la Isla Esmeralda y la letra un poco es como si un hijo le pidiera a su padre o abuelo que le contara esas viejas leyendas.

Posiblemente Manowar tomarían esa misma idea para esa preciosa pieza que fue posteriormente en “The Warriors Prayer” con el hijo preguntándole al padre. La línea vocal es espectacular y todo se inicia de forma pausada y épica. Hasta cierto punto recuperan la idea de la brillante “Emerald”: espadas, historia e Irlanda. El primer verso nos pone en situación:

«Tell me the legends of long ago
When the kings and queens would dance in the realm of the Black Rose
Play me the melodies I want to know
So I can teach my children, oh»

Aquí se pide la historia del joven Cuchulainn, el considerado Aquiles irlandés, de la tradición norirlandesa y escocesa. Son las historias del llamado ciclo del Ulster y de la mitología irlandesa. Las aventuras del héroe son célebres y sólo se le pudo vencer en batalla cuando el cuervo se posó sobre su hombro para beber su sangre. Las historias del mítico cuervo negro irlandés en batalla merecen otro reportaje…

«Pray tell me the story of young Cuchulainn
How his eyes were dark his expression sullen
And how he’d fight and always won
And how they cried when he was fallen»

Sigue el recorrido por la Irlanda mítica y ahora le toca a la reina Meadbe, regente de Connacht. Cambió el nombre de sus siete hijos para cumplir una profecía de un druida y cometió infanticidio.

«Oh tell me the story of the Queen of this land
And how her sons died at her own hand
And how fools obey commands
Oh tell me the legends of long ago»

Aquí se cita a la montaña de Mourne en Irlanda del Norte, pero irrumpe por sorpresa una referencia al género que siempre había cautivado a Phil Lynott: el Oeste, el Western. De entrada, parece algo muy fuera de contexto, pero casa perfectamente con lo que es Thin Lizzy en esencia. “Shenandoah” es una palabra de los indios norteamericanos traducido a veces como “hija de las estrellas” o “Guerrero cazador”, pero aquí nos anticipa una de las canciones que formará el mix folk posterior. Hasta cierto punto podemos verlo como una especie de canon en el que se anticipa el título para que luego aparezca en posterioridad el tema. ¿Otro juego-pique con Moore desde lo artístico?

«Where the mountains of Mourne come down to the sea
Will she no come back to me
Will she no come back to me
Oh Shenandoah I hear you calling»

Toda la canción es una exaltación de la naturaleza virgen y a los tiempos pasados con referencias a ríos y montañas. Otra vez anticipa la letra otra canción que está por aparecer luego: “Will You Go Lassie Go”.

«Far away you rolling river
Roll down the mountain side
On down on down go lassie go
Oh tell me the legends of long ago»

Cuéntame esas historias míticas y esas melodías para que pueda explicárselas a mis hijos. Un poco intenta mantener vivo el pasado para volver a referencias los tiempos de la Rosa Negra y declara que Roisin Dubh es su único amor auténtico. Una declaración de amor en toda regla a Irlanda. Recordemos que el símbolo de la rosa negra simboliza a Irlanda en sus momentos de necesidad contra sus opresores.

«When the kings and queens would dance in the realms of the Black Rose
Play me the melodies so I might know
So I can tell my children, oh
My Roisin Dubh is my one and only true love»

“Sí, me gustan los Lizzy. Tienen mejores canciones que esta, y no tengo ningún apego real por ello, pero es una gran canción.” Johan Carlsson (Sparzanza)

Y mientras el inmortal riff de guitarra se mantiene entre bellos punteados la letra empieza un tributo gracioso y sumamente trabajado citando a lo más granado que ha aportado Irlanda al mundo de las letras y en otras disciplinas. Ojo, Irlanda e Irlanda del Norte. Aquí aparecen juegos de palabras con los nombres y apellidos de William Butler, Oscar Wilde, el futbolista George Best, Van Morrison, Brendan Behan (con un papel enormemente activo en el IRA), George Bernard Shaw y John Millington Synge.

