20 de octubre de 2025

London Eventim Apollo Hammersmith – Londres

Organiza: Kilimanjaro

Redactor: Marc Fernández

Fotos: Yolanda Sabater

 El caso de Helloween es digno de estudio, pues no creo que exagere si digo que se trata de una de las reuniones más exitosas, milagrosas y celebradas del metal, a la altura de lo que hiciera Iron Maiden cuándo Bruce Dickinson y Adrian Smith regresaron a la banda. Desde 2017 vienen ejecutando unos shows extensos y resultones, y lanzando discos de una calidad que hay quienes hablan de una segunda edad de oro en la historia de la banda.

Tan buenos son los precedentes de la banda y tan grande era la promesa de un show memorable, que en un arrebato de locura decidí volar un lunes a Londres para poder contemplar si los rumores eran ciertos en primera persona. ¿El recinto? Nada más y nada menos que el legendario Hammersmith Odeon, el escenario en el que tantas leyendas han consolidado su ascenso al Olimpo del metal. El resto, como suele decirse, es historia.

Beast in Black, unos teloneros pletóricos

 A estas alturas de la película Beast in Black ya no son ningunos desconocidos, llegando a un punto que quizás es más adecuado llamarlos invitados especiales que no teloneros, tal y como demostraron con la poderosa avalancha de vítores que suscitaron con los primeros acordes de “Power of the Beast”.

Empalmaron rápidamente con “Hardcore” y la celebrada “From Hell With Love”, suscitando unos bailoteos y una entrega al alcance de muy pocas bandas inaugurales, prueba del caché que se han labrado arduamente en la última década sobre los escenarios. Son, junto a otros grupos más jóvenes como Sabaton o Powerwolf, unos de los grandes abanderados de este power metal moderno que conquistó los 2010s, una suerte de sucesores espirituales del movimiento que Helloween inauguró hace ya 40 años, y su consolidación pudo plasmarse en el aire.

El ritmo de su show fue frenético, y es que no se detuvieron a hablar hasta después de “From Hell With Love”, cuándo las gargantas del respetable ya comenzaban a estar rasgadas tras 15 minutos de frenesí y puro cántico. A momentos más tranquilos como “Blood of a Lion” le siguieron auténticas inyecciones de adrenalina como “Cry Out For a Hero”, aunque el primer gran momento vino de la mano de la romanticona “Sweet True Lies”, capaz de mezclar la energía metalera con una atmósfera bailona digna de los mismísimos Abba.

Hubo otro teaser de su esperado cuarto álbum de la mano de “Enter the Belehit”, la favorita de los enemigos de las duchas del recinto, allanado el terreno para que la apisonadora conocida como “Beast In Black” arrasara con todo a su paso al ritmo de su enloquecido poder power metalero.

La energía desbocada de “One Night In Tokyo” auguraba que el final del concierto estaba próximo, empalmando con la eficiencia que caracterizó todo el show con todo un clásico como “Blind and Frozen”, arrancando las últimas telarañas que pudieran quedar en el célebre Hammersmith Odeon. Cerraron con la enérgica “No Surrender”, culminando un show que, como sus canciones, fue breve, intenso y directo, sintiéndose como un aperitivo breve como un telonero eficiente y al mismo tiempo cautivador como una banda con muchas tablas y que aun así no deja de crecer.

Hellowen, inmortales y eternos

 La lona con el logo del grupo se vino abajo con un rugido ensordecedor, y tras un breve recorrido a los últimos 40 años de discografía de la banda, Helloween salió sobre las tablas al ritmo de “March of Time”, ejecutando el tema con tanta precisión y carisma que los primeros compases del show se esfumaron como solo lo hacen los grandes momentos. Un corte curioso con el que empezar, pero que funcionó de maravilla, permitiendo que el prodigioso dúo Kiske/Derisafrontara los agudos como si el Keepers acabara de salir al mercado.

Las sorpresas no se hicieron esperar, pues el segundo tema de la noche fue nada más y nada menos que la magnánima “King for a Thousand Years”, una épica de la banda caída injustamente a la sombra de otros temas de dos cifras de su discografía, que elevada una vez más por la dulpa Kiske/Deris sonó épica aún en su versión reducida.  El fervor no hizo sino crecer con todo un clásico como “Future World”, que hasta logró crear unos sorprendentes pogos entre un público británico embriagado de cerveza y un irrefrenable arrebato power metalero, convirtiendo la pista en un sudoroso campo de batalla.

La nueva “This is Tokyo” y “We Burn” calmaron un poco las cosas, tornando los pogos en abrazos creados para cantar, permitiendo al bueno de Deris meterse al público en el bolsillo con su característico carisma. Se me hizo raro no verlo chapurrear su curioso español con acento canario, pero ya sea en España, Inglaterra o Mongolia, el bueno de Andi es el frontman majete que hace que los conciertos de Helloween fluyan aun cuándo duran varias horas. En lo personal, uno de los grandes momentos del show vino de la mano de “Twilight of the Gods”, toda una gema del primer Keepers que la banda aún no había tocado desde su reunión, y que triunfó de la mano de un Kiske que sigue cantando como cuándo tenía pelo.

