22 de enero de 2001

Steamhammer

Cuando Crystal Empire se publicó el 22 de enero de 2001, el power metal europeo vivía una encrucijada silenciosa. El género había conquistado una identidad propia durante los años noventa, especialmente en Alemania, pero empezaba a mostrar signos de agotamiento creativo. Bandas como Helloween, Blind Guardian o Gamma Ray ya habían establecido los códigos: velocidad, épica, melodías luminosas y una imaginería fantástica que funcionaba tanto como evasión, tanto como declaración estética.

Pero era un poco “más de lo mismo”. En ese contexto, Freedom Call no irrumpieron como revolucionarios, sino como artesanos convencidos de la pureza del género, dispuestos a reivindicar sin complejos la vertiente más optimista y grandilocuente del metal melódico. Lo que yo siempre he denominado el “metal buenrollero”, no sé si me seguís.

Freedom Call se formaron en Núremberg en 1998 alrededor del vocalista y guitarrista Chris Bay, acompañado inicialmente por Daniel Zimmermann (batería), Ilker Ersin (bajo) y Sascha Gerstner (guitarra). Desde el principio, la banda tuvo clara su misión: recuperar la esencia más positiva del heavy y el power metal, huyendo deliberadamente del cinismo y la oscuridad que dominaban gran parte de la escena metalera a finales de los noventa.

Chris Bay lo explicaba sin rodeos en una entrevista concedida a Rock Hard (2001) poco después del lanzamiento del disco:

“Nunca entendí por qué el metal tenía que ser siempre oscuro o negativo. Para mí, el metal también puede ser luz, esperanza y alegría. Crystal Empire es exactamente eso”.

Esa declaración resume el espíritu del álbum. Freedom Call, quienes ni ocultaban ni disimulaban sus influencias —Helloween, Gamma Ray, Iron Maiden—, hacían de Crystal Empire una afirmación ideológica: el power metal melódico sigue vivo y no hay que pedir perdón por ello. Incluso, un cuarto de siglo más tarde, Crystal Empire se mantiene como uno de los discos más representativos del power metal alemán de principios de los dos mil, no por su audacia, sino por su honestidad. Es éste un álbum que no pretendía reinventar nada, pero sí recordar por qué ese sonido seguía teniendo sentido cuando el metal extremo, el nu metal y otras corrientes más agresivas copaban titulares y ventas.

El disco

El álbum fue grabado en los House of Music Studios y producido por Charlie Bauerfeind, un nombre clave en el sonido del power metal alemán, responsable de trabajos para bandas de la talla de Blind Guardian, HammerFall o Helloween. Su participación fue decisiva para dotar al disco de una producción limpia, poderosa y extremadamente pulida, acorde con los estándares del género en ese momento.

Bauerfeind comentaba en Metal Hammer Germany en 2001:

“Freedom Call tenían muy claro lo que querían: un disco grande, épico y melódico, sin artificios modernos. Mi trabajo fue asegurar que cada coro sonara tan grande como ellos lo imaginaban”.

Esa claridad de ideas se refleja en un disco que, apuesta por estructuras clásicas, estribillos coreables y una instrumentación que prioriza la melodía por encima de la complejidad técnica. No hay aquí alardes progresivos ni experimentos forzados; Crystal Empire suena exactamente como Freedom Call querían que sonara.

Desde su portada —una ciudad cristalina suspendida en un cielo irreal—, el disco deja claro que su universo conceptual se sitúa en el terreno de la fantasía épica, aunque sin una narrativa cerrada. Más que contar una historia concreta, Crystal Empire construye un estado de ánimo, una sensación de elevación constante. Lo que os decía más arriba, “buenrollismo” de la primera a la última canción.

La crítica especializada fue consciente de ello desde el principio. En su reseña original, Metal Hammer (2001) escribió:

“Crystal Empire no busca sorprender; busca convencer. Y lo logra gracias a una colección de himnos de power metal puro, sin complejos ni ironía”.

Esa ausencia de ironía fue, para algunos, su mayor virtud; para otros, su principal limitación. Pero incluso las críticas más tibias reconocieron la solidez del trabajo. Kerrang! señaló en su edición europea de 2001:

“Freedom Call no reinventan el género, pero lo ejecutan con una convicción que muchas bandas más veteranas parecen haber perdido”.

En términos comerciales, Crystal Empire funcionó razonablemente bien para una banda joven. No fue un superventas, pero consolidó a Freedom Call como una realidad dentro del circuito europeo, especialmente en Alemania y países como España, Italia o Francia, donde el power metal mantenía una base de seguidores fiel.

La revista española Heavy Rock (2001) destacó en su crítica:

“Freedom Call demuestran que el power metal puede seguir siendo épico y emocionante sin caer en la autoparodia”.

Sin embargo, también hubo voces críticas que acusaron al grupo de exceso de dulzura. Terrorizer (2001), más centrada en sonidos extremos, fue menos benévola:

“Crystal Empire es tan luminoso que a veces roza lo empalagoso, aunque nadie puede negar la calidad de su ejecución”.

