3 de abril de 1980

Carrere Records

1980 suele considerarse el kilómetro cero de la New Wave Of British Heavy Metal. Lógico, si atendemos a que ese año publicaron su primer LP bandas como Angel Witch, Def Leppard, Diamond Head, Tygers of Pan Tang o, por supuesto, Iron Maiden. No es el caso de Saxon. Su homónimo álbum debut había sido publicado en la década de los setenta. Con un guerrero de espada ensangrentada en la portada. Porque Saxon ya era heavy metal cuando otros lo intentaban.

Además de los ya mencionados, también publicaron entonces álbumes seminales otros nombres legendarios. Judas Priest, los Black Sabbath de Ronnie James Dio, Accept, Ozzy Osbourne, AC/DC, Motörhead o Scorpions, por citar solo algunos. Era difícil que un disco destacara aquel año 1980. Saxon lo logró. No satisfechos con haber alcanzado el quinto puesto de los discos más vendidos en Reino Unido con su segundo álbum, Wheels of Steel, ese mismo año lograrían otro éxito al publicar su tercer LP, Strong Arm of the Law. Así de heavy era Saxon, golpeando en 1980 por partida doble.

Otro día habrá para tomarle el pulso al brazo fuerte de la ley, porque fueron las ruedas de acero las que propulsaron a los de Barnsley a coliderar la NWOBHM. Cuando se publicó este disco, yo no había nacido. Bastantes años después, Saxon me conquistó (a ritmo de «Conquistador», obviamente) cuando les vi tocar por primera vez en directo. Eso sucedió en Villarrobledo, en el festival Metalmania 2003. Por supuesto, entonces y como siempre, cayeron un par de hits de Wheels of Steel.

Y este mes de abril de 2026, con el cáncer de colon de Biff Byford afortunadamente superado y para celebrar el 45 aniversario del álbum que no pudo festejarse en 2025, Saxon tocará por fin en nuestro país de principio a fin esta clásica obra. Una forma inmejorable de celebrar la efeméride, aunque sea con un año de retraso.

El disco

Wheels of Steel fue grabado en febrero de 1980 en los estudios Ramport de Londres. Acompañando a Byford, único músico que aún hoy sigue en la banda, estaban Graham Oliver y Paul Quinn a las guitarras, Steve Dawson al bajo y Pete Gill a la batería.

La portada nos muestra un águila metálica sobre la rueda de una motocicleta que contiene el logo de Saxon. Hay quien, haciendo gala de su estupidez, ha querido ver similitudes con la Reichsadler nazi. Es obvio que la referencia es al símbolo en el que aquella se inspira, que es el aquila romana, como el propio Byford ha confirmado. Un símbolo de poder (y gloria), este águila de Saxon, que ya siempre acompañaría a la banda. En su primer álbum en directo (The Eagle Has Landed, 1982) estaba aterrizando, pero aquí despegaba llevando en volandas al grupo.

En cuanto a la música, puede apreciarse que las sombras de AC/DC y, especialmente, de Motörhead eran ya muy alargadas. A nadie podrá extrañar que Pete Gill acabara uniéndose a las hordas de Lemmy Kilmister pocos años después.

Para la posteridad han quedado los singles «Wheels of Steel» y «747 (Strangers in the Night)». La canción que da título al álbum se construye en torno a un icónico riff hardrockero. En palabras de Oliver, inspirado por el de «Cat Scratch Fever» de Ted Nugent. Y qué puedo decir de la otra, una de mis canciones favoritas del disco y, en general, de Saxon. Estamos ante uno de los grandes himnos de la historia del heavy metal. Su letra se basa en un incidente real acaecido en 1965: el aterrizaje a oscuras de un avión en el aeropuerto internacional de Nueva York. Con algunas licencias, porque no era un Boeing 747 ni era el vuelo 101 (era el 911 de Scandinavian Airlines).

Muy recordada es también «Motorcycle Man», canción de apertura del álbum. Fue lanzada como sencillo de siete pulgadas en julio de 1980, en edición específica para el mercado japonés. Ese vinilo es hoy una gran pieza de coleccionismo, pero la canción es mucho más ubicua. Con presencia prácticamente fija desde hace más de cuarenta y cinco años en los setlists de Saxon, representa muy bien el espíritu motero, rebelde y sudoroso de Wheels of Steel en su conjunto.

Menos éxito tuvo el último single, «Suzie Hold On», lo más suave que encontraremos en este disco. Recordemos que Wheels of Steel se graba en unos estudios que se construyeron para The Who. Quizás debido a ello, de forma sutil, el espíritu de los londinenses acaba permeando esta canción. Está dedicada a una amiga de Byford que murió de un tumor cerebral, a la que la vitalista letra intenta animar. Arranca con una galopante línea de bajo y termina con un solo de guitarra que siempre se me ha clavado en el alma.

Además de esos sencillos, completan el disco canciones que destilan, como ya se ha dicho, mucho hard rock. En «See the Light Shining» se nota mucho la influencia de la «escuela australiana». Pero Saxon no solo beben de otros, sino que son fuente para muchos. Si tuviera que escoger sólo un tema de Saxon que influenciara a Barón Rojo, «Stand Up and Be Counted» sería uno de los mejores candidatos. En cuanto a «Freeway Mad» y «Street Fighting Gang», son canciones fácilmente digeribles que imprimen velocidad al álbum.

También es rápido el tema de cierre, «Machine Gun», pero su naturaleza es distinta. Hay en ella una agresividad que, para los estándares de la época, resulta impresionante. Esta canción explica que un jovencísimo Lars Ulrich fuera fan de los ingleses, porque ni Metallica ni el thrash metal se explican sin ella.

Veredicto

Wheels of Steel es una obra fundamental, para Saxon y para la popularización del heavy metal a nivel global. Contiene temas que no pueden faltar en ninguno de sus setlists. Dicho esto, Saxon es mucho más que este clásico ochentero tan anclado todavía en el hard rock.

No estará de más recordar, atendiendo al perfil de algunos seguidores de Saxon, que existe el riesgo de obviar cosas mejores que Wheels of Steel si nos limitamos a regodearnos en los primeros años de vida de la banda. Saxon nos ha brindado maravillas de puro heavy metal en la década de 1990 (e.g. Unleash the Beast) y ya entrado el siglo XXI (e.g., Lionheart). Y ahí siguen los (anglo)sajones, firmando joyas tan recientes como «Madame Guillotine» (Hell, Fire and Damnation, 2024).

En definitiva: Wheels of Steel no me parece, ni de lejos, el mejor disco de Saxon. Esto no es hablar mal del disco: es hablar bien de Saxon. Lo que sucede es que, sin estas ruedas de acero, Saxon no habría podido empezar a recorrer la carretera que les llevará a nuestro país este mes de abril. Hay razones de sobra para celebrar el 45 aniversario de Wheels of Steel. Aunque estemos ya en 2026.

J. A. Díaz

Doctor en Derecho, licenciado en Ciencias Políticas, novelista especializado en fantasía y bajista en excedencia. Apasionado del metal en todas sus formas, debuto como redactor musical en Stairway to Rock.

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3 de abril de 2001

Relapse Records

Con Amorphis he tenido una relación especial y curiosamente la he comparado muchas veces con Savatage (por mucho que poco tengan que ver entre ellos). Los fineses era un grupo que siempre había estado allí, con sus etapas… con sus vocalistas diferentes y con su trayectoria sólida. El caso es que les había llegado a ver bastantes veces en festivales, y me gustaban, pero no llegaba a ver la genialidad que se les suponía… hasta que un día tu mente hace un click y lo que te parece correcto se convierte en devoción. No hay un grupo como Amorphis y lo que hacen y han hecho es absolutamente espectacular.