La producción de la banda ya no incluía esa gigantesca calabaza sobre la que se elevaba la batería, y tampoco hubo tormentas de confeti ni grandes calabazas hinchables, pero sí que hubo una gigantesca pantalla que iba caracterizando cada canción con unas visuales muy cautivadoras, y en las que de vez en cuando, iba apareciendo el célebre mago encapuchado de los Keepers para ir haciendo presentaciones.

Le llegó el turno de ser maestro de ceremonias al venerado Kai Hansen, que cuándo encaró los primeros acordes de “Ride the Sky” por poco derrumba los sacros muros de Hammersmith. La locura fue absoluta en la pista, y si bien añoré el sentido homenaje a Walls of Jericho al que la banda nos tenía acostumbrados con su delicioso medley, el temafuncionó con la eficiencia de una atrapante y devastadora explosión nuclear.

La banda equilibraba los momentos más explosivos con otros más sosegados como “Into the Sun” y “Hey Lord!”, triunfando hasta con temas del nuevo disco como “Universe”, que causó pogos más propios de un concierto de Slayer que de uno de Helloween, concentrado en unos minutos esa clase de locura que es difícil de entender fuera del corazón y la adrenalina del corazón de la pista.

Aunque el solo de batería de Dani Löble debía servir para que la banda tomara un respiro en el contexto de su gigantesco concierto, uno no puede sino preguntarse si un batería capaz de encarar tamañas secciones de doble pedal no es el más necesitado de un descanso, y aunque estos interludios pueden llegar a hacerse algo pesados, lo cierto es que supo interactuar con el público para que se sintiera como una parte orgánica del show.

El grupo regresó a escena con las pilas bien cargadas de la mano del clásico de clásicos, un “I Want Out” que sin su versión extendida de finalizador de shows causa una sensación mucho más grande si cabe. A la tempestad le siguió una súbita calma liderada por un Kiske armado con una guitarra acústica que hasta se permitió el privilegio de jugar con el principio de la repudiada “Pink Bubbles Go Ape”, que sirvió como aperitivo antes de las cautivadoras “In The Middle of a Heartbeat” y “A Tale That Wasnt Right”, que equilibraron un show que por lo demás se caracterizó por lo frenético.

Poco tardó en encenderse Hammersmith de poder en cuánto la festiva “Power” inundó todos sus recovecos, si bien la cañera “Heavy Metal Is the Law” trajo de nuevo una anarquía que poco se ceñía a los estándares mínimos previstos por el código penal. La épica “Halloween” se encargó de mantener la energía por las nubes, una vez más aprovechando al máximo el privilegio de tener a dos cantantes de tanto nivel, convirtiendo un tema que de por sí es magnánimo en toda una ópera de metal.

Cualquier atisbo de cansancio abandonó el cuerpo de los presentes en cuánto un águila gigantesca invadió la pantalla que hacía a las veces de backdrop, pues le había llegado el momento a la inmensa “Eagle Fly Free”, esa piedra angular del power metal que casi 40 años después se siente tan fresca y cautivadora como cuándo sobrevoló por primera vez el mundo, seguida de la divertida y pegadiza “A Little is a Little Too Much” del último Giants and Monsters.

La certeza de que el final del concierto estaba próxima pendía en el aire, y la responsable de culminar fue otro clásico como la querida “Dr Stein”, que puso a todo el respetable a saltar una última vez. La entrega y la energía había sido tal que casi no parecía que hubieran pasado algo más de dos horas, y es que estoy convencido de que, si hubieran optado por tocar la épica “Keeper of the Seven Keys” entera en vez de solo su estribillo a modo de epílogo, ninguno de los presentes se habría quejado.

La leyenda sigue muy viva

 ¿Qué se puede decir de esta segunda juventud de Helloween que no se haya dicho ya? Mucho ha llovido ya desde el anuncio de esta milagrosa reunión, y más incluso desde que lanzaran aquel EP homónimo que augurara que tantas cosas buenas estaban por venir, pero la frescura y la pasión siguen intactas. Incluso cuándo me tocó dormir en el frío suelo de un aeropuerto como un vulgar graduado en filosofía, no podía dejar de pensar que el peregrinaje había valido total y absolutamente la pena.

Perderse a Helloween en su gira de aniversario es un error, como lo ha sido perdérselo en cualquiera de sus conciertos desde 2017. Es extraordinario lo que puede ocurrir cuándo los artistas dejan de lado los egos y se vuelcan en hacer algo maravilloso, pero más extraordinario es aún que un grupo que pasea cuatro décadas de legado siga siendo capaz de rendir a este nivel.

Gracias, Helloween. Experiencias así me recuerdan lo maravilloso que es poder disfrutar de la música en directo.

Marc Fernández Cardellach

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Según ha confirmado Madness Live!, las citas españolas serán:

• Barcelona (Razzmatazz 1) — 11 de noviembre de 2026
• TBC  – Jueves 12 de noviembre 2026
•  Bilbao (Santana 27) — 13 de noviembre de 2026

Las entradas ya están disponibles por 35 € en venta anticipada (42 € en taquilla). Así que, si planeabas ahorrar para el Black Friday, más te vale reconsiderar tus prioridades: el metal no espera.