Esa dicotomía acompañaría a Freedom Call durante toda su carrera: amados por quienes buscaban evasión y melodía, cuestionados por quienes reclamaban mayor riesgo o agresividad.

Con el paso del tiempo, Crystal Empire se ha consolidado como uno de los pilares fundamentales de la discografía de Freedom Call. No solo porque contiene algunos de sus temas más emblemáticos, sino porque define un sonido y una actitud que la banda mantendría, con matices, en trabajos posteriores como Eternity o The Circle of Life.

Chris Bay reflexionaba sobre el álbum años después, en una entrevista para Powerplay Magazine:

“Cuando miro atrás, Crystal Empire sigue representando lo que somos. Tal vez hoy haríamos algunas cosas de otra manera, pero la esencia seguiría siendo la misma”.

Veredicto

Si nosotros miramos el álbum desde la perspectiva actual, en 2026, Crystal Empire no suena moderno, ni pretende hacerlo, ni falta que hace. Y creo que esa es también la magia que nos embarga cuando reescuchamos discos que tienen ya 25 años. Ciertamente, su producción, sus coros y su estética pertenecen claramente a una época concreta, pero eso no ha jugado en su contra. Al contrario: el paso del tiempo ha reforzado su condición de documento representativo de una era del power metal europeo.

Los artífices, Freedom Call, levantaron su imperio de cristal sin cinismo, sin dobleces y sin miedo al ridículo. En una escena que, en los dos miles, era cambiante, industrial, y ciega por la búsqueda de lo innovador, y que, a menudo, se tomaba demasiado en serio las cosas, Crystal Empire aparece como una declaración de principios que, un cuarto de siglo después, sigue brillando con la misma intensidad: el poder del metal melódico puede redimirnos y esperanzarnos para seguir hacia adelante.

Jordy Stanley

Jordy Stanley. Profesor de Lengua y Literatura, historiador y freaky en general, posee diferentes obras de ámbito académico y divulgativo. Su último libro, Conan a lo largo de los filmes (PanoArtBooks, 2022) ha agotado sus dos ediciones. Entre lo destacado de su discografía, podemos hallar Henry Dark (2009), de su anterior banda, HENRY DARK y el flamante LP, KISS my Covers (2024), donde tributa a KISS, la banda de su vida, de una manera muy particular. Guitarrista y cantante, otra de sus múltiples facetas es la de youtuber y redactor musical.

La entrada Freedom Call: Crystal Empire: 25 años de la consolidación del happy metal europeo se publicó primero en Stairway to Rock.

Día 2 – SphinX, Shakra, Sonata Arctica, Heidevolk, Týr, Accept, Ensiferum, W.A.S.P., Vita Imana, Saurom, Vhäldemar.

Día 3 – Wheel, Blackbriar, Eluveitie, Freedom Call, Tankard, Uriah Heep, Primordial, Opeth

Yolanda Sabater Algarra

Nanotecnóloga y química de formación y amante de la música como pasión. Me gusta la música en todas sus vertientes. Empecé tocando el violín y de la música clásica pasé al rock y al metal (mis primeras bandas fueron AC/DC y Mägo de Oz, por supuesto). No tengo muchas bandas predilectas, aunque Rulo siempre encabeza el podio. Helloween, Volbeat o Greta Van Fleet le siguen de cerca. Mis gustos han cambiado a lo largo de los años pero siempre abierta de mente, así que le doy al hard rock, al power, al death metal (melódico) y a todo lo que me haga descubrir cosas nuevas o me sepa impresionar.

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19 de julio de 2025 – Marenostrum, Fuengirola 

Z! Live

Fotos: Tigran Grigorian

Crónica: Maria Grigorian

Wheel

Aunque Wheel actuó temprano, su sonido tuvo la fuerza y frescura que uno esperaría en los momentos culminantes del festival. Más allá de la hora, la banda entregó una ejecución precisa y enérgica, que superó incluso la vivacidad de sus grabaciones en estudio.

Su rock no es una reliquia del pasado, sino una corriente vibrante que conecta la energía clásica con matices actuales, manteniendo la atención y elevando el ánimo de la audiencia durante toda su hora sobre el escenario. Fue un arranque sólido y convincente, demostrando que el momento del día no define la potencia del show.

Blackbriar

A las 18:30, la actuación de Blackbriar destacó por la presencia inusual de la voz femenina en un entorno tan imponente como el castillo. La cantante desplegó un timbre delicado pero con carácter, que contrastaba con la solidez de la música y el ambiente sombrío alrededor.

Su voz parecía flotar entre las piedras antiguas, aportando una nota de feminidad y sensibilidad que sorprendió en ese espacio frío y oscuro. La combinación de melodías cuidadas y la energía contenida de la banda creó un contraste interesante, donde la oscuridad no era solo peso, sino también textura.

Fue una actuación que, sin buscar grandes efectos, dejó una impresión particular gracias a esa mezcla de fuerza y delicadeza en la voz, tan poco común en un escenario así.