Am Universum un disco candidato a la sección que tenemos de “Desmontando al monstruo”, puesto que se van varios pueblos lejos de lo que son sus orígenes. Psicodelia, teclados por doquier, sintetizadores, saxos soleando… Algo que derivó en odio directo hacia el grupo pero que consiguió miles de adeptos a la postre. Encontramos aquí la primera aparición del bajista Niclas Etelävuori, todavía con ellos a día de hoy. Es un disco en el que el teclado setentero de Santeri Kallio toma las riendas a la hora de hacer arreglos en unas canciones suaves que se acercan a una especie de hard rock oscuro con guitarras con dejes de doom y gótico, si bien con una producción cristalina.

Existe gente en Finlandia que no considera a Amorphis como una banda de heavy metal e incluso y que odia el estilo, pero es fan acérrimo de discos como Am Universum. Creo que esto sirve para llegar a entender de qué estamos hablando… Un poco se acercaron a Sentenced y desarrollaron el prog de los 70 jugando con las guitarras de Pink Floyd, aunque siempre adaptándolas a ese doble trabajo meticuloso que siempre han manejado con maestría.

El disco

Os diría que “Alone” es una de las mejores canciones del grupo, y de largo. Es un single perfecto que lo tiene todo, aunque… ¡Claro! Si lo comparas con sus inicios estamos ante algo que no tiene nada que ver. Es un single antológico, de esos que tienen riff, riesgo compositivo, ¡un solo de oboe! (eso solamente se lo recuerdo a Tanita Tikaram). La calidad de la canción vale por discografías enteras por mucho que el grupo haya evolucionado hacia unos terrenos que cayeron luego en vía muerta.

Consiguieron algo especial, y eso se vuelve a vislumbrar con la maravillosa “Goddess (of the Snadman)”. Otra gran composición con teclados presentes, pero también con esas características guitarras y ese juego de ecos con delay que terminarían explotando tanto y que llegó a hacer de ellos un grupo totalmente diferente a todos. Atención al verso+puente+estribillo… es de libro.

De entre las muchas gemas (accesibles) del disco merece la pena reparar en algo como “Veil of Sin”, cargada de acústicas y amagando a balada. Maravilla acústica con sus juegos de capas de guitarra mezclados con ese teclado y un saxo que hizo salir sarpullidos a sus antiguos fans. De verdad que si lo escuchas sin talibanismos estamos ante un disco excepcional… aunque ponga Amorphis en portada.

«The Night Is Over» es otra gema que demuestra la enorme calidad compositiva más allá de corsé que se les supone. El tratamiento de guitarras que poseía el grupo ha sido imitado hasta la saciedad por bandas extremas que han querido sonar accesibles y ganar público, más que nada, porque ellos lo consiguieron, si bien también tocaron fondo en cuanto a experimentación. Quizá lo que más se aleja de sus postulados de principios de los 90 es “Shatters Within”, atmosférica, dulce y con piano.

Pero para riesgos “Crimson Waves” vuelve elevar el listón y el riesgo, siendo rockera, con tintes jazzísticos bien llevados y ese saxo de fondo que va ganando terreno con los teclados Hammond 70’s. Más tazas de lo mismo en “Drifting Memories”… Aquí Kukko en los metales y la voz de Pasi Koskinen dulcifican la propuesta de forma evidente si bien me sigue pareciendo una gran canción. Algo más de garra en “Forever More” en la que se acercan a lo que ofrecía Paradise Lost en la etapa de One Second.

Estas mismas credenciales sirven para definir “Captured State” por mucho que las guitarras de Esa Holopainen y Tommy Koivusaari sigan manteniendo esos detalles tan reconocibles. Para finalizar se guardan el tema más largo y meloso de la obra: “Grieve Stricken Heart”. Campan aquí a sus anchas teclados y sintetizadores de fondo, pero la cosa nunca termina de despegar por mucho de que el estribillo sea suficientemente bueno. Hay aquí el mejor solo del disco, pero… ¡es de saxo! Y hay otro muy especial en el inicio: ¡de serrucho! Por parte de Antii Halonen.

Veredicto

En su día el disco levantó ampollas por lo accesible, por los toques jazzísticos, por los pianos, baladas-medios tiempos, por la ausencia de voces guturales y el órgano con Hammond de aires 70. Pero especialmente por el saxofón de Sakari Kukko. Posiblemente sería en el siguiente disco cuando el grupo tocó fondo (Far from the Sun) y hubo que replantearse el camino a seguir con un inmejorable resurgir que gustó a viejos y nuevos fans alcanzando el sonido personal con el que nos siguen deleitando. A pesar que prefiero sus inicios y todo lo que hicieron a partir de Eclipse toca reivindicar este trabajo a pesar de ser unos años de confusión y de experimentación. Es más, ha envejecido bien y muchas bandas nuevas han tomado ese camino que Amorphis empezaron a transitar con Tuonela en 1999.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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3 de abril de 2001

SPV / Steamhammer

«A mi me encanta este disco… Absolutamente. Es divertido puesto que cuando sacamos Dead Winter Dead “Christmas Eve Sarajevo” llegó a ser un gran hit en Estados Unidos y la canción “Dead Winter Dead” fue un gran éxito en Europa. La formación que grabó Dead Winter Dead y que hizo el posterior tour del Wake of Magellan en Europa era fantástica. Pero las cosas cambiaron… Zak Stevens abandonó el grupo, Al Pitrelli entró en las filas de Megadeth y estuvo allí unos cuantos años. La Trans-Siberian Orchestra empezó a desarrollarse y a hacerse cada vez más grande.

 

Cuando grabamos Poets and Madmen estábamos en un periodo de transición, pero, curiosamente, estábamos muy bien de ánimos y también motivados. Estábamos en formato cuarteto: Johnny Lee, Chris Caffery, Jon Oliva y yo mismo. Lo hicimos entre los cuatro. Fue muy interesante y todo funcionó entre nosotros sin tensión alguna. Cuando estábamos en el estudio para grabar este disco de verdad que nos sentíamos la mar de bien y a mi me siguen gustando mucho aquellas canciones. Me encanta “Commissar”, “Surrender” es una gran composición o “Gotta Get Back to a Reason” es otra de muy buena. A nivel compositivo estamos hablando de una gran obra, de inicio a fin.

 

A todo esto, hay que añadir un cambio de sello, que muchas cosas eran nuevas, que también estaban sucediendo, muchas cosas a nuestro alrededor. Entiendo lo que me dices y que muchos fans del grupo te digan que no querían ver terminar al grupo de esta forma. Pero también te digo que el disco era muy potente, lo que pasó es que fue grabar el disco, ir de gira y terminar con la banda. Jon Oliva tuvo que cantar todas las partes vocales, y repito: me parece un disco excelente. Cada uno puede tener su opinión, y esa es la mía y estoy muy feliz con ese álbum». (Jeff Plate, batería de Savatage)

Soplaban tiempos de cambio en esa tríada de genios formada por Jon Oliva, Bob Kinkel y Paul O’Neill (recordemos que los dos último no formaban parte del grupo como tal). El disco de 1995 Dead Winter Dead les marcaba el camino y sabían que Savatage era un proyecto que debían dejar en el cajón pues ellos querían grandes recintos y ser una banda (MUY) grande. Tras tantos años con el grupo, y tras los golpes del destino y el infortunio, habían creado la Trans-Siberian Orchestra con la que se harían de oro y platino en América del Norte, pero para ello tocab sacrificar la banda de su vida. La decisión estaba tomada, pero quizá les quedaba un disco de contrato bajo el nombre de Savatage…

Savatage pensando en la Trans-Siberian y en formación cuarteto

El caso es que Poets and Madmen se aleja bastante de lo que fueron Dead Winter Dead y The Wake of Magellan. Es todo más directo, no hay un trabajo de composición y de concepto tal como en los dos anteriores discos. Es más netamente heavy metal especialmente porque dejan a Jon Oliva solo como vocalista cuando llevaban años tirando de coros y de muro de sonido. Zak abandonó amistosamente, también Al Pitrelli que entraba en Megadeth por lo que se quedaban en formato cuarteto. Yo lo veo como un disco de circunstancias, a un altísimo nivel, como siempre, pero que con un par de vueltas de tuerca y con otro vocalista y guitarrista sería un disco de entre los mejores del grupo.