Una alineación digna del Valhalla

El combo no podría ser más jugoso. Sonata Arctica celebrarán su 30º aniversario repasando los clásicos que marcaron a toda una generación —sí, esos temas que te sabes palabra por palabra aunque jures que no—, mientras que los italianos Frozen Crown se encargarán de calentar el ambiente con su velocidad quirúrgica y riffs de precisión milimétrica.

Y, claro, Beast In Black coronarán la noche con su mezcla de power metal, estética ochentera y espíritu futurista, una fórmula que los ha convertido en una de las bandas más reconocibles del panorama actual.

Nuevo rugido en camino

Aunque la banda no ha revelado todavía el título ni la fecha exacta del lanzamiento, el reciente sencillo “Power of the Beast” deja claro que los finlandeses siguen afinando su particular alquimia entre riffs afilados, coros grandilocuentes y sintetizadores de neón.

Todo apunta a que este cuarto disco será la evolución natural de su sonido, consolidando el legado iniciado con Berserker (2017) y continuado con Dark Connection (2021): metal con músculo, melodía y un toque de ciencia ficción.

El regreso del poder

Con tres álbumes impecables y una base de fans en constante expansión, Beast In Black encaran 2026 con todo a favor. Su combinación de espectáculo, energía y teatralidad promete dos noches épicas en nuestro país, de esas que se recuerdan con la garganta rota y la sonrisa puesta.

Porque si algo han demostrado estos finlandeses, es que el futuro del power metal puede sonar tan clásico como luminoso… y tan brillante como un sintetizador al rojo vivo.

Irene Kilmister

Mi nombre es Irene, y todo el mundo me conoce por mi apellido Kilmister adquirido por el que ha sido y será mi mayor ídolo en esta vida. Lo cierto es que yo empecé en esto de la fotografía sin pensarlo mucho. Era la típica amiga de la cámara, pero de que me quise dar cuenta me propusieron entrar a colaborar en un medio profesional en 2017 y desde ahí he pasado de ser esa amiga de la cámara a evolucionar y coinvertirme en lo que conocéis ahora.

Apasionada de la música en todos sus géneros y amante de la lectura y los conciertos, aunque mi verdadera profesión no tenga nada que ver con todo esto.

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Día 2 – April Art, Charlotte Wessels, Hanabie, Headon, Heilung, Imminence, Kanonenfieber, Miracle of Sound, Seven Spires, The Halo Effect

Día 3 – Battle Beast, Celtian, Cruachan, El Altar del Holocausto, Elvenking, Feuerschwanz, Lacrimas Profundere, Novelists, Tierra Santa, Van Canto, Within Temptation

Día 4 – Angelus Apatrida, Beast in Black, Cemican, Dark Angel, Heilung, Powerwolf, The Broken Horizon, Tungsten, Hadadanza

Yolanda Sabater Algarra

Nanotecnóloga y química de formación y amante de la música como pasión. Me gusta la música en todas sus vertientes. Empecé tocando el violín y de la música clásica pasé al rock y al metal (mis primeras bandas fueron AC/DC y Mägo de Oz, por supuesto). No tengo muchas bandas predilectas, aunque Rulo siempre encabeza el podio. Helloween, Volbeat o Greta Van Fleet le siguen de cerca. Mis gustos han cambiado a lo largo de los años pero siempre abierta de mente, así que le doy al hard rock, al power, al death metal (melódico) y a todo lo que me haga descubrir cosas nuevas o me sepa impresionar.

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Pero más allá de los cuatro grandes que copan los primeros puestos hay muchas sorpresas y un empate a puntos entre The Halo Effect y Kanonenfieber, banda destinada a subir como la espuma. Los que se han quedado cerca de entrar, y sin orden concreto han sido Feuerschwanz, April Art, W.A.S.P., Cemetery Skyline, Novelists y Angelus Patrida.

Y para elaborar este TOP nos gustaría comentaros que ha sido elaborado por todo el equipo de Stairway to Rock y hemos invitado a nuestra web hermana Esquirlas de Metal a participar. Más de 10 personas, para buscar la máxima objetividad.

FOTOS: Javier Paredes

10 Heilung

El ritual de la banda danesa fue una de las propuestas más originales del festival, creando una atmósfera única e hipnótica. Hay opiniones divididas al respeto por el uso de pregrabados, pero el espectáculo es único.

9 Beast in Black

Con su heavy metal melódico y la gran voz de Yannis Papadopoulos, ofrecieron uno de los conciertos más enérgicos y potentes. Siempre cumplen y no están lejos de sus “competidores” Beast in Black. Definitivamente Anton Kabanen lo ha conseguido.

8 Cemican

El metal prehispánico de la banda mexicana fue una de las grandes sorpresas del festival. Un show con rituales y un sonido tan peculiar que no dejó indiferente a nadie. Mucha atención a esta gente pues van para referentes absolutos.

7 Kanonenfieber

Para quien subscribe estas líneas: la gran revolución del Leyendas del Rock 2025. Kanonenfieber es puro potencial y su directo es tan espectacular como aplastante. Hay estética, sonido, pero ante todo hay canciones. Si que referentes e influencias están claros, pero es que si los ves te quedas ojiplático.

