¿Nunca has recibido ofertas de grandes festivales como Wacken Open Air o Hellfest para tocar tu música en directo?

Sí, hemos recibido muchas. De hecho, llegamos a tocar en un festival, el Graspop en Bélgica. Fue junto a Iron Maiden y bandas así. Encabezamos la carpa en el Graspop, así que ya lo hicimos una vez. Pero es complicado, porque todo el montaje de Ayreon implica a unas 100 personas. Solo los músicos ya son entre 25 y 30, más todo el equipo técnico.

Es muy complejo y caro de organizar. También recibimos la oferta de otro festival; incluso llegamos a preparar el espectáculo, pero entonces llegó la pandemia. Así que quién sabe qué ocurrirá en el futuro.

Hemos entrevistado a varios artistas de ópera rock en España y siempre contestan lo mismo: es realmente difícil producir en directo este tipo de discos.

Cierto.

Es un poco triste, ¿no? Porque solo recibimos la mitad de la experiencia con el álbum, y estamos acostumbrados a ir a conciertos. ¿Cuál es tu opinión? ¿No es económicamente viable o simplemente este género de las óperas rock no funciona en directo?

Lo que pasa es que, si eres una banda, sales de gira, ensayas bien, sois cuatro o cinco músicos con un equipo detrás. Pero en este caso hablamos de un montaje de 100 personas. Y otro gran problema es que trabajamos con al menos diez cantantes en cada show; en algunos incluso llegamos a veinte. Y todos ellos tienen sus propias bandas aparte y están siempre muy ocupados. Reunir a todos estos cantantes en un mismo lugar es realmente complicado. Para organizar los conciertos de Ayreon tenemos que empezar a planearlo con dos años de antelación, así de complejo es.

Tengo dos preguntas de un músico llamado Joaquín Padilla, fan de Arjen Lucassen, que también hace óperas rock como tú. La primera: ¿habrá una segunda parte de Supersonic Revolution?

Es difícil decirlo porque ahora tengo muchísimos proyectos paralelos: Guild Machine, Gentle Storm, Stream of Passion, Ambeon, Supersonic Revolution, Plan 9, Simone Simons… Creo que la gente empieza a cansarse un poco de mis proyectos alternativos. Cada vez que arranco uno nuevo me dicen: “Queremos un nuevo trabajo de Ayreon, ¿qué estás haciendo? ¡Es hora de un nuevo Ayreon!”. Así que creo que lo próximo será un nuevo Ayreon. Dicho esto, hacer Supersonic Revolution fue muy divertido porque lo grabé con amigos cercanos y fue muy fácil de producir, así que me encantaría hacer otro, pero no hay planes.

La segunda pregunta es técnica: ¿cuál es el modelo exacto de la guitarra Ibanez RG de siete cuerdas que usas para las rítmicas en tus discos?

¿Quieres decir si tiene un nombre? Pues es de la serie RG, pero no tengo ni idea del modelo exacto, soy muy malo para esas cosas. Solo sé que es una Ibanez RG de siete cuerdas, nada más. Déjame verla… (trae la guitarra). Aquí está.

¿Qué pone?

Nada, solo un agradecimiento por comprar en la American Guitar Store. Bueno, aquí dice RG, serie RG. Eso es todo lo que sé. Sí, pero es mi guitarra favorita. Toco todo con ella. Suena mejor que ninguna, tanto con distorsión como en limpio. Así que pruébala.

La pregunta es si estás en contacto con otros artistas que hagan este tipo de proyectos, ya sea en Europa o en América, o si ellos intentan contactarte, porque creo que en este género eres una referencia.

La verdad es que no tengo ni idea. Soy muy malo para los nombres. Pero siempre contesto cada correo que recibo.

Bueno, pero ¿qué piensas de lo que digo? Para mí eres una referencia en el campo de la ópera rock. ¿Tú lo sientes así?

Es un gran cumplido. Cuando empecé con Ayreon la gente pensaba que estaba loco, porque eran los 90, los tiempos de Nirvana y el grunge, y no se hacían óperas rock progresivas. Todos pensaban que estaba totalmente loco al empezar con ello, y creían que no habría público para algo así. Y yo también lo pensaba. Solo quería hacer una ópera rock y la hice sin saber qué pasaría. Pero resultó que había una audiencia invisible, que nadie conocía, que compró el disco. Fue una gran sorpresa y, por supuesto, un gran honor poder inspirar a otros músicos.

¿Y crees que Into the Electric Castle cambió el mundo?

Para mí sí. Porque el primer álbum, The Final Experiment, fue un éxito moderado. El segundo, Actual Fantasy, no fue un éxito en absoluto. Así que Into the Electric Castle tenía que ser el grande. Tenía que ser exagerado al máximo, quería que la gente lo amara o lo odiara. Y cuando salió, por suerte, a la gente le encantó. Ese fue el álbum que cambió mi vida, sin duda.

Quiero decirte que el proyecto Ambeon fue un disco absolutamente increíble. Y además fue algo muy especial para la cantante.

Sí, tenía… creo que 14 años.

14 años. Guau…

Quería hacer un disco instrumental solo con sintetizadores. Entonces alguien me envió una grabación de ella y pensé: “No voy a escuchar eso, no tengo tiempo… es solo una chica holandesa de 14 años, ¿qué demonios?”. Pero en algún momento lo escuché y no podía creer lo que oía. Es increíblemente talentosa. Vino a mi estudio por primera vez, y lo hizo perfecto. Escribió su propia melodía, sus propias letras, realmente era un talento enorme.

La siguiente pregunta es un poco extraña, pero la leí en algún sitio, no sé si en Wikipedia algo curioso. Dicen que no compones escribiendo partituras o leyendo notas, y para mí eso es maravilloso, porque significa que eres muy bueno componiendo. ¿Cómo lo haces?