Es el álbum que pocos esperábamos y recuerdo sensaciones encontradas, pero lo bueno de Savatage es que esta despedida, un poco a medias, sigue siendo antológica y el disco ha envejecido de una forma asombrosa. Por momentos lo veo más como el primer disco de Jon Oliva’s Pain más que de Savatage, pero amigas y amigos, estamos hablando de una de las más increíbles bandas de heavy metal de todos los tiempos, y la calidad sobresale en cada uno de los temas que conforman locos y poetas. El único pero que le pongo al disco es que, como ya he dicho, Jon Oliva no comparta voces con otro vocalista puesto que creo que eso le hubiera dado una profundidad al disco mucho mayor. Con Damon Jiniya o Zak Stevens aquí hubiesen ayudado a hacer otra obra cumbre.

La enésima obra conceptual de O’Neill y Oliva

Todos los discos de Savatage desde mediados de los 80 tienen de fondo una historia de fondo sobre la que componen toda su obra, y no son historietas que cumplen, son historias profundas, trabajadas y en muchos casos memorables. Por vez primera el título de la obra no es ningún tema del disco y es la parte de una canción de Handful of Rain, concretamente “Symmetry”. Tras adolescentes entran la noche del fin de verano a un antiguo sanatorio mental abandonado y descubren entre la oscuridad, viejas fotos y expedientes al fotógrafo y periodista Kevin Carter. Es una historia inspirada en la tristemente celebre foto de Carter, la que le dio la fama mundial y la muerte, pues le llevó al suicidio.

Un mechero Zippo, un paquete de Marlboro y una gabardina completan una intrigante e hipotética historia en la que el fotógrafo no concluye pone fin a su vida y termina en un sanatorio. La historia avanza hasta llegar al habitual nivel del grupo, pero… Hay más. Todo aquél y aquella que en su día compró el disco, cuando sacó el booklet la cayó una foto de una chica en bikini con una frase en el reverso… En otro aporte de genialidad del grupo de Tampa, de la historia central te crean un spin off en el que puedes bucear. Hubo unos tiempos en los que comprar un disco era mucho más que música, y si querías buscar todos los significados ocultos podías pasar semanas entretenidas… Otro día contaremos esta historia…

El disco

SI hay que hablar de excelencia posiblemente deberíamos saltar directamente al tercer tema que es “Comissar”. Piano de base y una cadencia de las que sientan cátedra. Aquí sí que hay los juegos de coros. Es un clásico del grupo con todas las de la ley con las guitarras de Caffery chirriando y con un tratamiento crudo que se nota especialmente en las voces rasgadísimas de Jon Oliva. Hay algunos solos y riffs de Pitrelli que se expusieron en el disco, así como los coros de todo un John West. Lo que luce especialmente de esta composición es que es algo que solo puede acceder Savatage. Es una mezcla perfecta entre un musical de Broadway con heavy metal.

La obra maestra es el tema central del disco: “Morphine Child”. El tema es tan excelso que el día que volvió Savatage en Wacken la tocaron para sorpresa de sus fans. Los juegos vocales de Oliva son maravillosos. Elegancia y genialidad en un tema extenso en el que todos lucen con gran protagonismo en los detalles de Jeff Plate tras las baquetas. La podrían haber guardado para la Trans-Siberian, pero el acierto fue dejarla en Poets and Madmen. Sigue poniendo el vello de punta esos puentes a varias voces y la rasgadísima voz de Jon cuando ataca eso de “I’m the Morphine Child…” rompiendo la canción con un tiempo a charlestón. No hay banda en el mundo que pueda componer algo así, y los solos de guitarra homenajean al divo caído y hermano menor del mayor de los Oliva. El mismo que rechazó ofertas de Ozzy Osbourne y tantas bandas de primera división que le suplicaron entrar en filas. Canon polifónico de guinda al pastel… Si lo has visto en directo sabes que son palabras mayores.

Pero lo bueno del disco es que hay mucha tela por cortar y ya de inicio ese “Stay with Me Awhile” está a la altura de la mayoría de todos sus himnos. Es una pieza que te sitúa en Gutter Ballet. Savatage es el grupo que hizo que el piano fuera el instrumento principal en el heavy metal, entre muchos de sus grandes logros. Es como una balada endurecida con voz agónica y riff de teclas blancas y negras. Todo es aquí teatral, bello, pero grueso y metálico, a la vez que pesado.

El resto del disco navega entre la calidad y la sensación de cumplir y eso se nota en temas como “There in the Silence” por mucho que la serie media de Savatage sea insultantemente alta. Aquí es cuando digo que un cambio de vocalista les hubiera funcionado perfectamente, pero prescindieron de ello. Caffery y Pitrelli vuelven a estar asombrosos y el riff base es espectacular, pero los fans buscan en Savatage la excelencia. En “Drive” hecho de menos a Zak Stevens si bien vuelve a ser una elegante canción breve, aunque efectiva.

Los momentos del Streets en acústico y balada-medio tiempo empiezan a campar a sus anchas con “Man in the Mirror” y “The Rumor”. Ambiente de musical bañado en oscuridad con retazos metálicos y grandes dosis de elegancia. Hay protagonismo para el bajo de Johnny Lee Middleton, pues en Savatage el bajo suele mandar en muchos de sus clásicos, excelentemente acompasado por teclados y batería. En la primera hay bases que serán utilizadas por Trans-Siberian Orchestra, lo que te muestra un poco que, a pesar de todo, utilizaron el disco como un banco de pruebas.

La balada ha sido siempre uno de los fuertes del grupo y “Surrender” no podía ser menos, por lo menos… de inicio. Hay toda la fuerza y esos juegos tan suyos en la línea vocal que cristalizan en coros y esas guitarras tan suyas. Un tema puramente Savatage de los 90 con ese cambio endurecido y de corte sinfónico. Una de las piezas más completas y trabajadas del disco con pasajes de todo tipo. El bajo vuelve a comandar una de las oscuras piezas como es “Awaken” en la que la expresiva garganta de Oliva le da esa fuerza teatral.

La belleza queda en la despedida con una de las baladas puramente Savatage en la tradición de “Believe”, “Sleep” o “If I Go Away”. Piano, voz y el resto de instrumentos acompañando con sentimiento. El tema avanza habiendo juegos de voces, partes narradas, pasajes influenciados totalmente por la música clásica y sorpresivos cambios de tiempo que te llevan irremediablemente a lo que es la Trans-Siberian Orchestra que a partir de su tercer trabajo ya sonaba a lo que suena “Back to a Reason”. El bonus lo pone una versión del clásico del Streets “Jesus Saves”.