6 The Halo Effect

Clase, brutalidad, guitarras melódicas y grandes nombres para una agrupación que enamora y que no necesita de tirar de versiones de las bandas de las que sus miembros estuvieron en su día. Liderados por un inmenso Mikael Stanne, no queda sino agradecerles que nos regalen discos y directos como el del Leyendas del Rock.

5 D’Artagnan

Espectacular, sencillamente, espectacular. Estaba claro que lo de Feuerschwanz iba a ser uno de los shows del Leyendas, pero nadie tuvo en cuenta que el proyecto paralelo de uno de sus cantantes, Ben Metzner, los iba a superar. Tiran de mucha canción tradicional y versiones, pero la fiesta y la comunión conseguida con el público, en horario diurno, les encumbra. Atención a este proyecto piratillas.

4 Lord of the Lost

La banda de metal gótico e industrial se metió al público en el bolsillo con su carisma y su gran puesta en escena. Chris Harms salió a hombros en la mejor vez que les hemos visto, pero lo más increíble de todo, es que hubo muchos problemas técnicos y logísticos y la banda no estuvo cómoda en el escenario con instrumentos prestados.

3 Within Temptation

La banda de Sharon den Adel, uno de los cabezas de cartel, ofreció un show de gran calidad y despliegue visual, demostrando por qué son una de las agrupaciones más grandes del metal sinfónico. Hubo mensaje y hubo un show espectacular. En cada concierto que dan más te convencen que es una banda superior.

2 Battle Beast

Noora Louhimo es un ciclón de directo y la “bestia de batalla” ya ofrece unos conciertos memorables en los que llenan escenarios enormes. Hace 10 años estaban tocando en el escenario pequeño del Leyendas, cambiaron de cantante y perdieron a Anton Kabanen, pero… el tiempo les da la razón. Battle Beast es la siguiente gran banda.

1 PowerWolf

Con su «misa metálica», la banda alemana ofreció un show teatral, potente y divertido que se ganó a la audiencia desde el primer momento. Han subido a otro nivel y la producción que llevan es una auténtica barbaridad. Quieren jugar en la liga de KISS en cuanto a producción, y no les queda lejos. Ya no tiene sentido ver a PowerWolf en una sala mediana…

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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Sufiendo y Gozando

Fotos: Javier Paredes «Walls» e Irene Kilmister

Crónica: Equipo Stairway to Rock: Irene Kilmister, Yúbal Fernández, Yolanda Sabater, Tamara Ruíz y Jordi Tàrrega

Cuarta jornada y final del Leyendas del Rock que culmina otra edición maravillosa en la que convivimos, pasamos calor y disfrutamos como niños. Cartel variado, con clarísimos cabezas de cartel y ambiente de que se repetirá al año siguiente, pues esto es una maravilla. Es el festival más especial y con más personalidad de toda la piel de toro, así que difícilmente nos vamos a perder esta cita. Y sí… lo de PowerWolf con toda la producción de fuego, chispas y animaciones en la pantalla fue excepcional.

Tungsten: arrancando con fuerza el día del power metal festivo

A la hora prevista en el escenario New Rock comenzaba el concierto de Tungsten, la banda sueca de power metal formada por Anders Johansson, ex-batería de HammerFall, con sus dos hijos Nick y Karl Johansson a la guitarra y el bajo, y con la voz del carismático Mike Andersson. Las dos cosas que sorprendieron desde la primera canción fueron primero el buen sonido, ya que ese escenario siempre suele empezar sonando no del todo bien, y que todos vistieran de largo. De hecho, cuando el vocalista se quitó su larga chaqueta de cuerpo por debajo llevaba una camiseta de manga larga. Nada mal para una soleada tarde de más de 35 grados en Villena.

La banda dio una auténtica de power metal machacón y festivo, una buena antesala de los dos platos fuertes del día, y cuando tras los dos primeros temas comenzaron con su «Lullaby» ya todos los asistentes estaban saltando y aplaudiendo. Incluso uno de los miembros de seguridad estaba bailando con el ritmo pegadizo del tema. Andersson derrochaba carisma entre canción y canción, y con un par de «¡Soys de puta madre!» se metió al público en el bolsillo. También sorprendía Nick Johansson con su virtuosismo a la guitarra, así como los coros y los guturales de Karl en algunas canciones como «Blood of the Kings», haciendo un contraste muy efectivo con la potente voz de su vocalista. En definitiva, fue un magnífico concierto del que todos pudimos disfrutar.

Crystal Lake arrasa en el Leyendas del Rock 2025 con metalcore made in Japan

Como amante del core, lo de Crystal Lake en el Leyendas del Rock fue una auténtica barbaridad. Los nipones salieron decididos a destrozar cuellos y lo lograron con creces: precisión quirúrgica, pegada demoledora y una energía que no decayó ni un instante.

Desde que sonó la primera nota, aquello fue puro caos controlado. Breakdowns que partían el aire, riffs afilados y transiciones que te dejaban sin aliento antes del siguiente mazazo. El vocalista John Robert C, un auténtico animal sobre las tablas, pasó sin esfuerzo de guturales abrasadores a líneas limpias que el público coreó a pleno pulmón.

Momentos como “Apollo”, “Prometheus” o “Aeon” encendieron un Leyendas ya en ebullición, pero la gran sorpresa fue la presentación de su más reciente tema, “Crossing Nails”, una bestia de canción que dejó claro que se avecina nueva música y que, si sigue esta línea, promete arrasar.

