Entrevista a Page Hamilton de Helmet: «He tocado delante de 150.000 personas» (Parte 1)

El 10 de noviembre de 2023 Helmet publicaba su nuevo trabajo «Left» y tuvimos la oportunidad de hablar con el creador del proyecto Page Hamilton. Una gran entrevista que disfrutamos mucho y que ahora dejamos aquí para que podáis disfrutarla también.

Te diría buenas noches, pero creo que más bien buenos días. Saludos desde España y felicidades por este nuevo álbum, que se va a lanzar, creo, el 10 de noviembre.

Sí, eso suena correcto.

Me gustaría empezar hablando primero de tus álbumes anteriores y luego hablaremos de este nuevo. Pues llevas en la industria musical, digamos, más de 30 años. Me gustaría preguntarte, ¿cuál ha sido tu momento más dulce en la música y cuál el más difícil o complicado de tu carrera?

Bueno, 34 años… Los momentos más dulces, los mejores momentos, son cuando estás, ya sabes, en el escenario o en el estudio y todo encaja. Y no es solo un instante, es lo que persigues como músico. La primera vez que me pasó estaba en la universidad, estudiando música, tocando con amigos en la escuela de música de la Universidad de Oregon.

 

Tuve un momento en el que estábamos tocando un blues en do menor de Oliver Nelson llamado Stolen Moments, y me sentí libre. Sentí que tenía un nivel fundamental de conocimiento y habilidad, pero que estaba mejorando cada vez más. Estaba tocando con personas que no me juzgaban. Había amor en la sala, sentíamos eso, y conecté y empecé a tocar algo que no conocía; no sabía lo que era, simplemente surgía de mí. Eso es lo que tanto amo de la improvisación y de la música: que puedes expresar algo que no necesariamente entiendes, y eso te lleva a una experiencia fuera del cuerpo. He tenido eso millones de veces con Helmut y también tocando jazz con amigos, y es una sensación maravillosa.

 

Así que esa sensación, en general, es la que define los momentos altos. Los bajos serían lo opuesto: cuando tocas y no hay conexión, estás forzando las cosas. Tocar la guitarra se siente como cavar una zanja; simplemente estás intentando sacar la música y no quieres hacerlo por rutina ni forzarlo, quieres que fluya. Pero si no tuvieras esos momentos bajos, no tendrías los altos.

 

¿Te refieres a la falta de inspiración?

Podría ser causada por un ambiente sonoro terrible, una vibra terrible. He tocado frente a 80.000 o 150.000 personas, pero sin sentir ninguna conexión, nada del público. Es como darlo todo y no recibir nada. Sentí algo diferente en Chile, la primera vez que tocamos allí; el público se volvió loco, como en un partido de fútbol, gritaban: “¡ayúdenme, ayúdenme!” Eso es muy típico de los hispanohablantes. Esto me resulta interesante porque acabamos de hacer Sudamérica en noviembre y luego fuimos a Australia y Nueva Zelanda en primavera, y después a Estados Unidos.

 

Me gusta bromear con los fans americanos; les dije que tengo una canción que en cierto momento se reduce solo a mí tocando, solo guitarra y voz. Entonces pregunté: ¿por qué en Sudamérica, durante esta sección de la canción, aplauden? Y en Santiago, debo decir en particular, me encantó. También me encantó São Paulo, Florianópolis, he tocado en Guadalajara, Ciudad de México… increíble. Pero Santiago fue especial, el público estaba 100 % contigo, y eso me encanta, es una sensación maravillosa. ¿Será por el idioma español? ¿O por ser latino? No lo sé, es hermoso, realmente hermoso. Es una sensación increíble. Sí, todo el mundo dice que la gente latinoamericana es muy apasionada, divertida y así… sí, genial.

En los últimos años, podemos decir que has estado en un periodo muy prolífico de tu carrera, con dos álbumes en los últimos siete años, incluyendo este próximo lanzamiento. ¿Qué te ha llevado a tomarte tanto tiempo entre ellos?

Bueno, la banda sacó Dead to the World en 2016, ¿verdad? Y comenzamos a girar bastante. Encontramos renovado interés por nuestro trabajo, así que empezamos a hacer giras en 2016, 17, 18 y 19. El 2019 culminó con la gira del 30º aniversario. Hicimos muchos shows y terminamos en diciembre de 2019. Íbamos a continuar la gira en Sudamérica, Australia, Nueva Zelanda y Japón, pero luego llegó la pandemia. La pandemia fue difícil para todos, y para músicos independientes como yo, particularmente. Vivía solo y lo pasé muy mal; me enfermé y estuve hospitalizado.