1. Crimson Faces
2. I’d Rather Burn
3. Arms of the Ocean
4. Floriography
5. Harpy
6. Far Distant Land
7. Deadly Diminuendo
8. Cicada
9. Until Eternity
10. Outro

Eluveitie

El sol empezaba a bajar sobre la Costa del Sol cuando Eluveitie tomó la escena principal. Con su mezcla característica de death metal melódico y música folk celta, ofrecieron un repertorio amplio, que llevó al público por distintos paisajes emocionales.

Temas intensos y rítmicos se alternaban con momentos más introspectivos, donde las flautas, violines y voces limpias ganaban protagonismo, generando un contraste que ya es sello de la banda. La puesta en escena fue sobria pero elegante, confiando más en la fuerza de la música que en el artificio visual.

El público acompañó con calidez creciente, especialmente en los tramos más melódicos, donde no faltaron coros ni gestos de complicidad. El cierre con Inis Mona, coreado con entusiasmo, puso el broche a una hora de concierto bien construido, donde Eluveitie demostró que su conexión con lo ancestral sigue tan viva como siempre.

1. Helvetios
2. Ategnatos
3. Prodigal Ones
4. Exile of the Gods
5. A Rose for Epona
6. Epona
7. Deathwalker
8. Call of the Mountains
9. Ambiramus
10. King
11. Premonition
12. Inis Mona

Freedom Call

La actuación de Freedom Call en el castillo ofreció exactamente lo que muchos esperaban: un set sólido de power metal melódico, con estribillos pegadizos y una puesta en escena directa. Con un repertorio que abarcó tanto temas recientes como clásicos de su discografía, la banda supo mantener el ritmo del concierto sin altibajos notables.

A pesar de no contar con una escenografía llamativa, el grupo aprovechó el entorno y se apoyó en la cercanía con el público, que respondió con entusiasmo, especialmente en canciones como Metal Is for Everyone o Land of Light.

Sin grandes sorpresas, pero con profesionalismo y energía constante, Freedom Call cumplió con su papel dentro de la programación vespertina, dejando una buena impresión entre los seguidores del género.

1. Hammer
2. Tears
3. Silver Bromance
4. Union
5. Out of Space
6. Power and Glory
7. Warriors
8. Metal is for everyone
9. Land of Light

Tankard

En el interior del castillo, cuando el sol ya no castigaba y el público empezaba a buscar sombra… Tankard trajo su propio tipo de sombra: espesa, burbujeante y con olor a malta fermentada. Más que un concierto, fue como colarse en una fiesta privada de borrachos ilustrados — con guitarras afinadas y eslóganes tallados en latas de cerveza vacías.

Su “beer metal” no es solo una pose: es casi una filosofía de vida. En medio de la sobriedad milimétrica de muchas otras bandas del cartel, Tankard ofreció un caos cuidadosamente mantenido. Un desorden que funciona. No se trata de técnica ni solemnidad: se trata de estar juntos, gritar el estribillo con medio litro en la mano (imaginario o real) y entender que, en esa comunión alcohólico-sonora, también hay verdad.

Fue una dosis de autenticidad en medio de la noche, en un lugar que —al menos por una hora— dejó de ser un castillo para convertirse en una taberna medieval con amplificadores.

Uriah Heep

Los veteranos Uriah Heep ocuparon la escena principal con la seguridad de quienes conocen su oficio al detalle. Sin necesidad de artificios ni grandes gestos, ofrecieron un concierto sólido y estructurado, donde cada pasaje instrumental y cada transición vocal demostraron décadas de experiencia sobre escenarios de todo el mundo.

El sonido, nítido y contundente, permitió que piezas tan reconocibles como Stealin’, Gypsy o Easy Livin’ desplegaran todo su potencial sin perder fuerza con el paso del tiempo. También hubo espacio para momentos más envolventes, como July Morning, que conectaron bien con el ambiente ya más sereno de la noche avanzada.

Una actuación que no buscó reinventarse, sino reafirmar el lugar que la banda ocupa en la historia del rock, con profesionalismo, temple y una ejecución limpia.

1. Overload
2. Shadows of Grief
3. Stealin’
4. Hurricane
5. Gypsy
6. Sweet Lorraine
7. The Magician’s Birthday
8. July Morning
9. Sunrise
10. Easy Livin’

Primordial

En la escena del castillo, Primordial ofreció un concierto sobrio en lo musical, pero cargado de detalles escénicos que atrajeron la atención del público. La voz profunda y áspera de su frontman no sólo sostuvo el peso emocional de cada canción, sino que fue acompañada por una presencia física marcada: su rostro cubierto de un maquillaje ceremonial oscuro y la característica peana de micrófono, ornamentada y girada constantemente en gestos calculados, aportaban un componente visual llamativo sin romper la sobriedad general del show.

Con un sonido firme y un juego de luces más dinámico de lo habitual para el entorno, el grupo irlandés presentó un repertorio denso, apoyado en estructuras largas y narrativas, que encontró buena recepción entre quienes buscaban una propuesta más introspectiva y menos directa.