No tengo ni idea de todo eso. Como dije, lo grabo en mi teléfono, luego lo paso al ordenador y trabajo sobre ello. Uso mucho MIDI, no sé si lo conoces, pero me permite no tener que tocar teclados; puedo programarlo en el ordenador, igual que la batería. Programo todo y después se lo mando a los músicos reales. No les envío partituras ni tablaturas, solo una grabación con lo que quiero. Hoy en día esto es posible gracias a los ordenadores, pero en los 90 no era así. Sí, había ordenadores, pero era mucho más complicado. Tenía que mandar casetes o cintas DAT por correo, todo era distinto.

Tienes invitados muy especiales en tus discos, pero quiero preguntarte por dos personalidades muy especiales. Steve Vai estuvo en tu último disco; supongo que fue un sueño cumplido. Y también Rutger Hauer, el actor holandés. ¿Qué tan importantes fueron esas colaboraciones?

Fueron un sueño hecho realidad porque, de niño, Steve Vai era mi guitarrista favorito, junto con Ritchie Blackmore y Eddie Van Halen. El hecho de que él toque un solo, y además un solo tan largo, en mi disco, es algo increíble. Creo que duraba dos o tres minutos y realmente se esforzó por mí, siendo yo, un don nadie. Con Rutger Hauer fue igual. Crecí viendo sus películas en Holanda y también sus primeras series de televisión, en las que hacía de caballero medieval, eran muy divertidas. Así que poder hablar con tu actor favorito, como estamos hablando ahora nosotros, fue algo muy extraño.

¿Tienes algún músico o actor soñado como invitado para un futuro álbum?

Sí, claro, la lista es interminable. Crecí en los 60 y escuchaba a Pink Floyd, The Beatles, Led Zeppelin, Black Sabbath… si pudiera trabajar con ellos sería un sueño. Pero ellos no saben quién soy, así que aún no… quizá algún día suceda. Aunque claro, ahora tienen 80 años, así que me parece que es ahora o nunca. ¡Tengo que darme prisa!

¿Has recibido negativas de alguien para participar en tus proyectos?

Sí, claro, mucha gente me ha dicho que no, especialmente al principio, cuando nadie sabía quién era yo. Y debo decir que todos los que no son prog o metal siempre me dicen que no. Me encantaría trabajar con artistas de otros estilos, pero es imposible: en cuanto digo que hago música prog o metal, responden “no, no vamos a hacer eso”. Supongo que por eso se llama progresivo, porque tienes la mente abierta. Si un artista pop me pidiera colaborar, yo diría que sí, sería un reto, pero ellos no opinan lo mismo.

Somos los inadaptados.

Sí, totalmente.

Hablemos de tu salud. La última vez que hablé contigo me comentaste que sufrías de tinnitus. ¿Está todo mejor ahora?

No, no, nunca va a mejorar, solo empeora. Siempre uso in-ears o auriculares a un volumen muy alto, y cuando hago ejercicio, como cuando remo, escucho música a todo volumen. Así que solo todo va a peor y no hay nada que hacer.

¿Usas tapones cuando vas a conciertos?

Ya no voy a conciertos, pero si voy, me pongo tapones. Pero, ya sabes, yo mismo toqué en directo en los 70, 80 y 90, y entonces no pensabas en eso; solo querías que fuera lo más alto posible, y tenía la batería, justo al lado de mis orejas. Seguro que gran parte del daño viene de esos años.

Pero tocaste en un festival en Bélgica. ¿No tuviste oportunidad de ver a otras bandas?

No, no, estaba demasiado nervioso. Solo estaba entre bastidores pensando: “¿Cuándo me toca salir?”. Además, nosotros éramos los cabezas de cartel, así que llegamos lo más tarde posible. Yo llegué lo más tarde que pude, así que no vi nada más.

¿Recuerdas la última vez que lloraste en un concierto? No vas a muchos, pero ¿en cuál banda, y con qué canción sucedió?

Definitivamente fue en los últimos conciertos de Ayreon. Cada vez que los cantantes suben al escenario, interpretan mis canciones y lo hacen realmente bien, se me caen las lágrimas. Recuerdo especialmente cuando tocamos “Radar love”. Estuvo mi cantante favorito, con el que crecí: el vocalista de Golden Earring, Barry Hay. Seguro lo conoces por “Radar Love”, que fue un gran éxito. Es uno de mis héroes, y subió al escenario; tocamos un fragmento del “Radar Love” y el público no se lo esperaba. En ese momento lloré como un loco. Fue hermoso.

En nuestro equipo de Stairway toRock hay muchas personas que aman tus proyectos. Tenemos un amigo que viaja cada vez que tocas en los Países Bajos.

Increíble.

Esta entrevista a Arjen Lucassen es un sueño para él, así que algunas preguntas las formuló él.

Gracias. Genial. Salúdalo de mi parte y muchas gracias. Tal vez hablemos la próxima vez con él. Adiós.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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La entrada Entrevista a Arjen Lucassen (Parte 2): ‘Cuando pido colaboraciones a músicos que no son prog o metal siempre me dicen que no’ se publicó primero en Stairway to Rock.

Hola otra vez maestro Arjen Lucassen. Somos Jordi Tàrrega y Yolanda Sabater, yo desde Barcelona y ella desde Canterbury. Es un placer absoluto hablar contigo. Felicidades por tu nuevo álbum Songs No One Will Hear y gracias por esta entrevista. Empecemos: ¿dónde estás ahora mismo?