Veredicto

Sigo predicando en el desierto con Savatage desde que los conocí. Más allá de que sean mi grupo favorito y de que no es una banda fácil en el que entrar, y de poder el llegar a ver lo que les hacen especiales y diferentes al resto, envidio a todas y todos aquellos que todavía no los han descubierto, pues tienen un festín familiar de música y clásicos del estilo que más nos gusta. Quizá os parecerá clasista pero cuando alguien es fan de Savatage lo miro con otros ojos. Entiendo que ha llegado a un estadio mayor de buen gusto musical y que nuestra afinidad será bastante completa. Ahora que el grupo cada vez que gira (bajo el nombre de la Trans-Siberian Orchestra) y les ven cerca de un millón de personas en directo, entiendo que los fans de la banda no estábamos equivocados.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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31 de marzo de 1976

Swan Song

En agosto de 1975, Robert Plant sufría un grave accidente de coche. Dicho accidente no fue simplemente un episodio desafortunado dentro de la trayectoria de Led Zeppelin, sino un punto de inflexión que condicionó de manera directa la gestación de Presence. Ocurrido el 4 de agosto en la isla de Rodas, donde Plant se encontraba de vacaciones, el coche en el que viajaban él y su mujer se salió de la carretera, provocándole fracturas importantes en el tobillo y el codo, además de un largo periodo de recuperación que lo mantendría prácticamente inmovilizado durante meses. Las heridas lo dejaron temporalmente incapacitado, obligando a la banda a cancelar su gira prevista por Estados Unidos y a replantear por completo sus siguientes movimientos.

Pero, ya sabemos cómo funciona este monstruo devorador de almas llamado industria discográfica. La banda no podía permanecer demasiado tiempo en ‘stand by’. Hacía falta movimiento. Urgía grabar un disco. Así pues, Zeppelin se trasladaron a Alemania a los Musicland Studios de Múnich. Plant aún no podía mantenerse en pie durante largos periodos, lo que le obligó a registrar muchas de sus partes vocales sentado o incluso desde una silla de ruedas. Esta limitación tuvo un impacto evidente en su interpretación. Lejos del despliegue físico y vocal de trabajos anteriores, su voz en Presence suena más contenida, más tensa, casi introspectiva. No hay espacio para la teatralidad expansiva de otros discos: aquí todo está concentrado, medido, al límite de sus posibilidades físicas. Fueron tres semanas de sufrimiento para Robert, no me cabe la menor duda. Años después, el propio Jimmy Page recordaría ese proceso en entrevista con Guitar World:

“We had to get on with it, and that’s what we did.” [“Teníamos que seguir adelante, y eso es lo que hicimos.”] (Guitar World, julio de 1993).

Con Presence comenzaba la leyenda negra de Led Zeppelin, que venía alimentada por el interés de Jimmy Page por el ocultismo y en particular por la figura de Aleister Crowley. Su adquisición de la mansión Boleskine House y su fascinación por los textos esotéricos alimentaron una percepción pública que iba más allá de la música. En ese clima, el accidente de Robert Plant fue rápidamente absorbido por una lectura más supersticiosa. A ello se sumarían otros episodios trágicos en los años posteriores, que terminarían de consolidar la idea de que la banda estaba, de algún modo, marcada por una especie de destino adverso. El propio Page, consciente de esa narrativa, la desestimó en varias ocasiones, diciendo que era absurdo. Aun así, la idea ya había echado raíces. Y como ocurre con muchas leyendas dentro del rock, su persistencia no depende de su veracidad, sino de su capacidad para explicar —o al menos dar sentido— una sucesión de hechos difíciles de asimilar.

En ese sentido, Presence puede leerse también desde esa doble perspectiva: como el resultado tangible de unas circunstancias muy reales —dolor, urgencia, aislamiento— y, al mismo tiempo, como una pieza más dentro del imaginario oscuro que ha acompañado a Led Zeppelin durante décadas. Esa sensación de urgencia se trasladó también al conjunto del proceso creativo, eliminando las múltiples capas de instrumentación. La banda, consciente de las circunstancias en las que se hallaban, optó por un enfoque directo, eliminando cualquier elemento superfluo y centrándose en la base esencial: guitarra, bajo y batería. Ciertamente, si tomamos su trabajo anterior Physical Graffiti (1975), Presence elimina casi por completo los elementos acústicos y las capas de producción compleja, todo gira en torno a la elecrtrificación de los instrumentos. Pero en este sentido, Presence no está tan alejado de álbumes como el Led Zeppelin o el Led Zeppelin II, donde el músculo del disco está en los riffs potentes de Page y en la consistencia de la batería de Bonham. Pero como solemos decir, nunca llueve a gusto de todos y a la crítica contemporánea no le gustó ese cambio. Stephen Davis escribía lo siguiente en Rolling Stone:

“Presence is one of the dullest and most confusing albums Led Zeppelin has ever released.” [“Presence es uno de los discos más aburridos y confusos que Led Zeppelin ha publicado.”] (Rolling Stone, nº 209, 20 de mayo de 1976).

La dureza de la crítica refleja el desconcierto inicial ante un álbum que rompía con las expectativas. Por el contrario, el tiempo ha puesto el álbum en su lugar y esa ausencia de ‘experimentación’ es lo que AllMusic  ha señalado como una de las principales virtudes del disco:

“Presence is easily the most guitar-driven album Led Zeppelin ever made.”
[“Presence es fácilmente el álbum más centrado en la guitarra que Led Zeppelin haya hecho.”]

El disco funciona casi como una declaración de intenciones de Jimmy Page: riffs afilados, estructuras tensas y una sensación constante de urgencia.

Al hilo de este contexto, el álbum abre con Achilles Last Stand, una pieza monumental de más de diez minutos que sintetiza el espíritu de Presence: intensidad, complejidad y resistencia. La crítica ha destacado repetidamente su importancia dentro del catálogo de la banda. La revista Mojo describió el tema como:

“one of Zeppelin’s most exhilarating epics.” [“una de las epopeyas más emocionantes de Zeppelin.”] (Mojo, nº 94, septiembre de 2001)

Pero, a mi modo de ver, parte del problema de Presence en 1976 fue su falta de concesiones, puesto que no hay singles evidentes, ni momentos diseñados para el consumo inmediato. Es un disco denso, exigente y, en ocasiones, áspero. Ese carácter lo convierte en una obra difícil, pero también profundamente honesta. En retrospectiva, la revista Classic Rock ha reivindicado esa cualidad:

“Presence captures Led Zeppelin at their most stripped-down and intense.” [“Presence captura a Led Zeppelin en su versión más desnuda e intensa.”] (Classic Rock, nº 32, abril de 2002)

Centrándonos ahora en la portada del disco, ésta es obra del colectivo Hipgnosis y refuerza esa sensación de extrañamiento. El célebre estudio británico fundado por Storm Thorgerson y Aubrey Powell, especializados en imágenes conceptuales y surrealistas, convertía las portadas de los discos en los que colaboraba, en lienzos capaces de transmitir ideas complejas sin mostrar a la banda. En Presence, su firma se nota en el enigmático “objeto” insertado en escenas cotidianas, una metáfora visual que refleja la tensión y la introspección del álbum. Este misterioso objeto negro que aparece en distintas escenas cotidianas introduce un elemento de desconexión que encaja perfectamente con el tono del álbum. No hay fantasía épica ni simbolismo místico: solo una inquietud difícil de definir. Es ésta una portada que nos habla de la historia del rock y eso se ve clarísimo en cómo la portada fue homenajeada por una banda como KISS en su disco de versiones KISS My Ass.