1. As Rome Burns
2. No Grave Deep Enough
3. Gods to the Godless
4. To Hell or the Hangman
5. The Coffin Ships
6. Victory Has 1000 Fathers, Defeat Is an Orphan
7. Empire Falls

Opeth

Como broche final al bloque de cabezas de cartel, Opeth ofreció un concierto marcado por la densidad emocional, la complejidad musical y un impecable manejo de las atmósferas. El sonido fue especialmente potente, con cada detalle nítidamente definido, lo que permitió apreciar tanto la agresividad técnica como los pasajes más melódicos y sombríos.

La banda recurrió con acierto al uso del gran panel visual trasero, que no se limitó a acompañar la música, sino que amplificó su carga narrativa, reforzando los contrastes entre secciones pesadas y momentos de introspección. En el repertorio, piezas extensas y exigentes se sucedieron con fluidez, alternando brutalidad controlada y melancolía contenida.

Sin necesidad de grandes artificios escénicos, Opeth cerró su actuación con una solidez indiscutible, dejando una impresión duradera entre los asistentes que buscaban algo más que solo contundencia: una experiencia musical completa y absorbente.

1. 1
2. Master’s Apprentices
3. The Leper Affinity
4. 7
5. In My Time of Need
6. The Night and the Silent Water
7. 3
8. Ghost of Perdition
9. Deliverance

Yolanda Sabater Algarra

Nanotecnóloga y química de formación y amante de la música como pasión. Me gusta la música en todas sus vertientes. Empecé tocando el violín y de la música clásica pasé al rock y al metal (mis primeras bandas fueron AC/DC y Mägo de Oz, por supuesto). No tengo muchas bandas predilectas, aunque Rulo siempre encabeza el podio. Helloween, Volbeat o Greta Van Fleet le siguen de cerca. Mis gustos han cambiado a lo largo de los años pero siempre abierta de mente, así que le doy al hard rock, al power, al death metal (melódico) y a todo lo que me haga descubrir cosas nuevas o me sepa impresionar.

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Soy Daniel Oyarzabal Martínez y empecé en el mundo de la fotografía en 2019, poco a poco y por mi cuenta. Lo que al principio era solo una afición, con el tiempo se ha convertido en una verdadera pasión. Me encanta la música, y por eso disfruto especialmente haciendo fotos en conciertos y festivales. En ellos intento captar no solo lo que se ve, sino también lo que se siente: la energía, la emoción y los momentos únicos que se viven sobre el escenario. Siempre intento dar lo mejor de mí en cada fotografía.

Con el tiempo he ido encontrando mi lugar en este mundo. He colaborado con la revista This Is Rock, llevo mi página musical de Facebook «Danny Melodic Rock» y actualmente colaboro con la web MetalCry. Además, participo activamente en el Lion Rock Fest desde su primera edición.

En este artículo comparto 10 de mis fotos favoritas. Cada una de ellas tiene una historia y refleja mi forma de ver y sentir la música a través de la cámara.

1. MÄGO DE OZ – ZENTRAL PAMPLONA 2025

Comienzo con uno de mis últimos conciertos.

En esta fotografía tenemos a Rafa Blas sonriendo al personal, luces, confeti, un público entregado y el ojo de pez preparado en mi cámara.

Uno de esos momentos donde todo va a tu favor.

2. MICHAEL SCHENKER GROUP – SALA TOTEM 2025

¿Qué voy a decir de Erik Grönwall? Que, aparte de ser uno de los grandes vocalistas del momento, tuvimos la suerte de verle en su gira de este 2025 junto a Michael Schenker Group. En la foto, Erik dándolo todo en la Sala Totem de Pamplona, su gesto es un regalo visual.

3. CRAZY LIXX – LION ROCK FEST 2023

Primera edición del Lion Rock Fest y uno de mis festivales favoritos por ser fieles al Hard Rock y al Melodic Rock, en el cual colaboro como fotógrafo. En la fotografía, Danny Rexon abriendo el festival con bandera en mano, iluminación perfecta y encontrando la nitidez que tanto me gusta conseguir. Todavía recuerdo esa sensación de nervios por estar en uno de mis primeros festivales, compartiendo foso con los grandes fotógrafos.

4. MIKE TRAMP – ZURBARÁN ROCK BURGOS 2023

En la fotografía, Mike Tramp, líder de los míticos White Lion, refleja su alegría ante uno de los mejores públicos de rock para los que ha actuado. El Zurbarán Rock Burgos es uno de los festivales más auténticos por su hospitalidad y gran ambiente.

5. DARE – URBAN ROCK CONCEPT 2023

Que una de tus bandas favoritas elija tu fotografía para promocionar su gira, siempre es un auténtico honor. Dare, en una de las salas donde más cerca se disfruta de las bandas. Siempre agradeceré a Maribel y Txema la facilidad que nos ofrecen a los fotógrafos. Una y mil veces, ¡gracias!

6. RULO Y LA CONTRABANDA – IRUN ZUZENEAN FESTIBALA 2024

Fotografía de Dani Baraldés donde parece que el tiempo empieza a pararse. Las luces, el gesto casi orgásmico y la nitidez hacen que esta instantánea sea una de mis favoritas.

7. LOS ZIGARROS – ZENTRAL PAMPLONA 2024

Esta fotografía es totalmente lo contrario a la anterior. Ovidi Tormo sale entre luces y sombras, pero da esa sensación auténtica cuando las luces van en tu contra.