 

Creo que me había concentrado tanto en las giras y en otros proyectos paralelos —trabajo en películas, había hecho muchas cosas— que no era que no estuviera escribiendo, pero Helmet se había convertido principalmente en una banda de directo; no estábamos trabajando en música nueva. Y luego llegó la pandemia. Cuando me recuperé, todos me preguntaron: “¿Qué tal un nuevo álbum?” Y yo dije: “Sí, genial, perfecto”. Así que escribí una pieza orquestal para una escuela en Memphis, Tennessee, la orquesta de secundaria más antigua de Estados Unidos, y entregué la pieza el 6 de febrero de 2023. Al día siguiente, el 7 de febrero, empecé a escribir el álbum de Helmet. Estaba muy emocionado porque tenía muchas ideas en la cabeza, y empezó a fluir naturalmente.

 

Cuando hablaba con mi coproductor, Jim Kaufman, me preguntó: “¿Empezaste a escribir en febrero?” Y yo respondí: “Sí”. Y él dijo: “¡Santo cielo! Esto es tu mejor álbum hasta ahora”. Yo contesté que era porque estaba listo, no lo estaba forzando, simplemente surgía.

¿Y no grabas nada en casa?

Sí, lo hago. Este es mi pequeño estudio en casa, donde hago toda la escritura. También grabé muchas voces de apoyo, con varios micrófonos y demás, para disgusto de mis vecinos.

 

Recibí una carta muy amable de mi vecina de abajo. Es una mujer realmente simpática, creo que es rusa o armenia o algo así, y me decía: “Paige, normalmente tu música no nos molesta, pero tu canto es muy alto”. Vivo en lo alto de una colina, en un cul-de-sac, como un pequeño valle. Hay una calle sin salida a un lado con un círculo y otra calle sin salida al otro lado también con un círculo. Tengo las ventanas abiertas y canto, y supongo que todo el vecindario ha escuchado el álbum.

 

 

Es un concierto gratuito, ¿cuál es el problema?

Exactamente, eso pensé yo.

Esa es también mi otra pregunta: ¿has estado involucrado en otros proyectos musicales durante este tiempo? Vi tu guitarra, pero no sé si eres también profesor o solo haces grabaciones.

Oh, sí. Escribí una pieza en Memphis, Tennessee, para la orquesta de una escuela secundaria, que es la orquesta de secundaria más antigua de Estados Unidos. Era su 150º aniversario. El director de la banda es fan de Helmet. De hecho, lo conocí hace 10 o 15 años; se rompió la nariz en un concierto de Helmet, en el foso. Sí, su nariz quedó muy mal, ahora está bien. Me contactó a través de nuestra gestión y me dijo: “Sé que te gusta la música orquestal y escribes, ¿te gustaría componer una pieza para nuestro 150º aniversario?” Y yo dije: “¡Claro que sí!”

 

Es otro de mis amores, otro interés. Hago trabajo de cine; hoy, después de terminar contigo, voy a trabajar en una película, voy a un estudio a tocar la guitarra en una película alemana. Me encanta, es algo que hago desde hace mucho tiempo. Obviamente, tengo mi banda, pero también toco jazz todos los días.

¿Y cuántos instrumentos compones en tus piezas?

La obra de Memphis era para 52 instrumentos. Sí, es muy diferente de la música rock, claro. Es realmente divertido. He empezado a esbozar una pieza para guitarra eléctrica, porque cuando hago películas, la primera gran película en la que participé fue Heat, la de Robert De Niro y Al Pacino. Toqué la guitarra allí, y el compositor, un genio llamado Elliot Goldenthal, me dijo: “Tu guitarra es como una orquesta”. Entonces empecé a pensar en escribir una pieza para orquesta y guitarra eléctrica, algo que ahora tengo en mente.

 

En el nuevo álbum, si lo has escuchado, hay una pieza para la que escribí un cuarteto de cuerdas. Esta composición orquestal ya se ha publicado, está en YouTube o en algún otro lugar; no lo sé, tendré que preguntarle al director.

Para mí es muy interesante porque también toco el violín en nuestra orquesta aquí, en el norte de España, en Galicia. Y entiendo bastante mi parte de violín, por supuesto, pero cuando veo todas las partes de todos los instrumentos, intento meterme en la mente de un compositor. Para mí eso es una locura. Sigues dentro de la música, pensando en ella.

Bien, hablamos de música occidental, 12 notas, ¿verdad? Solo hay 12 notas. Cualquier composición va a consistir en melodía, armonía, forma, estructura y ritmo. En el caso de una banda de rock, también están los textos, o en un aria de Mozart. Es lo mismo: composicionalmente, aún intentas desarrollar una idea musical.