Veredicto

El tiempo ha sido más amable con Presence que la crítica inicial. Lo que en 1976 se percibió como un disco menor ha sido reinterpretado, posteriormente, como una obra de transición, un retrato honesto de una banda en circunstancias extremas. En ese sentido, el álbum funciona casi como un documento: el sonido de un grupo obligado a seguir adelante cuando todo parecía detenerse. Presence no es el disco más fácil de Led Zeppelin, ni el más celebrado. Aún así, es un buen disco, sin duda, uno de los más sinceros; sin trampa ni cartón. Es éste un álbum construido desde la urgencia, la tensión y la necesidad. Además, el equilibrio interno del grupo también se vio alterado. Con Plant limitado físicamente, Jimmy Page asumió un papel aún más central en la dirección musical, reforzando el carácter del disco. El resultado no fue un producto expansivo ni experimental, sino una obra tensa, contenida y profundamente marcada por las circunstancias en las que fue creada, donde la guitarra marca indefiniblemente el rumbo de cada una de las canciones.

En definitiva, Presence no puede entenderse sin el accidente de Robert Plant con el que comenzábamos el artículo. No es simplemente un álbum grabado en condiciones adversas, sino una obra cuya identidad nace precisamente de ellas. La limitación física, la urgencia del proceso y la necesidad de seguir adelante sin margen de maniobra dieron forma a un disco que, lejos de la grandilocuencia habitual de Led Zeppelin, se presenta como un ejercicio de resistencia. No es el sonido de una banda en plenitud, sino el de una banda reaccionando, adaptándose y sobreviviendo. Y en esa tensión constante reside, precisamente, su singularidad.

Jordy Stanley

Jordy Stanley. Profesor de Lengua y Literatura, historiador y freaky en general, posee diferentes obras de ámbito académico y divulgativo. Su último libro, Conan a lo largo de los filmes (PanoArtBooks, 2022) ha agotado sus dos ediciones. Entre lo destacado de su discografía, podemos hallar Henry Dark (2009), de su anterior banda, HENRY DARK y el flamante LP, KISS my Covers (2024), donde tributa a KISS, la banda de su vida, de una manera muy particular. Guitarrista y cantante, otra de sus múltiples facetas es la de youtuber y redactor musical.

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27 de marzo de 1991

EastWest

El mundo ha olvidado a Britny Fox… ¡y bueno! Tampoco pasa nada… la verdad, pero fueron una banda que nos alegró la existencia en esa vorágine de hair metal, fiesta, motos, birra y “nenas” que explotó en los 80. Si el power metal centroeuropeo cayó ante el hartazgo de la repetición de esquemas y lo cansino de la temática élfica lo mismo pasó antes en el Sunset Strip angelino… Exceso de bandas ofreciendo lo mismo.

En esos días la fotocopiadora no paraba y salían grupos con pelo crepado y laca como churros. Desde Philadelphia asomaron con ganas Britny Fox si bien las comparaciones con sus vecinos Cinderella eran constantes, especialmente por el registro de voz rasgada de Dean Davidson. ¡Cómo olvidar ese videoclip atómico de “Girlschool”! Un clásico que ahora sería visto como machismo… Bueno, todo ese estilo de hard rock era machista, pero hay que verlo en perspectiva y en su marco histórico. Afortunadamente algunas cosas cambian para bien.

El problema de Britny Fox fue que eran una copia excesiva de Cinderella y que no llegaban a su nivel de calidad. Sus dos primeros discos mantenían el tipo y son adorados por los amantes del estilo, pero en 1991 el combo tenía la oportunidad de dar un paso adelante: el cambio de cantante. No les fue bien -para resumirlo rápidamente- pero Bite Down Hard es disfrutable y es otra muesca más en la saturada escena del hard rock de la época. Lo más remarcable de todo es que a pesar de perder a su vocalista y compositor de toda la vida el disco está a la altura. Pero los tiempos ya habían cambiado…

El disco

Lo mejor del disco es claramente esa pieza titulada “Liar” en la que se rompe la tónica de laca-fiesta-decibelios para tirar de rollo acústico y clase. En fin, algo que solía ser uno de los aspectos diferenciales de Cinderella… Es el tema más completo con slides de fondo y con un Tommy Paris arropado por coros. Aires sureños con el ancla puesta en el blues primigenio y acústicas con curdas de acero. La producción y sonido del disco es de banda consolidada y con recursos y solo hay que fijarse en la preciosa portada, tan provocadora como alusiva al pecado original. Serpiente, manzana y una Eva (la playmate Brittney Powell).

Sorprende el tema final que es una versión del “Midnight Moses” de The Sensational Alex Harvey Band. Un tema que solían alternar en directo junto a las covers de Slade o el “Hair of the Dog” de Nazareth. Aquí encontramos a todo un Rikki Rockett de Poison colaborando. Aquí está endurecida y entonado, con riffmarcado y mucha clase. Sin embargo, todo se abre con esos pasos y esa escopeta que se carga para soltar adrenalina a plena velocidad en “Six Guns Loaded”. Un himno glam metal en toda regla con todos los tópicos habidos y por haber. Verso-puente-estribillo de libro y toda la actitud del mundo, siendo la presentación de Paris en sociedad. La gracia del disco es especialmente la potencia que le imprime la base rítmica a los temas, con el presente y agudo bajo de Billy Childs y la batería de Johnny Dee. La canción está potenciada por el solo final de Zakk Wylde en el último tramo.

Otra de las que quedaron en los sets del grupo es la segunda: “Louder”. A pesar de lo prototípico y de sonar a Danger Danger y a Slaughter por lo cuatro lados es una gran canción. Festival de tópicos en “Closer to Your Love” si bien mantienen bien el tipo y Michael Kelly Smith factura, como en todo el disco, un gran solo de guitarra. El toque sorpresivo lo pone el vocalista que también se marca algún solo a lo largo del disco con grandes maneras. Hay al final del tema uno de los grandes agudos del mismo.

La balada acústica no podía faltar a la cita y cae en “Over and Out” en terrenos de Slaughter otra vez. Nada especial, pero sirve para dar variedad y amplitud al disco. Riff base y voz rasgada para mostrar un “Shot from My Gun” contundente con extra de coros funcionales. El disco pasa rápido pues apenas llega a los 40 minutos y “Black and White” cumple expediente con muy buenas maneras y la acaramelada “Look My Way”, muy pegadiza y entonada. Un poco es prototípica de esas grandes baladas de los 80 que vivieron a la sombra de “Every Rose Has Its Thorn”. “Lonely too Long” es más de lo mismo

Veredicto

Y luego llegó el grunge y ya el debate sobre si Paris era mejor (o más guapo) que Davidson quedó en nada. Todo quedó borrado del mapa. Se terminó la fiesta y llegaron la pesadumbre, los cuadros en camisas de franela y cero glamour. Como suele pasar en las manifestaciones artísticas una era completamente antagónica a la otra. El disco es potente y es ampliamente disfrutable.

En el fondo es un trabajo que mantiene el nivel y superaron la marcha de su anterior cantante, lo cual es realmente loable. Temas como “Six Guns Loaded” o especialmente “Liar” merecen ser escuchadas. Pero todo acabó en nada para este grupo que con su debut llegaron a vender un millón de unidades. Luego separaciones, Johnny Dee se fue con Doro… hasta que volvieron con Paris en la fiebre de los retornos a principio de los 2000es.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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26 de marzo de 1976

Vertigo Records

 El Jailbreak de Thin Lizzy es la cima absoluta de la música del grupo irlandés liderado por Phil Lynott. Estamos hablando de su sexta obra de estudio una vez ya en su anterior Fighting ya habían descubierto la fórmula de las guitarras gemelas, habían estabilizado su formación e iban a por todas. La dupla formada por Scott Gorham y Brian Robertson se salió literalmente y a partir de entonces las melodías de guitarra de los Lizzy pasan a ser santo y seña.