¿Dónde estoy? Bueno, siempre estoy en casa. Soy un auténtico ermitaño aburrido y siempre me encontrarás en casa. Estoy en Holanda. El clima está agradable, no demasiado caluroso hoy, y vivo en un pequeño pueblo junto al mar.

Después de 13 años de tu proyecto en solitario, tienes un nuevo disco… sobre el fin del mundo. ¿Por qué esa inspiración y por qué esa idea llegó a tu mente?

Pues bien, siempre empiezo con la música. Tengo aquí este pequeño teléfono y siempre una guitarra a mano. Voy grabando pequeñas ideas y, en algún momento, paso todas esas notas del móvil al ordenador en el estudio y las escucho. Siempre espero que la música me inspire un concepto, una historia y unas letras.

Esta vez, las canciones eran muy eclécticas: había piezas alegres, tristes, íntimas y también muy grandes. Necesitaba un concepto que reflejara todo eso. Todos mis discos tratan de emociones humanas; me encanta escribir sobre las personas. Así que pensé que necesitaba algo con muchas emociones distintas. Y me vino la pregunta: “¿qué haría la gente si supiera que solo le quedaban cinco meses de vida?”

Me pareció muy interesante porque cada uno reaccionaría de forma diferente. Uno se iría de vacaciones por última vez, otro cerraría las cortinas para no saber nada, quizás un padre que no ve a su hijo desde hace veinte años decidiría visitarlo… Apunté unas veinte ideas así y pensé: sí, este es el concepto perfecto. Por eso, en realidad, no trata del fin del mundo. No se trata realmente de un asteroide, sino de qué va a hacer la gente con sus vidas.

Y si solo quedaran cinco meses para el fin del mundo… ¿qué haría Arjen Lucassen?

En la historia aparece la Isla Santuario, el lugar donde el meteorito o asteroide impactará contra la Tierra. Y hay un personaje, el Doctor Slumber —que ya salía en mi anterior disco en solitario—, que organiza un viaje en autobús a la isla, en un autobús azul, para tener un billete de primera fila para ver el fin del mundo. Yo querría estar allí, querría estar en la isla, ver cómo llega el asteroide y acabar rápido.

No me gustaría estar en la otra punta del mundo, donde habría caos, hambrunas, peleas, tsunamis… Prefiero ir a la isla. Y en mi visión, allí todo es amable, gente buena, todo hippies como yo, dándose la mano y cantando. Creo que una de las canciones se titula “Just Not Today” y resume esa idea: todos vamos a morir, pero no hoy, así que aprovechemos el día.

Apuesto a que incluso en el último día del mundo estarías componiendo y tocando la guitarra, aunque miraras de frente al asteroide. Eso mismo es la portada del álbum, creo que la idea es simple: apareces en la playa con una guitarra y un perro.

En realidad, no sabía qué tipo de portada quería, así que pedí ideas a muchos artistas y me enseñaron imágenes espectaculares de ciudades en llamas y cosas así, pero todo era demasiado serio. Yo quería algo más divertido, porque no quiero que este álbum sea negativo o depresivo. Mi mensaje es positivo, un carpe diem, aprovecha el día. Así que, en cierto momento, le dije a mi pareja: vamos a la playa con el perrito, hagamos unas fotos y a ver qué pasa.

Fuimos y el perro se sentó a mi lado, como siempre hace —también está a mi lado ahora mismo—. Y en un momento pensé: ¿qué tal si simplemente aparezco sentado en la playa con mi guitarra, y detrás de mí se ve un asteroide enorme, y yo sin preocuparme lo más mínimo? Sentí que esa portada contaba la historia entera en una sola imagen y además, podía sacar una sonrisa.

Tengo que decir que Yolanda y yo compartimos la misma canción favorita, ¿verdad?

¿Cuál es?

Es “Dr. Slumber Blue Bus”.

Ah, genial, genial… Sí, es graciosa. Es una canción muy alegre, pero en realidad trata del autobús que te lleva hacia tu final. Me encantan esos contrastes: una canción muy feliz sobre un tema muy triste. Como decía, el Doctor Slumber es un personaje de mi anterior álbum en solitario, y lo del Blue Bus lo tomé de una canción de The Doors. Ellos tenían un tema llamado “The End” y su cantante, Jim Morrison, estaba completamente colocado y balbuceaba palabras, repitiendo todo el rato “The Blue Bus is calling us”. Me pareció buena idea tomar esa frase y usarla en mi disco.

No tenemos todas las letras; incluso yo intentaba entenderlas, pero en este disco hay muchos personajes, ¿verdad?

Más o menos lo mismo que en los otros. Básicamente, en la primera canción, “The Clock Ticks Down”, canto sobre muchos personajes, me centro en qué harían las personas si supieran que les quedan solo unos meses de vida: la mujer que quiere ver el mar una vez más, el padre que quiere llamar a su hijo o el pobre hombre que ya no quiere vivir y toma pastillas. Así que, en efecto, no es una ópera rock como las que hago con Ayreon, donde hay muchísimos personajes. Aquí el personaje principal soy yo. Y, por supuesto, está Irene Janssen, que hace todos los coros, y Mike Mills, un youtuber, que narra la historia.

Quiero preguntarte por la última canción, “Our Final Song”. Creo que es algo especial, pues es la más larga del disco. ¿Qué nos puedes contar de ella?

En mi anterior álbum en solitario, Lost in the New Real, había una canción muy larga de doce minutos que se llamaba igual que el disco, y es mi favorita de siempre. Así que me dije: si hago otro álbum en solitario, necesito otra canción larga como aquella. Para mí fue un auténtico reto crear un tema tan extenso y mantenerlo interesante de principio a fin. Pero empecé y todo surgió de manera espontánea: las ideas iban fluyendo unas hacia otras, y en un momento me pregunté cuánto tiempo llevaba. Las junté todas y me di cuenta de que duraba ¡catorce minutos! Eso era incluso más largo que mi anterior canción.