 

Si estoy tocando, siempre hablo de esto con mis estudiantes. Por ejemplo, aquí hay un riff de Helmet, es un tema muy conciso. Y aquí hay un riff de Beethoven; observa cómo desarrolla esa idea. ¿Qué hace con ella? Nosotros podemos entrar en un acorde interesante; Beethoven también lo hace. Es abrumador mirar una partitura completa, pero llevo 30 años estudiando partituras y sigue siendo música. Solo que es un poco más detallado. No voy a decir que soy un gran compositor de orquesta, pero me encanta. A veces bromeo con mi familia y amigos, diciendo que cuando sea grande quiero ser como el compositor inglés Ralph Vaughan Williams. Quiero serlo.

 

Deberías escuchar The Lark Ascending, esa pieza para violín, es increíble. Esa es la que quiero que toquen en mi funeral. También la segunda parte lenta de la Sinfonía nº 7 de Beethoven, es maravillosa.

 

¿También sabes tocar el piano?

Sí, claro. No soy virtuoso, pero lo suficiente para conocerlo y componer con él. Puedo tocar licks de blues y usarlo para componer. Además, tengo una biblioteca de cuerdas, metales, maderas y percusión, toda la orquesta. Así puedo hacerme una idea de cómo sonaría. En mi teclado incluso tengo cintas con las notas extremas de cada instrumento: fagot, trompeta, clarinete, piccolo, porque no memoricé todos los rangos. Por ejemplo, un clarinete no puede ir demasiado alto. Para mí, violín, violonchelo y guitarra son muy similares.

Volviendo a la música, también me interesa tu último álbum en vivo. Corrígeme si me equivoco, pero ¿fue grabado en CBGB y en un festival Big Day Out en Melbourne?

Sí, esas son grabaciones en vivo.

¿Recuerdas cómo recuperaste estas canciones?

CBGBs tenía una grabadora de cinta de 16 pistas de dos pulgadas, y si les pagabas 50 dólares, creo, grababan el show. Así que dijimos: “Sí, vamos a pagarles 50 dólares y que graben el concierto”. En el Big Day Out, si mal no recuerdo, usaban una cinta de 24 pistas de dos pulgadas. También ofrecieron grabar el show y dijimos que sí. Así que esas cintas han estado guardadas por años, por muchísimo tiempo. Era la primera vez que… quiero decir, no habían salido desde aquel álbum de hace dos años, ¿no? Sí, estas canciones no se habían publicado antes. Fue su primer lanzamiento. Es increíble recuperar una canción de hace 50 años.

¿Cómo fue la experiencia de tocar en CBGBs? Para ti quizá era algo normal, pero para nosotros en Europa entendemos ese club como la meca del punk.

Fue especial. Entré a CBGBs con una cinta de casete; habíamos hecho un demo. Louise Parnassa y Hilly Crystal estaban siempre al frente, con escritorios enfrentados. Louise estaba aquí, Hilly allá. Les dije: “Hola, tenemos esta banda, aquí está nuestra cinta”. Louise me respondió: “Bueno, podría escucharla en un par de semanas, pero si quieren tocar, vengan a una audición”. Le pregunté cuándo era la próxima audición; me dijo domingo o lunes, no recuerdo. Tenían noches de audición abiertas, donde podías tocar. Fuimos ese domingo o lunes, grabamos la audición con público en vivo, y el técnico de sonidoera Tommy Victor de Prong, y el portero Mike Kirkland, también de Prong. Escribieron en el libro: “Esta banda es genial, contrátenla ahora”.

 

Así conseguimos tocar en CBGBs cada mes. Tocábamos allí y fuimos creciendo poco a poco. Nos daba igual tocar primero o a cualquier hora, tocábamos. Cuanto más tocábamos, más gente nos escuchaba y se corría la voz; la cosa se fue haciendo muy buena. Hay una leyenda que dice que si tocas en un lugar como CBGBs, tu carrera despegará rápido. No sé si es cierto; muchas bandas tocaron allí y no en ningún otro lugar. Nosotros trabajamos muy duro, ensayábamos tres días a la semana y empezamos a tocar conciertos, y conseguimos un representante de conciertos.

 

Teníamos un representante que confiaba en nosotros y empezamos a expandirnos de esa manera. Creo que si la banda es realmente buena y a la gente le gusta, eso demuestra que lo que estábamos haciendo estaba bien. Yo sentía que éramos muy buenos, probablemente mejores que las demás bandas, y así la gente venía a vernos. Si hay cinco o seis bandas tocando cada noche en CBGBs y una destaca, lo harás bien. Eso fue lo que nos pasó a nosotros.