Lynott solía cuidar especialmente las letras y paseaba con varias libretas en las que iba apuntado frases y palabras para poder probar luego en las futuras canciones del grupo. Fue un disco especialmente coral y colaborativo puesto que lo de las guitarras dobladas era la premisa sobre la que se trabajaba. Fueron a un estudio con pubs lejanos para que las distracciones fueran escasas y la banda tenía claro que se la jugaban esta vez. Todos los tópicos de forajidos, rompecorazones y demás impregnan las letras de unas canciones memorables.

El disco

Todo se abre con la maravillosa “Jailbreak”, el tema en el que el grupo se escapa de la cárcel, en el que suenan las sirenas y en el que no te cruces en su huída. La cadencia del tema es fabulosa, fue single en su día y es una de las más representativas y de las que no pueden faltar en sus directos desde el día que salió a la luz. “Angel from the Coast” entronca con sus temas más primerizos con esa acústica de base y la eléctrica que se va sumando. Un tema que entra bien y convence, y que, poco a poco, va mutando a lo que eran los Lizzy del 76, jugando con las guitarras dobladas y con las diabluras percusivas del maestro Downey.

“The Boys Are Back in Town” es muy posiblemente el tema más recordado y conocido del grupo junto a la versión del “Whiskey in the Jar”. Lynott destapa el tarro de las esencias y compone algo histórico que sigue sonando en discotecas metaleras y bares del estilo. Aquí los juegos de guitarra alcanzan momentos brillantes en una composición que es candidata a aparecer en la sección “Canciones perfectas”. Llegó a ser titulada como “Here in Dallas” y “G.I. Joe Is Back” en encarnaciones primerizas de la misma.

“Cowboy Song” es otra inmensa composición que se sale un poco de la tónica del grupo. Una balada que se va acelerando con la maravillosa voz de Phil y esa batería tan original de Brian Downey. De verdad que la forma de tocar de este batería es muy diferente y poco usual y le da al grupo ese algo especial y diferenciador. Con el tiempo será una canción que quedará unida al “Boys Are Back in Town” a partir del mítico directo que grabarían unos años más tarde.

De la serie media destaca “Running Back to You”, muy evocadora y cantada con la delicadeza sutil del moreno líder. Aquí la gracia son las voces dobladas que apoyan en estribillo para un tema sencillito al que le añaden un saxo sutil. Mejoran prestaciones en “Romeo and the Lonely Girl”, 100% Lizzy y con la figura de un Romeo que es una de las referencias literarias del grupo. Medio tiempo de calidad que complementa un disco en el que hay cuatro temas que se elevan por encima de todo y que tapan al resto. Esta llegó a ser tocada en directo algunas veces durante la gira del disco.

A veces subestimamos la calidad de Lynott en el bajo, y en “Warriors” sí que quiso demostrar y protagonizar otra canción muy icónica que sería la quinta joya del disco. Esta en cualquier otra obra hubiese lucido más, pero esto es el Jailbreak y la gloria va para los temas ya citados. El solazo de Robbo es de órdago y la batería de Brian es que vuelve a asentar cátedra. Lemmy de Motörhead siempre suspiró por él… Lo consiguió con Robertson, pero nunca con Downey. Curiosamente “Fight or Fall” suena exageradamente alta, con una producción diferente quedando como lo más próximo a lo que sería una balada típica de los irlandeses.

“Emerald” cierra el disco por todo lo alto y en ella el grupo acentúa la carga de la Isla esmeralda que es Irlanda con todos los mitos milenarios. Es como si anticiparan el Black Rose que aparecería años más tarde. Suena hímnica y solemne y los juegos de guitarras con ecos la hacen inmortal y épica. Posee momentos para jugar con el público y es un tema de puro directo. Es más que una canción y es como recuperar el pasado inmortal y enfrentarlo a Inglaterra. Hay muchísimo mar de fondo en esta maravilla.

Veredicto

Muy posiblemente Jailbreak sea el disco más vendido de Thin Lizzy y el que les aupó definitivamente al estatus de leyendas. Estamos hablando de que los irlandeses consiguieron ser disco de oro en Estados Unidos, Canadá e Inglaterra, lo cual era todo un hito para ellos. Todo sonreía después de los fracasos comerciales de Nightlife y Fighting, pero estamos hablando de una banda maldita y Lynott pilló una hepatitis en Estados Unidos por lo que les tocó suspender parte de la gira.

Cuando una obra consigue encerrar en ella hasta cuatro canciones fundamentales para el grupo, define definitivamente su sonido y sirve en bandeja lo que será años más tarde el directo definitivo, es que ya ves que estamos ante algo absolutamente histórico. La portada también es icónica y te deja clara la pasión de Lynott por los cómics y esas historias cinematográficas de cine negro. Desde 2010 hasta ahora van saliendo muchas bandas de retro rock que tienen el sonido Lizzy como claro punto de partida. Y es que estamos hablando de una de las 10 mejores bandas de rock de la historia.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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Tratar Sad Wings of Destiny es hablar de un disco que redefinió un género y una banda. Si somos puristas, diríamos que este es el segundo disco de los de Birmingham; aunque, si somos realistas, diríamos que es el primero. ¿Por qué? Pues porque Rocka Rolla (1974), no representa, ni por asomo, lo que nos ofrecerían los ‘Gods of Metal’ a partir de este segundo álbum:

“The album sounded weak and diluted… it didn’t sound like the record we thought we were making.” […]; “The album died on its arse… made absolutely no impression.” [“El álbum sonaba débil y diluido… no sonaba como el disco que creíamos estar haciendo… El álbum murió estrepitosamente… no causó absolutamente ningún impacto.”] (Rob Halford, Confess, 2020).

Sad Wings of Destiny, publicado en marzo de 1976, es un disco que redefinió el metal, ya que en él la banda encontró su identidad completa, el molde sobre el que, más tarde, se construiría el heavy metal moderno. En un momento en el que el rock duro aún estaba profundamente ligado al blues y a las estructuras heredadas de finales de los sesenta, Judas Priest decidió cortar ese cordón umbilical al que seguía unido con Rocka Rolla. El resultado fue un disco más afilado, más oscuro, más teatral y, sobre todo, más moderno. Décadas después, la crítica ha coincidido en señalar ese punto de inflexión. La base de datos especializada AllMusic lo resume con claridad en su reseña retrospectiva:

“Sad Wings of Destiny is a quantum leap forward from its predecessor.” [“Sad Wings of Destiny es un salto cuántico respecto a su predecesor.”]

Como ya ha sucedido en muchos de los discos aniversario que hemos reseñado, Sad Wings od Destiny fue grabado en condiciones económicas precarias, hasta el punto de que los propios miembros de la banda han contado en numerosas entrevistas que apenas tenían dinero para comer durante las sesiones. Pero esa precariedad se tradujo en una intensidad creativa extraordinaria. El guitarrista K. K. Downing recordaba años después que no tenían nada que perder, y eso les hizo ser valientes.

Como ya hemos apuntado algo más arriba, musicalmente, Sad Wings of Destiny representa un momento clave de transición hacia un rock, más agresivo y menos dependiente del blues. En 1976, el heavy metal como tal aún no estaba completamente definido. Bandas como Black Sabbath, Deep Purple o Led Zeppelin habían sentado las bases, pero el género seguía siendo difuso. Y es con Sad Wings of Destiny con el disco que se consigue cristalizar ese lenguaje, con las guitarras de Glenn Tipton y K. K. Downing, quienes ya no buscan el swing tradicional, sino unos riffs más angulares, más fríos. Por otro lado, la voz de Rob Halford también juega un papel fundamental, puesto que comienza a desarrollar ese registro operístico, capaz de pasar de tonos graves a agudos extremos. Dicha manera de cantar es la que terminaría definiendo un género. A mi modo de ver, este fue el álbum en el que la voz de Halford se convirtió en un arma.