En cuanto a las voces femeninas, tienes muchas colaboraciones. Creo que Floor Jansen está, por supuesto, y también su hermana participa en el disco, ¿cierto?

Sí, Irene Janssen hace todos los coros. Diría que yo canto un 80 % y ella un 15 %. Y luego, por supuesto, está la voz increíble de Floor Jansen en la canción “We’ll Never Know”, que es un tema muy triste. Es una canción sobre una pareja que espera una niña, pero que nunca podrá verla crecer por culpa del asteroide y del fin de la humanidad. Pensé que solo había una persona en el mundo capaz de cantar eso y transmitir esa historia, y esa era Floor. Por suerte, le encantó la canción y la letra, y puso mucho de sí misma en la interpretación. Hizo un trabajo increíble.

¿Crees que este es el disco con más voces femeninas que has hecho nunca?

¿En este álbum? No, no lo creo. En los discos de Ayreon suelo tener muchas cantantes invitadas y además me encantan los coros femeninos, así que muchos de mis discos incluyen voces femeninas de fondo.

Y también participa Marcela Bovio en el álbum. ¿Qué importancia tiene ella para Ayreon y en tus trabajos?

Muchísima, muchísima… La conocí por primera vez cuando hice The Human Equation en 2004. Tenía en el disco a artistas muy famosos, pero también quería alguien desconocido. Así que pedí que me mandaran maquetas y recibí unas 200. Fue increíble, y ella fue la mejor de todas. La invité a venir a trabajar en The Human Equation y funcionó tan bien que desde entonces la he incluido en casi todo lo que hago, incluso en los directos.

¿Cómo decides si vas a componer un álbum para Ayreon o uno en solitario?

Normalmente no lo decido. Simplemente empiezo, como dije, con mi teléfono y mis ideas, y no sé en qué se convertirá. Dejo que todo se desarrolle de forma orgánica, porque sino, me limito demasiado. Pero esta vez, después de hacer discos para otros, como el de Simone Simons, pensé que ya era hora de hacer algo para mí. Un álbum de Ayreon me lleva dos años, requiere mucho trabajo, pensar mucho, logística, invitar a cantantes, organizar… y no me apetecía. Sentí que quería hacer algo sencillo y todo por mi cuenta.

¿Tienes planes de tocar este disco en directo?

De hecho, ya lo llamé Songs No One Will Hear Live. [Risas] No, en serio, tocar en directo ya no es lo mío. Lo dejé en los años noventa, hace unos treinta años, porque sencillamente no se me da bien. Creo que lo que se me da bien es producir y componer discos, hacer álbumes conceptuales, óperas rock. Así que no, no está pensado para tocarse en directo. Dicho esto, cada dos años hacemos conciertos de Ayreon y podría incluir alguna canción en esos shows; ya lo hemos hecho antes.

Y siempre tocas los conciertos de Ayreon en los Países Bajos, ¿verdad?

Sí.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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La entrada Entrevista a Arjen Lucassen (Parte 1): ‘Tocar en directo ya no es lo mío, eso lo dejé en los noventa’ se publicó primero en Stairway to Rock.

Aquí os dejamos con la entrevista:

Yolanda Sabater Algarra

Nanotecnóloga y química de formación y amante de la música como pasión. Me gusta la música en todas sus vertientes. Empecé tocando el violín y de la música clásica pasé al rock y al metal (mis primeras bandas fueron AC/DC y Mägo de Oz, por supuesto). No tengo muchas bandas predilectas, aunque Rulo siempre encabeza el podio. Helloween, Volbeat o Greta Van Fleet le siguen de cerca. Mis gustos han cambiado a lo largo de los años pero siempre abierta de mente, así que le doy al hard rock, al power, al death metal (melódico) y a todo lo que me haga descubrir cosas nuevas o me sepa impresionar.

La entrada Entrevista a ARJEN LUCASSEN: «Me dicen que NO cuando descubren que es METAL» se publicó primero en Stairway to Rock.

¿De qué discográfica hablas? ¿La vuestra propia?

Sí, tenemos nuestro propio sello discográfico.

Felicidades.

Gracias. Llevamos muchos años con una compañía discográfica y sentíamos que era momento de probar por nuestra cuenta, y eso hicimos con el último disco. Esperamos hacer lo mismo con los próximos discos.

A ver, no quiero decir que estar con una discográfica no sea útil, pero queríamos cambiar la forma en que lanzábamos las cosas. Por ejemplo, en el pasado, quisimos sacar singles durante la pandemia y se lo propusimos a nuestra antigua discográfica, pero nos dijeron que no, que no funcionaban así, que querían álbumes completos. Como ves, una forma diferente de pensar.

Cuando tienes libertad para hacerlo tú mismo, puedes lanzar lo que quieras cuando creas conveniente. Si mañana decido lanzar algo, puedo hacerlo. No tienes que convencer a toda una empresa para que acepte hacer algo en un tiempo determinado, y eso nos funciona realmente bien.

Es un tema complicado abrir la conversación sobre las discográficas. Podríamos hablar una hora o más sobre esto. No es malo estar con una discográfica, tiene sus ventajas y desventajas, pero para nosotros es liberador tener control total, sobre todo, cuando incluyes los presupuestos.

Avantasia y Ayreon son dos de mis proyectos favoritos en los que has participado en el pasado. ¿Cómo ves a Tobias Sammet y Arjne Lucassen? ¿Sois amigos? ¿Qué importancia tienen para ti?