También hay una referencia a la gran hambruna de Irlanda en el verso “Starvation once again”. Y rizando el rizo se dedica a citar anteriores temas de Thin Lizzy como el “Whiskey in the Jar”, el disco Vagabonds of the Western World, “Rosalie” o ese bello final que queda en fade out“It’s a Long Way to Tipperary”. Cuando Moore alcanzaba la cima musical en el grupo en lo técnico y musical Phil hacía lo propio con una de las mejores letras que jamás escribió.

«It was a joy that Joyce brought to me
While William Butler waits
And Oscar, he’s going Wilde
Ah sure, Brendan where have you Behan?

Looking for a girl with green eyes
My dark Rosaleen is my only colleen
That Georgie knows Best
But Van is the man.

Starvation once again
Drinking whiskey in the jar-o
Synge’s Playboy of the Western World
As Shaw, Sean I was born and reared there.

Where the Mountains of Mourne come down to the sea
Is such a long, long way from Tipperary»

La música

La entrada es poderosísima y solemne marcada por la siempre intrincada y difícil batería de Brian Downey. De verdad, sus patrones son muy complicados si alguna vez intentas atacarlos cuesta horrores pillarlos. Phil narra la letra mientras se acompaña del resto de instrumentos rockeros. El riff final entre los versos es evocador, sonando a espacio abierto y con las inconfundibles twin guitars, esta vez con un poderoso aire irlandés muy folk.

“Thin Lizzy son una gran y legendaria banda con un nivel altísimo en cuanto a himnos y canciones clásicas. “Black Rose” es una gran canción clásica que también podría ser considerada como una canción de folk metal.” Keith Fay (Cruachan)

Y aquí cuando se canta el “Far Away” ya Moore destapa el tarro de las esencias y empieza a encadenar piezas de la vieja Irlanda empezando por la citada “Shenendoah”. Llegan los juegos de canons en los que una misma melodía se repite unos compases más tarde, todo ligado mientras el bajo de Phil golpetea fuertemente las cuerdas. Lo que hacen Gorham y Moore es un ejemplo de la belleza que puede alcanzar la guitarra eléctrica.

Primero tiran de “Shenandoah” para pasar a “Will You Go Lassie Go”. Luego es turno de “Danny Boy”, una de las canciones más célebres de la música folk irlandesa. Cuando se ataca la festiva y tradicional “The Mason’s Apron” se le da al solo una salida exquisita contrastando las guitarras eléctricas con lo que hacían los Dubliners con los violines. Los redobles de Brian Downey y el constante acelerón de las guitarras de Moore y Gorham son memorables.

“No es mi canción favorita de Lizzy ni mucho menos. Nunca fui un fan de ellos, yendo por el sendero folk. Tiro más por su lado más rockero.” Nicke Royale (Hellacopters, Lucifer, Imperial State Electric…)

“Me gusta cualquier cosa grabada de los Thin Lizzy.” Angry Anderson (Rose Tattoo)

Veredicto

“Black Rose” de Thin Lizzy es una de las más grandes canciones del rock y una de las más rutilantes demostraciones de la belleza que puede transmitir un duelo de guitarras eléctricas. Como las grandes canciones que suelen aparecer por esta sección es un tema largo y que combina con otros estilos, en este caso el rock duro se da de la mano con el folk. El motor de las grandes bandas suele ser la pugna constante entre dos genios que lideran el proyecto y en el juego de ceder e imponer.

Lynott y Moore se admiraban tanto que casi ni se soportaban. A nivel de letras estamos hablando de una de las más grandes cimas de la poesía de Phil, y pillando los últimos fragmentos veo una futura influencia para otro genio como fue Martin Walkyer y los Skyclad. Esa banda de Newcastle llegó a versionar también a Thin Lizzy, concretamente el “Emerald”. Si todavía no la has escuchado ponle remedio ya. “Whiskey in the Jar” y “The Boys Are Back in Town” son soberbias, pero la «Rosa Negra» es algo superior.