Crystal Lake no vino a cumplir, vino a marcar territorio. Y para quienes vivimos el core en la piel, fue un recordatorio de por qué este género nos engancha: intensidad, entrega y la sensación de estar presenciando historia en tiempo real.

Cemican: thrash folk con orgullo prehispánico

Con el permiso de Heilung, el de Cemican fue el concierto más mágico y diferente de todo el Leyendas del Rock 2025. Esta es una banda que fusiona el death metal con folk Azteca-Mexica, utilizando varios instrumentos precolombinos. Ya desde el principio dieron un golpe sobre la mesa, ya que todos salieron pintados de diferentes maneras, evocando a los nativos guerreros de su continente, sobre todo dos de ellos que iban con aparatosas y muy fascinantes indumentarias escupiendo fuego por la boca. Además de eso, voces graves y agresivas, riffs incisivos, y dos músicos al fondo tocando todo tipo de instrumentos de viento, desde flautas a caracolas. La combinación sonaba auténtica y absolutamente fascinante. Y lo que es más importante en un día en el que muchas bandas abusaron de las grabaciones, sonaban honestos y sin artificios.

Entre los asistentes había muchos mexicanos orgullosos de sus raíces, pero también una gran cantidad de europeos disfrutando de que por fin se apostase por un tipo de folk metal que fuera más allá de ritos a Odín y otros dioses nórdicos. Las canciones se sucedían, y a mitad del set dijeron que iniciarían un ritual para darnos salud a nosotros y a nuestras familias, y apareció uno de los guerreros disfrazados con plumas arrastrando a un prisionero, poniéndolo en una especie de pedestal, y realizando la performance de que le sacrifican y se comen su corazón. Una teatralidad fascinante que le daba muchísimo color, y cuando tras decir que tenían un tiempo bastante limitado terminaron con su himno «Guerreros de Cemicán», todos los asistentes gritaban una y otra vez el nombre del grupo. Fue una auténtica fiesta y una actuación deliciosa y fascinante.

Beast in Black: los reyes de la pista de baile

Beast in Black era uno de los platos fuertes para los amantes del power metal, y tuvieron la mala suerte de tener que lidiar con un mal sonido. Desde un principio, la voz de Yannis Papadopoulos  casi ni se escuchaba, y aunque más adelante fueron solucionando algunos de estos problemas y se empezó a oír mejor, su volumen se mantuvo demasiado bajo y le quitó brillantez a su actuación, sobre todo cuando se arrancaba con potentes agudos. También había problemas con la mezcla de sonido en general, con unas pistas pregrabadas que sonaron más altas de lo debido, haciendo que todo sonase bastante más artificial de lo debido, sobre todo los coros y unos teclados y sintetizadores que no había nadie emulando tocar.

Pero más allá de los backtracks grabados sonando a todo volumen y de una voz que no se escuchaba tanto como debiera, este concierto fue una auténtica fiesta, que al final es de lo que se trata. Los temazos se fueron sucediendo, y todos los asistentes se pasaron casi toda la actuación saltando y dejándose la voz. Tanto Anton Kabanen como Kasperi Heikkinen lo dieron todo con un recital de virtuosismo a las guitarras y muchas poses metaleras, a las que se unía constantemente el bajista Máté Molnár. Mientras, el batería Atte Palokangas hacía todo tipo de malabares mientras interpretaba los ritmos machacones de los temazos que fueron repartiendo. Tanto, que entre eso y el exceso de pistas grabadas algunos asistentes salieron pensando que quizá él también estaba tocando sobre una grabación.

Beast in Black nos  deleitó con toda una sucesión de himnos, desde el «Cry Out for a Hero» con el que empezaron hasta el bailadísimo «Blind and Frozen», pasando por «One Night in Tokyo» o la más metalera «Beast in Black» todo el set estaba hecho para que la gente lo disfrutase, y un recinto hasta los topes de gente dio fé de su triunfo. Sobre todo a partir de la segunda mitad del concierto, cuando el sonido mejoró notablemente.

Powerwolf: majestuosidad y exceso de teatralidad

Powerwolf eran los protagonistas del día y casi del festival, y el escenario principal estaba de público hasta los topes para poder disfrutar de su concierto. Ellos lo sabían y se gustaron, quizá demasiado, mostrando tanto algunas de las mejores cosas como alguna de las peores que se pueden hacer en un concierto. Porque la teatralidad puede llamar mucho la atención y ayudar a que la gente se sumerja de lleno en el concierto, pero el exceso de ella a veces puede provocar un efecto rebote.

Todo empezó muy bien, con un escenario que parecía un templo religioso y Attila Dorn subido a un altísimo pedestal cuando bajaron el telón. Con majestuosidad, el vocalista bajó y comenzaron el concierto con «Bless ’em With the Blade», encendiendo al momento a todos los asistentes. Había fragmentos grabados, pero no importaba, porque la potente voz del vocalista lo inundaba todo, y tampoco importa tanto que vayas sin bajista o que lleves los coros notablemente grabados cuando todo el público también los está cantando a todo pulmón mientras salta.