Son proyectos que hice hace mucho tiempo. De hecho, vi a Tobias hace unos años en Wacken, vino a saludar y fue muy agradable volver a verle. Conozco bastante bien a los dos. No tenemos mucho contacto, pero cuando nos cruzamos, nos saludamos y tomamos algo juntos.

Disfruté mucho participar en ambos proyectos y es gracioso que en las sesiones de firmas la gente siempre saca los discos de Avantasia o Ayreon y me piden que los firme. La gente no ha olvidado que participé con ellos. Nuestra historia ya tiene 30 años, así que es larga… y realmente disfruté trabajando con ellos.

¿Cómo entrenas tu voz de soprano después de tantos años? ¿Es más difícil que una voz de alto o contralto? ¿Es más complicado entrenarla?

Bueno, en realidad, creo que la voz de soprano es la más fácil, para ser honesta. Simplemente me sale de forma natural. He utilizado la voz de soprano durante más tiempo, pero la voz grave es más delicada. Cuando enfermo, eso afecta más a mi registro grave que no al agudo. Las canciones ligeras, como “Mother Earth” y las partes operáticas que hemos hecho, son más fáciles de cantar porque la voz hablada es la que se daña más rápido en mí.

Así que siempre tengo problemas con las canciones graves y las más duras, como “In the Middle of the Night”, que incluso se combina dentro de la misma canción. Tiene notas altas y bajas, es una voz normal, pero en la nota más alta que puedes cantar, digamos que esa voz se queda sin fuerza. Cuando me enfermo, por un resfriado o algo así, esa canción sale inmediatamente del set-list. Es la canción más complicad para cantar, “In the Middle of the Night” o “Iron”, esas canciones son muy difíciles.

¿Has pensado, ya no en aprender, pero sí mantener un entrenamiento con un profesor o profesional, o siempre lo has hecho por tu cuenta?

Siempre lo he hecho por mi cuenta, pero ahora hay una mujer en los Países Bajos a la que puedo llamar cuando quiero. Estaba en Inglaterra con la gira World’s Glide Tour y perdí la voz un día antes.  Tenía el día libre y fui a la sauna para abrir un poco las vías respiratorias. Aun y así, sentía que no podía cantar esa noche, entré en pánico, la llamé, conseguí su número y me dio algunos consejos especiales, no exactamente vocales, sino sobre cómo masajear los músculos de mi cara.

Eso me abrió la puerta. Como dijiste antes, probablemente puedas cantar, pero si tienes un resfriado y algo te pasa mentalmente, o estás estresada, solo tienes que empezar a masajear ciertos músculos de la cara porque todo alrededor de la garganta son músculos. Si empiezas a calentarlos y masajearlos, probablemente puedas cantar esa noche, y así sucedió. Me sorprendió mucho; iba al escenario pensando que iba a morir, pero al final pude salir y lo logré.

Así que estaba muy contenta con eso. Aparentemente, los problemas que tenía no eran tan importantes, pero en mi mente sí lo eran, porque creía que no tenía voz, como si me estuviera ahogando, de alguna forma.

¿Recuerdas la primera vez que lloraste en un concierto? ¿Qué banda y qué canción fue?

No creo que haya llorado nunca en el show de otra persona. Sí he llorado muchas veces con la música, claro, porque las palabras te llegan al corazón o a la mente, pero no en un concierto. No lo recuerdo, perdona, pero te admito que es muy buena pregunta…

¿Y alguna vez lloraste mientras tocabas tus canciones?

Sí, a veces puede pasar. Te abruman cosas que pasan en tu vida personal y luego las letras te golpean fuerte cuando cantas. Sí, me ha pasado. Hay varias canciones que sé que serán siempre difíciles para mí cantar, como “Forgiven”.

Es una canción difícil de interpretar a veces, porque trata sobre algo personal, y cuando estás triste y cantas esa canción… esos recuerdos vuelven y empiezas a sentirlo otra vez en el escenario, aunque no quieras que suceda. Pero también sabes, que eso es la música, y también es hermoso que la música pueda hacerte llorar. Que puedas liberarlo y que la gente lo entienda también.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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Trece años después de su anterior trabajo en solitario, Lost In The New Real, Arjen regresa con Songs No One Will Hear. Fiel a su estilo característico, el disco ofrece una mezcla ecléctica de canciones que transitan entre lo épico y poderoso, y lo ligero y lúdico. En su núcleo, el disco gira en torno a una profunda premisa conceptual: ¿qué haría la gente si supiera que solo le quedan cinco meses de vida debido al impacto inminente de un asteroide? Prepárate para una montaña rusa emocional que explora tanto la luz como la oscuridad de la naturaleza humana.

La narración del álbum corre a cargo de Mike Mills (Toehider), y cuenta con colaboraciones de Irene y Floor Jansen, Robert Soeterboek, Marcela Bovio y Patty Gurdy, quienes aportan aún más riqueza al sonido diverso del disco.

Para ofrecer un primer adelanto, Arjen presenta el tema final del álbum: “Our Final Song”.

Puedes ver el mini-film de 15 minutos para “Our Final Song”, realizado por Arjen Lucassen, Elan Lopez, Dave Letelier y Lori Linstruth.

Sobre esta canción, Arjen comenta:

“‘Our Final Song’ es el épico final del álbum, una pieza de 15 minutos que mezcla estilos musicales de forma ecléctica y fluida, alternando secciones poderosas y dramáticas con otras más introspectivas y suaves. Al acercarse el fin, quienes enfrentan sus últimas horas de vida, sienten emociones intensas como la ira, el arrepentimiento y la paz. Muchos se reúnen en Sanctuary Island para cantar juntos una última canción. Y, al más puro estilo Ayreon… hay un epílogo escondido. Tendrás que descubrirlo por ti mismo.”