8. WINGER – LA RIVIERA 2024

Uno de esos días inolvidables donde tienes la oportunidad de vivir un concierto de una banda mítica del Hard Rock. En la foto, Kip Winger conecta con el público con esa carisma que le caracteriza. Un escenario cargado de energía, una sala repleta y esa sensación de estar justo en el lugar donde querías estar.

9. FREEDOM CALL – KINGDOM OF ROCK 2025

Ese día compartieron cartel Manowar, Doro, Freedom Call y los locales Electrikeel. Con Manowar no pudimos sacar fotos, con Doro el permiso fotográfico era solo para la crónica, y esta fotografía de Chris Bay, de Freedom Call, por su gestualidad, iluminación y color, fue sin duda la más agradecida desde el visor de mi cámara. Una de esas imágenes que te recuerdan por qué haces esto.

10. H.E.A.T – LION ROCK FEST 2023

En la fotografía tenemos a Kenny Leckremo con los brazos abiertos, preparado para emprender el vuelo sobre el Palacio de Congresos de León. ¡Qué difícil es captar a Kenny quieto en un segundo!

Yolanda Sabater Algarra

Nanotecnóloga y química de formación y amante de la música como pasión. Me gusta la música en todas sus vertientes. Empecé tocando el violín y de la música clásica pasé al rock y al metal (mis primeras bandas fueron AC/DC y Mägo de Oz, por supuesto). No tengo muchas bandas predilectas, aunque Rulo siempre encabeza el podio. Helloween, Volbeat o Greta Van Fleet le siguen de cerca. Mis gustos han cambiado a lo largo de los años pero siempre abierta de mente, así que le doy al hard rock, al power, al death metal (melódico) y a todo lo que me haga descubrir cosas nuevas o me sepa impresionar.

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8 de marzo de 2025

Navarra Arena (Pamplona)

Organiza: Kingdom of Rock

Crónica: Jordi Tàrrega

Fotos: Lorena Mora

Y los dioses volvieron con un concierto a la altura de una leyenda que ellos mismos se encargan de revitalizar y hundir con una palada de cal y otra de arena. Los conciertos de Manowar son una ruleta rusa de la que no puedes predecir el resultado. Lo que sí tenía claro es que tras ese fiasco que fue el Rock Fest de 2014, y de que los promotores hispanos tuvieran las alarmas encendidas, Manowar volverían a ser ellos mismos y a ofrecernos un concierto a la altura. Y así fue, con un Navarra Arena lleno hasta los topes. Era precioso ver a esa inmensa arena llena con 10000 personas. Sold out muy merecido.

Vino gente de toda España, veteranos que contábamos batallitas y muchos reencuentros de amigos y amigas de conciertos. Pero la noche fue completa, y antes de que Manowar volvieran a ser Manowar sobre el escenario, también fueron Manowar fuera del mismo. Prohibido hacer fotos y vídeos a los fotógrafos profesionales, obligados a dejar sus herramientas de trabajo bajo llave. Que en 2025 los de Nueva York quieran ponerle puertas al campo es un sinsentido, pero es divertido que sigan exigiendo cosas que pocos o nadie exige. Por cosas como estas les amamos, y por cosas como estas les odiamos (a veces). La providencia quiso que ese 8M Manowar ofrecieran un concierto, algo que también tiene su gracia…

Electrikeel no desaprovecha la ocasión a base de thrash metal

Antes estuvieron los locales Electrikeel, que lejos de amilanarse por el escenario y el momento, estuvieron pletóricos tirando de thrash metal old school de toda la vida. Tienen mucha personalidad y jugan especialmente bien sus cartas a pesar de que su propuesta musical es un tanto manida. Usaron medio escenario, pero también tenían las pantallas laterales para su uso y disfrute.

Gustaron especialmente en la final “Till We Die”, sonando abrasivos y contundentes. Su vocalista rasga la voz, pero también juega por momentos con los guturales y pudimos ver a una banda perfectamente rodada y engrasada. Pamplona puede lucir con orgullo a un grupo que es capaz de subirse al escenario y no desentonar, sino sumar y agradar entre un triple ataque internacional realmente potente. Un gran acierto de una noche para el recuerdo.

Freedom Call pasea su happy metal con elegancia

Siempre he sido muy fan de los de Chris Bay, y a pesar de que el tiempo pasa y que la formación cambia, el cuarteto estuvo muy enchufado y ofreció un buen muestrario de lo que son y especialmente de su nuevo disco. Cayeron once temas de happy metal en vena, de corte hímnico, empezados por “Babylon” y continuados por un “Supernova”, que gustó al gentío que ya empezaba a abarrotar el Navarra Arena. En “Silver Romance” y “Out of Space” se evidenció que Silver Romance es un muy buen disco.