Durante el concierto, las interacciones entre Attila y el teclista y líder de la banda Falk Maria Schlegel  se sucedieron, interpretando pequeños teatrillos con dos personajes interactuando, pero poco a poco estos momentos o «intermedios» fueron haciéndose cada vez más frencuentes y largos, mientras que el vocalista también abusó mucho del rock & roll de ir pidiéndole al público que hicieran cosas en las presentaciones de las canciones. Al final, se nos quedó el mal sabor de boca de que el concierto podría haber tenido 5 o 6 temas más, porque cada una o dos canciones tenían un parón de 5 o 10 minutos, y acababa haciéndose un poco pesado.

Pero más allá de todo el romance entre canciones, la formación alemana dio todo un recital de trallazos que encandilaron a los asistentes, con «Army of the Night»,  «Armata Strigoi», «Demons Are a Girl’s Best Friend» o «We Drink Your Blood» entre muchas otras. La voz de Dorn estaba en plena forma, los dos guitarristas deleitaban con solazos, y en definitiva había muchísimo dinamismo, Al final de la actuación, tanto el cantante como el teclista se dieron un auténtico baño de multitudes quedándose solos saludando al público en lo alto del escenario.

The Broken Horizon: adrenalina pura desde Navarra

Cualquier seguidor acérrimo del metalcore, no tenía dudas en esta última jornada y la cita ineludible sólo tenía un nombre: The Broken Horizon. Y es que los navarros son una de las formaciones más infravaloradas de nuestro país y lo dejaron más que patente en su paso por el escenario New Rock, que fue sin lugar a dudas una descarga de adrenalina pura, con un directo aplastante que combinó agresividad, técnica y una conexión total con el público.

Desde que arrancaron, dejaron claro que no venían a pasar desapercibidos. La intensidad de las voces, alternando registros extremos y melódicos, se fundió con una instrumentación precisa y arrolladora. La batería golpeaba como un martillo y las guitarras dibujaban muros de sonido imposibles de ignorar.

Uno de los momentos más locos llegó cuando Jun, su guitarrista, decidió abandonar el escenario para tocar desde la barra, rodeado de gente y con toda la birra disponible a sus pies, y todo esto, sin perder ni un ápice de actitud. Una escena que encapsula a la perfección el espíritu desenfadado y cercano de la banda.

Su actuación fue un recordatorio de que no hace falta estar en lo más alto del cartel para ofrecer uno de los directos más intensos del festival. The Broken Horizon demostró que tiene todo lo necesario para competir con cualquiera, y que el metalcore nacional está más vivo que nunca.

Dark Angel revive el Darkness Descends con actitud sobrada

Uno de los grandes lujos de la presente edición del festival fue sin duda alguna la de tener a Dark Angel en horario diurno y presentando casi en toda totalidad el Darkness Descend, uno de los grandes discos históricos del thrash metal americano. Gran concierto y tremendo directo en formato quinteto y con una enorme Laura Christine, formando dupla con el eterno Eric Meyer. Empezaron con “Time Does Not Heal” y “No One Answers”, tirando de thrash old school.

Su motivado vocalista nos dijo que iban a hacer un tributo al fallecido Jim Durkin por lo que se cascarían todo el mítico disco entero. Dicen que es algo especial que no volverán a hacer, pero… estas cosas se dicen y luego se cambian. Antes tocaron un tema nuevo: “Extinction-Level Event” y ya en materia del disco clásico su vocalista cantó muy a lo Tom Araya algún grito de “The Burning of Sodom”. Y también nos toca destacar el excepcional doble bombo en “Hunger of the Undead”. El vocalista no presentó al bajista Mike Gonzalez y en “Merciless Death” bajó al foso para estar próximo a la gente.

Las canciones antiguas sonaron especialmente bien como “Death Is Certain (Life Is Not)” y muy especialmente la final “Perish in Flames”. Hay bandas legendarias que se arrastran a día de hoy y hay otras que combinan miembros históricos con juventud y se consiguen directos tan potentes como el que nos regalaron Dark Angel en el Leyendas del Rock.

Angelus Apatrida realizan el mayor concierto de su historia

Desde Albacete, tan afilados como las navajas y repartiendo la cera que les ha llevado a tocar por todo el mundo: los hermanos Izquierdo siguen siendo un valor absoluto y fiable. Si es que son tan buenos que la noticia es, si las cosas van mal, pero Angelus Apatrida van tan rodados que, desde que empiezan con “One of Us” eso no decae. La promesa es que iban a hacer el mayor show que han hecho en vida en cuanto a producción de escenario y… ¡vaya si lo consiguieron!

Estuvieron hace poco tocando en el festival de Vagos, pero dudo que tuvieran un set tan extenso ni una producción tal como la que llevaron para este Leyendas. Y lo jodido es que cuando suenan “You Are Next” y “To Whom It May Concern”, pues hay gente que sigue soltando la frase de: “Pues no parecen españoles”. Soy especialmente fan de las canciones de su última obra y “Cold” y “Snob” funcionan a la perfección junto con clasicazos de la talla de “Give ‘Em War” o “Sharpen the Guillotine”. Los juegos de luces eran espectaculares, con varias líneas de focos de colores. Súmale a eso los espárragos de luz que tenían en los laterales y ya tienes un show de gran formato que te potencia temas tan efectivos como “Indoctrinate” o “We Stand Alone”.