 

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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La entrada Arjen Anthony Lucassen anuncia nuevo disco en solitario: Songs No One Will Hear, a la venta el 12 de septiembre de 2025 se publicó primero en Stairway to Rock.

Esta montañera y atleta de origen nazarí lleva años en el negocio, aunque últimamente estaba algo retirada. Yo tenía entre ceja y ceja poder “ficharla” para alguna colaboración esporádica, y curiosamente lo conseguí en un encuentro casual en la abadía de Montserrat. Ella corría por la montaña y yo me iba a confesar mis pecados a la Virgen, pero no tardé en ofrecerle un par de conciertos y, especialmente, lo que más me apetecía: la sección de Diez fotos de 10, donde sabía que más podía lucir su trabajo.

Como podréis adivinar por las fotos, ha hecho sesiones privadas por varios grupos y músicos y le pedí un par de fotos que me encantan: la de Celeste (recordemos que allí no había luz) y la de las bombillas de Devin Townsend. Un sol de persona y una profesional ejemplar (Jordi Tàrrega).

1. AVANTASIA

Me contrataron para hacer las fotos de la gira cuando vinieron a Barcelona. Para mí, era de mis primeros trabajos grandes con una banda tan importante como es Avantasia. En aquella época, solo tenía un cuerpo de cámara, así que estuve las 3 horas que dura el show disparando perfecto, cambiando objetivos. Todo fue realmente bien; entendí las instrucciones que me dieron para cada momento.

Llegó la última foto, la “photofinish”… ¡Tierra, trágame! (pensé). Me dejó de funcionar la cámara, murió, no disparaba, no sabía qué pasaba. Tenía a toda esa gente delante de mí, no solo la banda con todos los que eran, ¡sino todo el público en un Razzmatazz lleno hasta la bandera, brazos en alto, esperándome a mí…!

Empecé a gritar a Tobías: My camera doesn’t work! (me quería morir), así que solo se me ocurrió desmontar la cámara, sacarle las baterías, las tarjetas, el objetivo, esperar y volver a meterlo todo. ¡FUNCIONÓ! Y grité: Come on!!! Disparé unas 10 veces seguidas rezando que saliera bien, jajajaja. Después era un flan; bajé y me temblaban tanto las piernas que me caí por las escaleras, jajajaja. Tobías vino a quitarle importancia al asunto y me dio un abrazo. Pensé: «¡Se acabó, no me vuelve a llamar en mi vida!»

Ese verano tocaban en el Leyendas del Rock y volvieron a llamarme. Ahí sí llevé dos cuerpos de cámara.

2. CHRIS CORNELL

Esta para mi es heavy, nunca creí que sería la última vez que lo viese y lo pudiese fotografiar, porque fue su último concierto en Barna, un año después dieron la noticia de que se había suicidado.

3. IRON MAIDEN

Es de esas bandas que te pones hasta destrozar la cinta de cassette y cuando te dicen que estás en el foso para hacerles fotos no te lo puedes ni creer…como si fuera un sueño, te sientes muy pequeño y grande al mismo tiempo. ¡Ya van 3 veces que los fotografío!

4. MAYHEM

Tomé estas fotografías en su concierto en Razzmatazz 2 en Barcelona. Dos años después, hicieron una edición especial con material inédito en una luxury box con un libreto. Me compraron esas fotos que aparecen dentro del libreto. Una joyita para los amantes del Black Metal.

5. RED HOT CHILI PEPPERS

Pues podría decirse que un poco como con Maiden. En mis años de niña rebelde eran una de las bandas que más punteaban y salían en todas las emisoras, los ponía en bucle hasta destrozar las cintas jajajaja, son esos grupos que ilusiona por lo que en tu juventud te hizo sentir, recuerdos con amigos, bares, fiestas, noches locas…y todo ello con bandas que marcaron una década de tu vida, pues llena mucho tenerlos delante y decir, joder, les he podido hacer fotos sabes?

6. AYREON

Fui al especial de 3 días con Metal Hammer que hicieron en Tilburg. Semanas después del show, Arjen me contactó porque quería usar varias fotos en la edición especial que iba a sacar, tuvimos ahí un poco de idas y venidas con el tema de que las fotografías no son gratis y menos si las vas a usar para algo que tú te vas a beneficiar. Finalmente llegamos a un buen acuerdo, no hay nada como dialogar! 2 de mis fotografías de esas noches salen en el libro especial, una de ellas en la Contraportada.

7. CELESTE

Hay veces en las que las condiciones de luz, espacio, etc., no son nada óptimas, ¡o directamente nulas! Mejor ejemplo que ellos para demostrarlo, no hay. No hay luces, solo los frontales que llevan en la cabeza, ¡y para más «cariño» hacia los fotógrafos, en rojo! Jajajaja. Realmente, al final hasta acaba gustando, porque es un auténtico reto lograr alguna foto que inspire o transmita bien su música. Así que no todo tiene que ser fácil; lo difícil también nos gusta, ¡aunque nos den ganas de escupir fuego por la boca!

8. ALEXI LAHIO

Cuando Alexi falleció, hice una especial que se publicó en Metal Hammer para los fans, no sé si llego a publicarse la verdad, no lo recuerdo, pero me encantó el resultado, alguno sé, que lo usó para hacerse alguna taza y una camiseta si no recuerdo mal.

9. ERTZEBET

Los que me conocen más, saben que no solo hago fotografías en directo si no que también trabajo con bandas para sesiones y diseño de portada y artworks de nuevos álbums.