Otro de los elementos más distintivos del disco es su tono. Sad Wings of Destiny no es simplemente un álbum de hard rock más duro: es una obra profundamente oscura, cargada de dramatismo y con una fuerte dimensión teatral. La propia portada ya nos está diciendo mucho de lo que escucharemos cuando saquemos el vinilo. Las letras exploran temas como la alienación, la violencia, la religión y la desesperación. Hay una sensación constante de tensión, de inquietud, que atraviesa todo el álbum. En ese sentido, el disco se acerca más al universo de Black Sabbath que al hard rock festivo de otras bandas contemporáneas ya mencionadas, pero lo hace desde un ángulo diferente: más técnico, más estilizado, más enfocado en la precisión y, sobre todo, más rápido. Del mismo modo, este disco ayudó a establecer el ‘tour de force’  de la New Wave of British Heavy Metal, movimiento que explotaría a finales de los setenta y principios de los ochenta con bandas como Samson, Iron Maiden o Saxon. Es decir, el disco no solo fue importante en su momento, también anticipó una era.

A pesar de su importancia histórica, el álbum no fue un éxito inmediato. Las ventas fueron modestas y la banda siguió luchando por consolidarse en la escena. Parte del problema fue la falta de promoción y los limitados recursos de su sello, Gull Records. Pero también influyó el hecho de que el disco no encajaba fácilmente en las categorías de la época. Era demasiado duro para el rock convencional y demasiado sofisticado para ser considerado simplemente hard rock. Pero como siempre, la crítica decantó la balanza, revalorizando Sad Wings of Destiny hasta convertirlo en uno de los discos más influyentes de la historia del heavy metal. Por ello, la revista Metal Hammer lo ha incluido en varias ocasiones en listas de los mejores álbumes del género, destacando su papel fundacional y considerándolo como uno de los álbumes de heavy metal más importante jamás realizados.

Con todo, más allá de su impacto musical, Sad Wings of Destiny también contribuyó a definir la estética del heavy metal. La combinación de oscuridad lírica, virtuosismo instrumental y teatralidad sentó las bases de lo que más tarde se convertiría en la identidad visual y sonora del género. En muchos sentidos, este disco es el puente entre el hard rock de los setenta y el metal de los ochenta.

Veredicto

Escuchar Sad Wings of Destiny hoy es entender cómo se construye un lenguaje desde cero. No es un disco perfecto en términos de producción, pero su ambición y su visión compensan cualquier limitación técnica. Es un álbum que respira hambre, necesidad y determinación. Como ocurre con muchas obras fundamentales, su impacto no se mide solo en ventas o posiciones en listas, sino en la cantidad de bandas que surgieron a partir de su influencia. Quizá no es el mejor disco de Judas, aunque ya presenta algunos de sus clásicos sempiternos, pero sin Sad Wings of Destiny, el heavy metal probablemente habría seguido un camino muy distinto.

Jordy Stanley

Jordy Stanley. Profesor de Lengua y Literatura, historiador y freaky en general, posee diferentes obras de ámbito académico y divulgativo. Su último libro, Conan a lo largo de los filmes (PanoArtBooks, 2022) ha agotado sus dos ediciones. Entre lo destacado de su discografía, podemos hallar Henry Dark (2009), de su anterior banda, HENRY DARK y el flamante LP, KISS my Covers (2024), donde tributa a KISS, la banda de su vida, de una manera muy particular. Guitarrista y cantante, otra de sus múltiples facetas es la de youtuber y redactor musical.

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26 de marzo de 1976

Decca Records

Hoy se cumplen cinco décadas del lanzamiento de una de las cumbres del rock progresivo: Moonmadness de los británicos Camel. Los de Guildford, Surrey se fundaron en 1971 por parte del compositor, guitarrista, vocalista, flautista y teclista Andrew Latimer (multiinstrumentista que es el único miembro original activo en la actualidad), junto al batería Andy Ward y el bajista Doug Ferguson. Estos habían tocado en el power trio Brew y, tras publicar un anuncio en el Melody Maker, se les unió el teclista Peter Bardens. Tras estrenarse como teloneros de Wishbone Ash ese mismo año, empezaron a girar habitualmente y firmaron con MCA Records, con los que publicaron su debut homónimo en 1973. No tuvo éxito, por lo que se movieron a Deram Records: una filial de Decca Records, con los que sacaron al año siguiente el eventualmente mítico Mirage, con el cual los descubrí. Extrañamente fue pasado por alto en su casa, pero bien recibido en Estados Unidos, por lo que giraron allí durante tres meses. Destaca su suite de «Nimrodel» / «The Procession» / «The White Rider», inspirada en The Lord of the Rings.

Como les llamó la atención la historia del relato The Snow Goose, de Paul Gallico (1940), ya en 1975 grabaron un precioso disco conceptual instrumental bajo esa denominación, que significó su primer éxito global, a pesar del litigio con el autor por copyright que terminaron resolviendo. Junto a la London Sumphony Orchestra, presentaron en octubre el álbum en el prestigioso Royal Albert Hall. Para su cuarto lanzamiento de 1976, aunque no fuera otro disco conceptual, sus composiciones compartirían una cierta temática: nuestro protagonista Moonmadness hace referencia a las creencias arcanas de cómo las fases de la luna pueden afectar a la mentalidad humana. Una fantasía cósmica e introspectiva estilo The Dark Side of the Moon de Pink Floyd.

El disco

Esta historia empieza con la instrumental casi medieval de «Aristillus», de claro protagonismo para los teclados. Desemboca en la preciosa y etérea «Song Within a Song», con el sintetizador de Bardens respaldado por la voz de Ferguson y la flauta de Latimer. Me encanta ese cambio de ritmo psicodélico, hacia su cuarto minuto de duración. Mucho más trepidante se nos presenta la igualmente instrumental «Chord Change», que baja revoluciones tras el inicio, donde el foco de atención pasa a centrarse en los solos de guitarra de Latimer, más que en la percusión de Ward. Su final caótico es puro jam session. «Spirit of the Water» es una preciosa balada a piano, en la que la voz de Bardens parece ahogarse en el agua.

Encaramos la segunda parte del disco de manera enigmática, con «Another Night», donde encontramos una atmosfera más pesada, idónea para las cuatro cuerdas de Ferguson. La dulce flauta de «Air Born» engatusa nuestros oídos, junto al teclado. Como en la composición anterior, se encarga del apartado vocal el omnipresente Latimer, así como de la flauta y de la onírica guitarra. Llegamos al final de esta atemporal travesía con la canción más extensa del elepé: «Lunar Sea». El eterno sintetizador, junto al sonido envolvente de burbujas, parecen sumergir al oyente debajo de la superficie del mar selene. Hacia la mitad, deciden desatarse el resto de instrumentos, en especial la batería y la guitarra, para romper el hechizo, antes de que regrese el teclado. Majestuosa instrumental, para despedirse por todo lo alto.

«You see the sea, you feel the sky.
Don’t know where you go when you die.
Don’t know the answers.
To what’s in my mind.
Riding on the wind and turning with the tide».

 

Veredicto

Moonmadness además de significar la consolidación del sonido de Camel, también implicó el último disco con la formación original. Quizás por su apuesta cercana al jazz fusión estilo King Crimson, su nula apuesta por el formato radio friendly, o bien por el poco uso de lírica en sus composiciones, jamás lograron tener el éxito de grandes nombres como Yes o Genesis, si bien están muy bien valorados por la crítica y los seguidores del género. Tuve mucha suerte de disfrutarlos en directo durante su gira de 2018, donde lo tocaron entero ese 4 de setiembre en la Sala Barts, cuyo concierto finalizaron con mi favorita «Lady Fantasy», perteneciente a su disco Mirage.