El cuarteto germano lleva mucha cosa pregrabada, pero disfrutamos de “Mr. Evil” (en la que el vocalista vistió un gorro horrendo y gafas de sol) y “Freedom Call”. Después de tanto tiempo tienen muchos clásicos a doble bombo, a cargo de Ramy Ali, y con un Bay que es casi el 80% del grupo. Tiraron de temas ideales para corear como “Power and Glory” o “Warriors”, perfectamente defendidos ante ese muro de Marshalls. La batería estaba sobre la tarima y tras “Metal Is for Everyone” Lars Rettkowitz se puso la guitarra detrás de la espalda en la final “Land of Light”. Siempre cumplen, pero los prefiero ver o en festivales o en su propia gira.

Doro: la eterna reina que nunca falla

Hubo un tiempo en el que ver a Doro era casi un milagro y ahora está en todas partes. Es de la generación de Saxon, de Accept y de tantos que no saben hacer un concierto malo, por lo que cumplió con creces. Apareció formando el trío con la batería atrás y saliendo fuego del escenario para interpretar el “I Rule the Ruins”, clasicazo por vena, seguida del “Earthshaker Rock”, también de Warlock. La banda es más que fiable y se les nota disfrutar, incluso la realización optó por darle muchos momentos al batería en primeros planos.

“Time for Justice” es la nueva canción a presentar de un último gran disco. Dio el pego entre tanto clásico para luego ir a por el “Burning the Witches”, una de las canciones del primer disco de Warlock. La rubia de Düsseldorf que se casó con sus fans y con la música a la vez que sigue siendo toda entrega, sonrisas, y el cariño que le tiene la gente es total. “Fire in the Sky” y “Raise Your Fist in the Air” son presente y pasado reciente. Todo perfectamente defendido y con una guitarra especialmente lucida.

“Für Immer” sigue siendo uno de los grandes momentos y esa maravillosa idea de meter una frase en español en un tema en alemán sigue funcionando tantas décadas después. “Hellbound” fue uno de los regalazos de la velada, pues pocos la esperaban. Doble bombo y velocidad Accept para lucir un tema del segundo trabajo de Warlock. A destacar ese solo de guitarra con aires neoclásicos. Puede que prefiera a la reina del rock en festival y en espacio abierto, pero cuando suenan “Revenge” y “All We Are” poco hay que reprocharle.

Su versión del “Breaking the Law” es ya un clásico absoluto y antes de tocarla preguntó: “¿Recordáis 1986?” y esos bises con “Metal Racer” y “True As Steel” redondearon un muy buen concierto, con pantallas, fuego, humo y con 12000 personas entregadas. Cantamos los himnos imperecederos en una noche que de verdad fue un regalo en muchos sentidos. Tiene toda la lógica que Doro Pesch estuviera invitada a ese concierto y pudiera tocar ante todo ese gentío.

Manowar se reconcilia con todo un país

Y llegó el momento… y los dioses volvieron a elevarse en un concierto dinámico, sin palabrería vacía, sin parones y en el que la música y Eric Adams lucieron como deben. Toca destacar el gran hacer de un Michael Angelo Batio tremendo. Me parece el guitarra perfecto para Manowar, la lástima es que no le dejen jugar a hacer sus exhibiciones dactilares. Si le has visto en algún clínic sabes que este hombre juega en otra liga y si saca la guitarra de cuatro mástiles… pero eso sería opacar a Joey DeMaio, y eso no pasará NUNCA. Flashes de luz e imágenes del guerrero al que no se le ve la cara junto a portadas clásicas de fondo.

Salió el grupo tras una intro ritual, las palabras de Orson Wells y unas señales que te advertían de que no hicieras fotos. Rugió la sala y “Manowar” y “Kings of Metal” son el perfecto inicio de show. Dos clasicazos de diferentes épocas con un sonido perfecto y con el público acompañando los estribillos. Mucho fuego, imágenes proyectadas detrás, algún punto patriótico y repito: un Eric Adams estelar. Hubo algunos momentos en los que Eric se ahorró algún agudo, pero el público cantó como un ejército fiel y entregado.

Había dos niveles para proyecciones. Uno enorme de fondo y otro en la plataforma que eleva la batería de un buenísimo Dave Chedrick. Hay en las cortinas donde se proyectan las imágenes unos cortes en los que los músicos aparecían y desaparecían. Los chorrazos de humo acompañaron “Fighting the World” y agradecimos especialmente el “Brothers of Metal Pt.1” del Louder tan Hell. Pero el pasado mítico pidió paso con dos piezas maestras: “Army of the Immortals” y especialmente con “Blood of My Enemies”. Y es que Hail to England y Sign of the Hammer vertebaron el set list de esa noche.

Batio se salió, pero obviamente lo tienen un par de pasos por detrás de Joey y Eric. Momentazo con “Kill with Power” y los juegos con el bajo de DeMaio. Adams estelar y luego el “Black Arrows” que sirve para el momento solo bajo nombre de canción. Bien por Michael Angelo y momentazo de la noche con “Mountains” y con la proyección de una noche estrellada en pantallas. Una canción exigente en lo vocal, delicada y casi ritual.