La portada del disco de Ertzebet ha sido de mis mayores retos a nivel de sesión y edición. Fue un proyecto complejo, no soy de usar Inteligencia Artificial, me gusta hacerlo todo yo, y cuando digo todo, es todo. Tuve que hacer el maquillaje de FX, planificación y todo el desarrollo de la sesión, fue algo muy heavy, me regalé llenando todo de sangre, también tengo que decirlo, pero el resultado fue espectacular, el concepto de interpretar una mínima parte de las 650 mujeres que asesinó la Condesa Bathory era complicado pero la idea de poder representarlo me ponía y mucho! Un gran reto, y quién no quiere un buen reto dónde poner a prueba tus habilidades?

Tan solo se uso IA para el fondo, porque fue imposible encontrar un escenario similar a lo que necesitábamos y por recursos y tiempo decidí usar la IA para crear tan solo el fondo de la pieza. Todo lo demás fue un trabajo de muchísimas horas usando la técnica Matte Painting.

10. DEVIN TOWNSEND

En los años que hacía las sesiones “express” antes de que la banda saliera a tocar tuve la tremenda locura de liársela a Devin Townsend jajaja fue muy brutal ver su cara cuando bajó las escaleras y se encontró todo lo que había liado con las bombillas, humo, luces… me dijo era increíble, abrazaco que nos dimos. Menuda sesión y menuda experiencia con él. Una grandísima persona, y allí estuvieron conmigo Jero, Elena, Xenia y Markus, que les agradeceré siempre la ayuda de montar todo y estar apoyándome siempre.

Yolanda Sabater Algarra

Nanotecnóloga y química de formación y amante de la música como pasión. Me gusta la música en todas sus vertientes. Empecé tocando el violín y de la música clásica pasé al rock y al metal (mis primeras bandas fueron AC/DC y Mägo de Oz, por supuesto). No tengo muchas bandas predilectas, aunque Rulo siempre encabeza el podio. Helloween, Volbeat o Greta Van Fleet le siguen de cerca. Mis gustos han cambiado a lo largo de los años pero siempre abierta de mente, así que le doy al hard rock, al power, al death metal (melódico) y a todo lo que me haga descubrir cosas nuevas o me sepa impresionar.

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Cuando la cantante o el cantante de una reputada banda de metal se lanza a crear un trabajo como solista, muchas veces lo hace para explorar otros sonidos y ritmos, y en ocasiones incluso busca un enfoque más comercial que llegue a gente más allá del género donde es conocida. Pero a veces pasa todo lo contrario, y Simone Simons llamó a Arjen Lucassen, uno de los reyes del metal progresivo, y le pidió que le compusiera la música para su proyecto individual. Y viendo en solitario, es casi como si le hubiera pedido un disco de Ayreon pero solo para su voz y sus letras. La relación musical entre ambos viene de muy atrás, ya que ella ha aparecido en alguna de las operas de metal del neerlandés, e incluso ha participado en alguno de sus contados directos.

Antes de profundizar en esta reseña, debo confesar que nunca he sido un gran seguidor de Epica ni de Simone Simons. Prácticamente no había escuchado nada de ellos en las últimas dos décadas, por lo que al anunciarse el disco en solitario de ella no me llamo tanto la atención. Pero sí soy un gran seguidor de Lucassen, sobre todo de proyectos como Ayreon y Star One, y eso fue lo que hizo que dejara de lado la pereza y le diera una oportunidad. No sabía muy bien lo que podía esperar de él, pero la sorpresa fue mayúscula cuando me cautivo por completo desde la primera escucha.

El trabajo comienza con “Aeterna”, cuyos primeros segundos son una introducción instrumental al más puro estilo Ayreon que recuerda al 01011001, pero que enseguida cambia adoptando unos acordes orientales que recuerdan mucho más al Arabia de Vengeance, el grupo de los noventa de Arjen Lucassen. Guitarras, batería, violines, es un inicio épico  para el álbum que enseguida demuestra que no se van a andar con medias tintas. El tema se suaviza cuando entra la voz de Simone, y musicalmente casi se desnuda cuando llega el momento del puente, pero luego vuelve a arrancar con total epicidad y coros en latín. Este primer corte no tiene un estribillo potente, pero en su lugar tenemos un momento de gran magnitud, con muchos coros y grandilocuencia . Pero estamos hablando de metal progresivo, por lo que pasada la media canción todo cambia, y de repente aparece una base con tintes techno apoderándose de todo junto a unos coros ocasionales, hasta desembocar de nuevo en un riff de buen guitarreo, y cabalgar hacia una última parte mucho más rítmica en la que todo crece, y en la que Simons acaba alcanzando unas notas muy altas. Impresionante carta de presentación.

Le sigue “In love we rust”,  cuyas primeras notas también recuerdan inevitablemente a Ayreon, pero con algunos tintes al proyecto The Gentle Storm que Lucassen hizo con Anneke Van Giersbergen. Tras la quietud y la oscuridad iniciales y las primeras estrofas, llega por primera vez el estribillo en el que, esta vez sí, el protagonismo se lo lleva la voz. Sí, enseguida sabes que estamos ante una de esas canciones en las que toda la fuerza está en el estribillo, una pieza algo más clásico que no deja de ser una maravilla musical, y con un buen solo de guitarra, que no hay mucho en este conjunto de temas. Luego, se vuelve a repetir el estribillo para llevarnos un increscendo lleno de ambientaciones y una voz principal siendo doblada por coros, y en el que disfrutamos de una auténtica demostración vocal por parte de la cantante neerlandesa.