Su thrash metal es de nivel top y exportable a medio mundo, porque pocas bandas suenan así, y la labor de José al bajo es absolutamente impresionante. Dominaron los tonos fríos de luces, pero es que cuando a eso le sumas el fuego, el humo y toda la impresionante producción que traían, de verdad que tienes la confirmación de que era, y de verdad, el mayor show que se han marcado en toda su historia. Son unos referentes en el thrash metal mundial.

Y lo mejor de todo es que no se esconden y no tienen miedo de lanzar a los cuatro vientos la proclama de: “Viva Palestina libre”. Así son y así será nuestra “doble A” más internacional. El problema que vamos a tener ahora con los Angelus es que cuando les veamos en otras condiciones más modestas no puede saber a poco, pero ellos en lo musical ya se bastan para extasiarte completamente.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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Hola, buenas tardes Anton. Hoy estamos en Barcelona, en el concierto de Rhapsody, Beast in Black y Scarlet Aura y tenemos el placer de charlar con Anton Kabanen, líder y guitarrista de Beast in Black. Gracias, Anton, por compartir unos minutos con nosotros antes del show. Bienvenido a España y a Barcelona.

Para quienes no te conozcan tanto, ¿puedes contarnos un poco sobre tu trayectoria musical?

Fui uno de los fundadores y guitarrista de Battle Beast desde 2010 hasta 2015. Durante ese tiempo lanzamos tres discos: Steel, Battle Beast y Unholy Savior. Después de dejar la banda, fundé Beast in Black, y también compartí actividad con otra banda llamada Wisdom, junto a mi compañero Maulner. Ahora estamos presentando nuestro álbum Berserker, que salió a finales de 2017.

Quiero felicitarte por ese álbum. En mi opinión, es uno de los mejores de 2017. ¿Esperaban el impacto que tuvo cuando salió?

No, ninguno de nosotros esperaba ese tipo de respuesta. Todo fue más allá de nuestras expectativas. No podríamos haber pedido un mejor comienzo.

¿Cuál crees que fue el secreto?

Realmente no sabíamos si al público le gustaría o no. Solo esperábamos que sí. Según los comentarios que hemos recibido, les ha encantado. Al final, se trata de hacer lo mejor que puedas con el arte que estás creando. Ya sea que pintes, escribas o compongas música, siempre debes dar lo mejor.

¿Siempre has trabajado con esa mentalidad?

Sí. Desde el primer disco de Battle Beast, Steel, he dado todo. Ahora que lo miro en retrospectiva, sé que podría haberlo hecho mejor, pero en ese momento era lo mejor que podía dar. Con Berserker pasó lo mismo, aunque ahora tengo más experiencia. La experiencia ayuda mucho, especialmente en la composición y los arreglos.

¿Crees que parte del éxito se debe a estar con Nuclear Blast o a tu pasado en Battle Beast?

No se trata solo de una cosa, sino de una combinación. Primero, tenemos una gran banda. Nos sentimos como un verdadero grupo, no como músicos individuales. También hay buenas canciones, shows en vivo potentes, un gran sello, una excelente agencia de booking y una comunidad de fans activa. Todo eso ayuda. La actividad en redes sociales y los videos en YouTube también han sido fundamentales.

Hablando de la banda, estás rodeado de músicos muy talentosos. ¿Quién se encargó de reunir al grupo?

Fue bastante natural. La mayoría eran viejos amigos. Yannis fue el único miembro completamente nuevo. Lo conocí por internet en 2015 y le hablé de mi idea de formar una nueva banda. Le interesó y se unió. Martin, el bajista, me ayudó mucho, incluso me recomendó a otros músicos. Fue el primer al que le pedí unirse. Luego vino Buster, a quien conozco desde hace años. Sami era nuestro baterista original y también era un amigo de hace tiempo. Ahora tenemos un nuevo baterista.

¿Cómo fue encontrar a este nuevo baterista?

Él era nuevo para todos, pero era amigo mío y me dio una lista de posibles candidatos. Contacté a algunos y me decidí por él. Necesitábamos un baterista porque el anterior no podía venir de gira.

¿Y el resto de la banda lo ha apoyado con esta incorporación?

Sí, todos estamos involucrados y contentos. Es un gran showman, muy talentoso, con buena energía y sentido del humor. Tiene el estilo perfecto para una banda de heavy metal.

¿Por qué elegiste a Yannis como vocalista? ¿Qué es lo que más te gusta de su estilo?

Porque puede cantar prácticamente de todo. Como compositor, me gusta tener libertad para crear cualquier tipo de canción, y él puede con todo: tonos graves, agudos, medios, voz limpia, rasposa, incluso growling si hace falta. Es un cantante excepcional. Además, es un gran tipo, amable, talentoso y muy musical.

Tengo entendido que lo descubriste en YouTube, ¿es cierto?

Sí, hizo muchas versiones de canciones famosas en YouTube. Me llamó mucho la atención su versatilidad y carisma.

Hablemos un poco del sonido de Berserker. Desde la primera canción se nota una mezcla entre power metal y heavy metal. ¿Esa fusión fue intencional o están todavía explorando su identidad musical?