Ese tramo nostálgico fue impagable, y posiblemente lo mejor de la descarga. Estamos hablando de joyas épicas de la talla de “All Men Play on 10” y de “Sign of the hammer”. Hubo cierta reiteración en algunos fondos, pero tampoco es que podamos quejarnos pues es que luego caían seguidas “Bridge of Death” y esos halos de luz blancos en “Thor (the Powerhead)”. Míticas composiciones excelentemente defendidas. Pero si algo disfruté especialmente fueron esas dos piezas de Gods of War “The Sons of Odin” y “King of Kings”. Eché mucho de menos a “Sleipnir”, pero estos temas de ese disco han envejecido espectacularmente bien.

También hubo el momento “House of Death” y el “Fight until We Die” del Warriors of the World. A nivel de set list no hay queja y me quedé gratamente sorprendido. Hay decenas de clásicos obvios que quedaron fuera, pero el concierto fue estelar. Batio tuvo muchos, muchos momentos brillantes y por momentos deslumbró. El parlamento de Joey fue con frases guiadas por pinganillo, haciendo paseíllo, bebiendo cerveza y con “Eskerrik Askos” y alguna palabrota, pero no se cortó a la hora de dejar recaditos a los que han provocado que Manowar hayan tardado 11 años en volver a pisar suelo español para tocar. Como si ellos no tuvieran culpa alguna…

Siempre se hace largo el speech, pero es algo que ya viene con el grupo. Tremendo luego el “Warriors of the World” posterior con ese emblema del martillo detrás y esas imágenes proyectadas de fondo. Es una canción que no puede faltar y siempre funciona. El único momento que dolió fue que en el “Hail and Kill” se saltaran la primera parte, algo que es el contraste perfecto y que dispara la canción. Ya en los 90 se saltaban la intro de “Carry on” y descolocaban a los fans. Y luego confeti y despedida con “Black Wind Fire and Steel”, tema que se ganó el honor de ser el último. No puedo estar más de acuerdo, es quizá, lo mejor que han grabado nunca, y han grabado mucha obra maestra.

¿Habrá continuidad en el Kingdom of Rock?

Impresionante jornada con unos Manowar que volvieron a ser Manowar. El grupo está para ser cabeza de cartel en el festival que quieran, pues hubo magia en el ambiente y en muchos tramos. Son cabezones y personajes, y no los vas a sacar de su enrocamiento de paladines del honor o de que “un pacto es un pacto”. Le ponen puertas al campo, desesperan y pueden llegar a cabrearte, pero la edad avanza y la música se ha quedado en primer plano mientras que los momentos autoparódicos han quedado relegados donde siempre tuvieron que estar.

Y Pamplona estuvo a la altura, era IMPRESIONANTE ver esa alfombra de brazos cantando entregados. Ese pabellón es una maravilla, y Navarra es un viaje ideal, por lo que si tocan una vez al año allí, no me importaría repetir. Mención especial a la organización y a unas bandas acompañantes que estuvieron especialmente bien.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

stairwaytorock.com/

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Lo que sí está más que claro es que Manowar vienen con ganas de ofrecer un show espectacular y de demostrar en tierras hispanas que son unos cabezas de cartel absolutos. Allí estaremos… Estarán con los Norte americanos la diosa del metal: Doro Pesch. Es una gozada a pesar de que Doro suele pasarse a menudo por nuestra piel de toro con mucha frecuencia, pero el nuevo disco que presenta es una absoluta maravilla, y su banda siempre brilla.

La noticia que ha trascendido es que junto con ambas bandas estarán los alemanes Freedom Call, máximos exponentes del happy metal con nuevo disco bajo el brazo y siempre capitaneados por ese gran vocalista que es Chris Bay. Con ellos “teóricamente” se cierra el cartel, pero si miramos en la publicidad pone que habrá lo mejor del metal internacional y NACIONAL… Para dar cuerpo a lo que es un festival, consideramos que falta una banda patria, así que en Stairway to Rock nos marcamos el triple y suspiramos por otra banda nacional que abra fuego a todo. Esperamos acomntecimientos…

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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Las expectativas no podrían estar más altas: Rhapsody Of Fire no solo presentará su último álbum, Challenge The Wind, sino que además promete una experiencia puramente intensa con una selección de canciones exclusivamente up-tempo, sin baladas, un hito que distingue este álbum de sus trabajos anteriores. Según Staropoli, esta obra lleva al grupo «a su máxima expresión de metal sin adulterar».

A su lado, Freedom Call, que celebra sus 25 años de carrera, deleitará a los fans con su nuevo disco Silver Romance, una verdadera oda al estilo épico y melódico que ha caracterizado su trayectoria desde Stairway To Fairyland.

Con las entradas para Madrid ya agotadas y las de Barcelona a punto de agotarse, esta gira promete ser un hito del power metal en España. Las citas están listas: Madrid en la sala Copérnico, Barcelona en Salamandra, y Pamplona en Totem. Las entradas anticipadas están disponibles a 30€ y en taquilla a 35€. ¡No pierdas la oportunidad de vivir esta celebración de metal!