La siguiente pieza del disco es “Cradle to the grave”, un dueto con la colaboración de Alyssa White Gluz, de Arch Enemy. Empieza fuerte, con un sólido riff de guitarras acompañadas de los característicos sintetizadores que suele añadir Arjen. Un inicio que suena mucho a Star One, hasta que todo se para para que empiecen a entrar las voces combinándose de una manera muy melodiosa, con misterio y ecos. Luego, de repente el tema vuelve a enrudecerse cuando se le unen coros guturales por parte de Alyssa, y poco a poco va subiendo en fuerza al ir combinando voces limpias y guturales. La canción juega mucho a eso, a pararse y luego subir en intensidad, y honestamente me parece que el resultado es sublime, con un tema que por momentos se vuelve muy épico cuando las guitarras empiezan a doblar en el fondo.

Tras un inicio de disco sublime con tres temas absolutamente espectaculares, “Fight to Fight” parece pisar un poco el freno. Se trata de una balada bastante ambiental, con un estribillo que despega de forma comedida con la entrada de guitarras eléctricas. De nuevo, podemos reconocer el estilo inconfundible del compositor musical de la obra, aunque en este caso recuerda mucho más a lo oído en trabajos como Stream of Passion, pero un poco menos pegadizo, quedándose en balada suave con momentos de intensidad.

En este punto, me acabo dando cuenta de que uno de los puntos que pensaba que estaba a favor de este trabajo también juega en contra. Si has leído hasta aquí, habrás visto que no paro de comparar canciones con otras de Arjen Lucassen. Y es que pese a ser el disco en solitario de Simone Simons, el neerlandes peca mucho de repetir constantemente sus vicios a la hora de componer. El tipo de sonido, el tipo de arreglos que utiliza son todos muy familiares para quienes hemos seguido su obra. Y oye, a mi esto me encanta, pero también es posible que a alguien que sea menos entusiasta de este músico le pueda parecer repetitivo. En cualquier caso, aprovecho para decir que el sonido y la producción del disco son sobresalientes, marca de la casa del productor Joost van den Broek, uno de los principales productores de metal en Holanda.

Seguimos con el corte “The weight of my world”, que combina holandés e inglés, y en el que se habla del peso de nuestro mundo con heridas y cicatrices que otros no ven. Comienza con aspereza y con crudeza en el sonido, pero que evoluciona a un muy buen medio ritmo con todos los adornos musicales que estamos viendo en el resto de temas, buenos coros y buenos riffs de fondo.

Pasado el ecuador del disco, “Vermillion Dreams” nos recibe con un ambiente lento y silencioso, con arreglos de cuerda y bajo que permiten que nos podamos centrar en la voz. Poco a poco, van sumándose  instrumentos, con algún punteo de guitarra eléctrica, para acabar alzándose con una batería más marcada y muy al estilo de una marcha… antes de volver a ralentizarse antes de volver a elevarse y permitir que Simone Simons se luzca totalmente.

Después de ese interludio pausado llega “The Core”, con mucha fuerza, guitarras, y voces muy agresivas con guturales rápidos por parte de Mark Jansen, de Epica. Esta introducción deja paso a unas estrofas donde la voz de Simons suaviza las asperezas, aunque manteniendo guitarras de vieja escuela con sonidos de hard rock. Es una canción en la que justo después del estribillo se unen las voces dobladas de los coros y el gutural más agresivo, y crea un efecto dramático y teatral, sobre todo al final cuando los coros suben de intensidad.

Tras la velocidad del corte anterior, volvemos a un ritmo más pausado con “Dystopia”, donde las estrofas calmadas se unen a puntos más álgidos con guitarras doblando junto a unos coros muy teatrales. Pasada la mitad de la canción, todo parece pausarse y llega el turno de un solo de guitarra, que va subiendo de intensidad hasta desembocar en un álgido final en el que  todos los elementos se unen. Es verdad que quizá este tema se queda un poco a medio gas, pero sirve para coger aire antes de lo que viene después.

Porque lo que viene es “R.E.D.”, cuyo título representa el color principal del disco, cuya portada es roja como el pelo de la cantante. Es posiblemente el tema más diferente, progresivo y sorprendente del disco.  Vuelve a tener las pinceladas de voces guturales de Mark Jansen, pero con un fondo más electrónico y un sabor corrosivo e industrial. Navega por varias combinaciones de sonido, juega libre con la música y con el intercambio de géneros y paisajes musicales. Ahora es corrosiva y agresiva, luego pasa a ser calmada, luego se alza con coros épicos. Es una muy buena combinación que, si soy honesto, he disfrutado más cuando le he prestado mayor atención para escribir esta reseña que en las numerosas veces que la había escuchado antes.

Y llegamos al final con “Dark night of the soul”, una delicada canción con piano, cello y la voz de la artista protagonista. Es una canción bonita, melancólica y muy suave, una balada que sirve como sencilla despedida totalmente opuesta a todos los adornos del resto de los cortes de este disco.

En definitiva, podemos decir que si te gusta cómo compone Arjen Lucassen te va a gustar mucho este disco, porque no ha tomado riesgos ni ha salido de su zona de confort, se ha dedicado a componer como más le gusta. Y si te gusta la voz de Simone Simons también te va a gustar, porque si algo caracteriza a Lucassen es que siempre sabe sacar más provecho de las voces de los cantantes con los que trabaja que en los propios grupos de estos. Y si nunca has oído a uno de estos dos artistas pero sí al otro, estoy seguro de que acabarás con ganas de descubrir la obra del que no conocías. Me ha pasado a mi, que he empezado a escuchar Epica y a valorar mucho más a una cantante a la que llevaba demasiados años ignorando.

Yúbal Fernández

Experto en tecnología y amante de la buena música. Abierto a todo tipo de géneros, pero amante del prog en particular. Me encontrarás más en conciertos de pequeñas bandas locales y nacionales que en los de grandes leyendas del rock internacional, y también en algunos que otros festivales.

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