Siempre hay una mezcla entre lo familiar y lo nuevo. Seguramente siempre seremos una banda de heavy metal, no veo que eso cambie. Tal vez no toquemos jazz, a menos que todos quisiéramos algo así (risas). Pero el heavy metal es nuestro núcleo. Lo que buscamos es aportar algo fresco con cada álbum, sin perder la esencia. Me gusta experimentar con sonidos e integrarlos al metal. Es como un terreno de juego para mí.

La canción «Crazy Mad Insane» es un buen ejemplo. Me gusta mucho el sonido de guitarra de los años 80, así que incorporé algunos elementos de esa época en esta canción. Hay personas que prefieren que las bandas mantengan siempre el mismo estilo, pero también hay quienes aprecian influencias más diversas, como guitarras con un sonido más clásico, de los años 30, o ese espíritu ochentero del que hablaba.

¿Sobre el concepto del álbum y el título «Berserker», te inspiraste en la leyenda de los berserkers o en el anime? Hay un personaje llamado «El Alma» que parece tener cierta conexión.

Primero, el personaje de la portada del álbum es como nuestra mascota, una figura icónica, al igual que otras bandas tenían las suyas en los 80. En nuestro caso, el manga-anime Berserk fue una de las mayores influencias para este álbum. Hay cinco canciones que están directamente inspiradas en ese manga, y el nombre del disco también hace alusión a él, además del personaje de la portada.

Ese personaje representa a un guerrero berserker: valiente, impulsado por la venganza, sin miedo. Lo que me atrae del manga Berserk es que, aunque tiene elementos de horror y fantasía, sus temas son profundamente humanos. Los personajes no son unidimensionales, tienen muchas capas, son complejos y fascinantes.

También hay una canción inspirada en Zodd el Inmortal. Pensé que sería interesante escribir sobre él esta vez. Hay tanto contenido en esa historia que se convierte en una fuente casi infinita de inspiración para escribir canciones.

Cambiando de tema, hablemos de la gira. No sé si lo sabes, pero en España hay muchas expectativas por verlos en directo. Ahora están aquí compartiendo cartel con Rhapsody en el «Framework Tour». ¿Cómo te sientes al respecto y qué esperas del público español?

Lo primero es que, al subir al escenario, simplemente quiero disfrutar el momento. Toda la banda siente lo mismo. Cuando nosotros lo pasamos bien, esa energía positiva se transmite al público y luego regresa a nosotros. Esa es la única expectativa que tengo: disfrutarlo al máximo y dar lo mejor de nosotros.

Ya estamos casi al final de la gira, solo quedan dos conciertos más. Hasta ahora, la respuesta ha sido muy buena en todas las ciudades. Basado en eso, creo que al público de Barcelona también le gustará. Al menos eso espero. Además, compartir gira con Rhapsody ha sido genial. Son personas muy agradables, tanto la banda como su equipo. No los conocía antes y ha sido una gran experiencia.

En España hay dos fechas: hoy en Barcelona y el jueves en Madrid. ¿Tienen planes de volver pronto? Tal vez en invierno con su propia gira, con invitados, o quizás en algún festival de verano.

Sí, estamos planificando más giras para este año y también para el próximo. Probablemente en 2026 hagamos una gira como cabezas de cartel. Aún no está confirmado del todo, pero esa es la idea. Estamos trabajando duro, muy activos. Cuando volvamos a casa después de esta gira, seguiremos centrados en el nuevo álbum. Cuando no estamos de gira, estamos trabajando en eso. También participaremos en algunos festivales este verano. Y entre festival y festival, seguimos avanzando con el álbum. Cuando esté terminado, haremos una gran gira europea para presentarlo.

Seguramente volveremos a España.

Entonces, ¿hay alguna posibilidad de que regreséis antes de lanzar el segundo álbum?

Puede ser, pero no estoy seguro. No recuerdo exactamente todas las fechas que ya tenemos confirmadas. Soy de esas personas a las que hay que recordarle los planes. Nuestro bajista es el más organizado en cuanto a logística de giras. Yo estoy más centrado en el lado musical. Pero sí, hay muchos conciertos por venir, y estoy seguro de que estaremos aquí otra vez.

Ya casi terminamos. Solo un par de preguntas más. ¿Cómo te sientes como músico y compositor en esta nueva etapa con Beast in Black?

Como músico, siempre siento que necesito practicar más, especialmente como guitarrista. Como compositor, estoy bastante satisfecho con lo que escribo, aunque me gustaría poder lanzar música con más frecuencia. Generalmente, entre un álbum y otro pasa uno o dos años, pero si fuera por mí, lanzaría tres o cuatro discos al año.

El problema es que con las giras no queda tanto tiempo para trabajar en nuevas canciones. Me encanta componer y me gustaría hacerlo todos los días.

¿Quieres contarnos algo sobre los proyectos futuros de la banda?

Creo que ya lo he comentado casi todo. Estamos centrados en el segundo álbum y habrá más conciertos. Muchas gracias a todos los fans en España. Gracias por venir a los shows, por escuchar el disco y por seguir apoyándonos. Esperamos verlos pronto con nueva música.

Muchas gracias, Anton.

Gracias a ti.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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