Yolanda Sabater Algarra

Nanotecnóloga y química de formación y amante de la música como pasión. Me gusta la música en todas sus vertientes. Empecé tocando el violín y de la música clásica pasé al rock y al metal (mis primeras bandas fueron AC/DC y Mägo de Oz, por supuesto). No tengo muchas bandas predilectas, aunque Rulo siempre encabeza el podio. Helloween, Volbeat o Greta Van Fleet le siguen de cerca. Mis gustos han cambiado a lo largo de los años pero siempre abierta de mente, así que le doy al hard rock, al power, al death metal (melódico) y a todo lo que me haga descubrir cosas nuevas o me sepa impresionar.

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Steamhammer / SPV

10 de mayo de 2024

El 25 aniversario de Freedom Call lo marca este Silver Romance siendo su décimo-primer álbum en el haber del grupo. La banda de Nuremberg sigue tirando de power metal melódico y felizón (el llamado happy metal) a pesar de que también hay canciones que huyen de lo obvio, pero siempre dentro de las credenciales que les suponemos a estos alemanes. Habrá quien vea mucha repetición de esquemas y apoyo en la formula manida, pero si les has ido siguiendo, digamos que hay unos cuantos temas muy disfrutables.

Lars Rettkowitz ya es uno de los miembros de referencia junto a Chris Bay y cada vez gana más peso a la hora de componer. Posee un estudio propio, es más joven que Chris y le han dado manga ancha para que produzca y crezca como compositor y músico. Por otro lado, vemos el retorno de Ramy Ali a la batería quien estuvo ya en el grupo hace unos años. Sabe mal que ya no esté el gran Ilker Ersin al bajo, pero es Francesco Ferraro el titular a las cuatro cuerdas.

Ya en el inicio con el tema homónimo nos vamos a una cabalgada power metal marca de la casa, de las que encantan a los fans del grupo. Dosis de positividad en vena, arco iris y la característica voz de Chris Bay que remata un himno a la altura de los que nos tienen acostumbrados estos alemanes. “Symphony of Avalon” entronca directamente con esos himnos almibarados de sus inicios que fueron capaces de ponerles en el radar a finales de los 90. Obviamente hay cierta repetición de esquemas, pero a estas alturas ya no toca pedirles grandes cambios ni riesgos compositivos. Es un tema que puede funcionar perfectamente en directo. Y eso mismo firma el estribillo: “We Are Freedom Call”.

“Supernova” es de lo mejor del disco con esa voz profunda y grave marcando eso de “Supernova” mientras los teclados de Chris Bay lo envuelven todo en un corte desenfadado y certero que luce especialmente a la vez que le da aire al estilo repetitivo del grupo. Aquí la velocidad queda aparcada para un medio tiempo realmente logrado repleto de coros angelicales. “Infinity” va comandada por el ritmo machacón de Lars Rettkowitz y cumple con estribillo más propio de Iron Savior. “Out of Space” ya baja el listón notablemente a pesar del interesante riff de teclado. Tampoco puedes pedirles singles en cada tema…

“Infinity” de inicio es puramente Stratovarius, compañeros de viaje a la vez que influencia notable. Bay canta de forma más grave y el tema posee unos aires bastante galácticos en los que vuelven a retorcer la fórmula ganadora. Gran papel de la batería de Ramy Ali, siempre precisa y veloz cuando la canción lo demanda. “Distant Horizon” cumple sin más con estribillo grandilocuente y otra dosis de power metal en vena a pesar de que aquí un poco huyen del producto tratado y dulzón con el que suelen trabajar. “In Quest of Love” ha sido single y es otro tema bastante prototípico ya no del grupo sino del estilo del presente disco, con unos teclados algo galácticos unidos al happy metal de toda la vida.

“Blue Giant” es una de las canciones que más se alejan de lo prototípico y está compuesta por Lars, y eso se nota. Queda todo a medio camino entre lo clásico y lo que apuntan a proponer, pero queda todo muy visto ya. “Meteorite” no pasa del correcto y en “Big Band Universe” hay retazos de progresivo combinado con coros dulcificados. Es una de las canciones más oscuras que queda reconducida por un momento veloz a doble bombo que nos devuelve al camino marcado. “New Haven” no aporta gran cosa a pesar de que hay un gran solo de Lars, siempre secundado por el buen hacer de Francesco Ferraro a las cuatro cuerdas.

“High Above” lleva esa onda más hímnica y onírica, repleta de teclados en un medio tiempo ampuloso, pero no recargado. Siguen siendo las guitarras de Bay y de Lars lo más destacado, pero termina siendo algo recurrente y repetitivo en lo compositivo. Finalizan con “Metal Generation” y a golpe de clichés y con otro de esos himnos positivistas, repletos de letras tópicas y estribillos ultra pegadizos. Así les conocimos y así quieren seguir. De lo mejor del disco, pues en el fondo es lo que esperamos de ellos.

Silver Romance va más allá de un vigésimo-quinto aniversario, unas bodas de plata aludidas en el título pues de alguna manera es como si Chris Bay dejase el camino libre a Lars como compositor y un poco hay cierta variación estilística. A pesar de ello es un disco previsible con hasta dos temas muy potentes que van a quedar, pero el resto se hace largo y bastante repetitivo. Cuando juegan a ser ellos mismos y tiran de clichés convencen más que cuando intentan sonar oscuros o progresivos.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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