¡No conozco “Black Rose”! ¡Lo siento! Pero para mí personalmente mi canción favorita de Thin Lizzy es “The Boys Are Back in Town” ¡ESA ES UNA CANCIÓN ALUCINANTE! Eso es Thin Lizzy para mí…” Manuel Mijalkovski (Red Partizan)

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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Autor: Graeme Thomson

2017 (Es Pop Ediciones)

 Soy poco objetivo siempre con Phil Lynott y Thin Lizzy. Me parecen, y de largo, una de las más grandes bandas de la historia del rock a pesar de que siempre estuvieron malditos y que, a pesar de todos sus logros, siguen siendo unos completos desconocidos para el gran público más allá de “The Boys Are Back in Town” y “Whisky in the Jar”.  Su historia es apasionante, y nunca antes nos la habían contado como lo hace Graeme Thompson. Hay muchas biografías sobre Lynott, pero este exhaustivo trabajo es un auténtico disfrute si lo que queréis son detalles íntimos de todas las etapas de Lynott.

Thomson se sumerge en la vida del genio a base de entrevistas y sigue con la gran incógnita de la infancia de Lynott en el orfanato de Inglaterra. Lynott nunca soltó prenda sobre esos años, pero quedó claro que le marcó de forma definitiva. Las referencias al orfanato están en títulos, nombres de sus bandas y en las letras. Ya llegado a Dublín gracias a los esfuerzos de su madre Philomena, Lynott cultivó su leyenda jugando con que era el primer negro llegado a Dublín. Nunca lo tuvo fácil en el país más católico de Europa, y más con una madre blanca y un padre desconocido.

A Lynott le gustó siempre fantasear con quién era su padre, pero la realidad le dio de bruces ya que el tipo vivía en Dublín y vendía sombreros a cuatro calles de su hogar. Phil forjó sus letras a partir de la lectura de tebeos y de las historias míticas irlandesas. Un mix precioso que hizo de él un auténtico defensor de la causa irlandesa, plasmando su nacionalismo en letras y discos. El difícil auge hasta “Whisky in the jar”, la irregular carrera de Thin Lizzy y sus primeras bandas como Skid Row en la que contó con un chaval recién llegado de Irlanda del Norte llamado Gary Moore. La relación de amor, respeto y competición con Moore merece un capítulo aparte… casi un libro.

Los Lizzy nunca tuvieron suerte. Todo se torcía cuando parecía todo hecho. Los muchos guitarristas que pasaron por el grupo fueron todos geniales, pero el defender con los puños el honor del grupo y las peleas en pubs terminarían siendo otro obstáculo, y más cuando Phil nunca le hizo ascos a una buena pelea. Los capítulos finales dedicados al descenso al infierno de la heroína son absolutamente desgarradores.

Pocos reconocían ya al Phil perfeccionista y presumido que siempre vivió como una rock star de manual. Thompson es crítico con todas sus obras y no idealiza los discos como hacemos los fans. Nos habla en boca de los protagonistas de todos los muchos problemas y estados mentales del grupo a la hora de afrontar las grabaciones, también de cómo aprendió de Slade y de Queen a la hora de forjar su personalidad en directo.

Para el recuerdo quedará siempre la icónica imagen de Lynott con sus largas piernas abiertas aferrado a ese bajo con el que lanzaba destellos de luz para elegir a las chicas que más le gustaban, pero también esas canciones inmortales en las que las “twin guitars” arrasan con todo y te transportan a la Isla Esmeralda.

Su estatua en el centro de Dublín, delante del pub Bruxels, es una parada obligada para todos sus fans, tanto como la de Molly Malone. Si desconocéis al grupo, tratad YA de haceros con un recopilatorio, y si lo sois, dadle una oportunidad a sus dos discos en solitario. Hay muchas bellas historias en la historia del rock, pero pocas tan bonitas como la de Phil Lynott.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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