Pere Guiteras Esquius

Apasionado del cine y la música. Desde 2021 he sido redactor en diferentes medios como Manners of Hate, Metal Nightmare y Queens of Steel. Recientemente incorporado al equipo de Stairway to Rock, para ofreceros desde entrevistas, reseñas de discos o crónicas de conciertos (con énfasis en el underground), además de cualquier artículo especial cinéfilo que me pase por mi cabeza. Especializado en heavy, thrash, speed, metal épico, doom, rock progresivo y psicodélico. Actualmente trabajando en una novela de ciencia ficción.

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26 de marzo de 1991

Epitaph Records

Adoro este disco de NOFX puesto que me recuerda a mi adolescencia y fue todo un bombazo en el que el grupo de punk californiano ya muestra todas las cartas que les van a hacer grandes a partir de entonces. “Lubricado” y con un condón de portada se presentó al mundo esta maravilla, y con él, el punk rock sería un fenómeno global a partir de entonces con Fat Mike de punta de lanza y con todo un Brett Gurewitz de productor (tercer disco y último que les iba a producir). El guitarrista de Bad Religion ya consolidaba su discográfica Epitaph Records como una de las independientes más importantes del mundo.

Cachondeo, velocidad y melodía

El estilo en su día fue considerado como excesivamente comercial para los fans más puristas del punkclásico que lo veían como una amenaza que pervertía el estilo. Bad Religion, posteriormente Offspring y LagWagon querían comerse el mundo. Quizá el estilo quedaba más cercano a Toy Dolls que en esos días seguían siendo reverenciados. Pero la influencia, más que nada, era por hablar de temas triviales y por la diversión. El cachondeo puro y duro es lo que reina en NOFX, respaldado por grandes himnos de minuto y medio a un ritmo frenético trufado de sorpresas de todo tipo.

NOFX tenían en su haber un par de discos ya con riffs bastante metaleros para lo que es el estilo, y eso en Ribbed se mantiene. La producción es tosca, pero lo que ofrece es una enorme combinación de adolescencia desatada, diversión y decibelios a grandes revoluciones. Es en esta obra en la que el grupo juega con momentos deliciosamente melódicos y con influencias del rock de los 50, el surf y demás parafernalia que los hacen únicos a partir de entonces. Sería también el último disco con el guitarrista Steve Kidwiller que dejaría paso a un tipo enorme como es El Hefe.

El disco

Se abre todo con “Green Corn”: furibundo tema a velocidad endiablada, con una línea vocal hímnica y técnicamente con un gran trabajo instrumental. El plus lo dan los juegos de coros californianos y envolventes, marca de la casa. Atención al trabajo de guitarras de Eric Melvin pues el nivel es más que alto. Para un servidor es de las canciones más definitorias del grupo si bien la siguiente es la que más se recuerda… “The Moron Brothers”. Estribillo para el recuerdo e incesante riffeado con una vuelta con la que armar pogos locos. Rompen el tema con un pasaje melódico que pasará a ser otro de sus santos y señas a partir de entonces para el grupo.

La despedida de Kidwiller del grupo es por todo lo alto pues nos regala una composición tan estratosférica como sencilla: la icónica “Together on the Sand”, una historia de amor interrumpida por una ola… Todos y todas hemos intentado tocar con una guitarra por su sencillez y efectividad. Un clásico del punk rock que poco tiene de punk y de rock… ¡Pero eso es NOFX! Preciosa tonada de un minuto y segundos de duración que pasa como un suspiro y es “preciosa” a todos los niveles. Con unos pocos arreglos simples de percusión como pueden ser chasquidos de dedos ya tenían montado un clásico con todas las de la ley.

Mantiene el gran inicio ese “Showerdays”, entonada y certera siendo otro himno californiano con todas las de la ley. El reggae no tarda en aparecer de manos de “Food, Sex and Ewe” con el bajo de Fat Mike de protagonista. No es lo mas recordado de la obra, pero encaja a la perfección con la propuesta dando matices y variedad a la obra. No descansa la velocidad y la melodía en “Just the Flu” con solos funcionales de guitarra y mala leche buenrollista. No dan respiro en “Cheese” de entrecortando el riff y demostrando que estaban en un buen momento compositivo y ante el inicio de algo grande. La virguería melódica de “New Boobs” es puramente NOFX. Pura clase y crítica mordaz a la sociedad americana en un disco de punk rock.

Pero si hay un tema que merece el calificativo de himno posiblemente sea “Where’s My Slice” con arreones speedicos y esos coros envolventes que les caracterizaron a partir de entonces. Una fiesta melódica instalada en la velocidad. La velocidad endiablada de baquetas y bombo de Erik Sandin en “Nowhere” es tremenda, con esos fraseos de guitarra divertidos a pesar de que la producción y sonido de entonces no le dan todo el potencial que ya poseía el combo. Las divertidas “Brian Constipation” y “Gohoherpasyphlaids” cumplen expediente para luego entrar en terrenos más The Clash y toque Madness en los vientos de “I Don’t Want You Around”, un tema que nunca ha tenido mucha presencia sobre las tablas. Finalizan con otro clasicazo como es la trepidante “The Malachi Crunch”. Aquí hay guiños metaleros en guitarras y toda la mala leche y velocidad con cambios de tempo incluidos.

Veredicto

Nunca he tenido suerte con NOFX en directo y las tres veces que los he visto han quedado bastante por debajo de sus compañeros escénicos, pero eso no quita que la fiesta fuera absoluta y que un poco el caos y el cachondeo constante venga de serie en sus directos. Ribbed es la constatación de que estaban preparados para abordar grandes recintos y se vislumbraba un grupo capaz de estar a la altura de sus compañeros Bad Religion y de ser buque insignia del entonces emergente hardcore melódico. Recordemos que embellecen los coros la presencia de Mark Curry y Jay Bentley reforzando lo que es una de las claves de su sonido. Es complicado decir cuál es el mejor disco de NOFX, pero yo al Ribbed lo tengo en un pedestal… 35 años ya…

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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23 de marzo de 1996

JVC Victor / Paradoxx

Parece que hoy en día hablar de un género como el power metal melódico o metal alemán sea algo vergonzoso. Bandas como Gamma Ray, Blind Guardian o Stratovariusno se encuentran en sus mejores momentos y el estilo que levantaron ha llegado a una sobrepoblación tal como la que padeció en sus días el grunge o el glam rock de peluquería a finales de los 80. Que el género se repita y haya caído a nivel de popularidad no quiere decir que no existan grandes discos y bandas,y si algo hay que agradecerle a este género es que levantara al heavy metal cuando este pasaba unas de sus horas más bajas.

Marco histórico

Si sr@s, hubo unos años en los que un cartel como Gamma Ray, Stratovarius y Rage (juntos y en 1996!!!) no eran capaces ni de arrastrar a 150 personas a Razzmatazz (entonces Zeleste). Tiempos en que adorar el metal de corte clásico era una auténtica decepción. No llegaban discos, las giras no hacían escala por España, las publicaciones metaleras te hablaban de grupos de moda y en los bares y discotecas sólo sonaba Sepultura, Fear Factory, Rage Against The Machine o Machine Head.

Personalmente encontraba mucho más comercial a bandas como Blind Guardian, Helloween y Gamma Ray pero el mundo seguía otros parámetros marcados por la MTV, y las modas de esa época eran otras. Poco a poco las cosas empezaron a cambiar, esas bandas que algunos idolatrábamos empezaron a tener más cancha, KISS y Black Sabbath volvían al ruedo y empezaban a reivindicarse los parámetros clásicos del heavy metal. Se llegó a momentos realmente bajos, en 1996 Dio tocó ante 200 personas en un Zeleste casi vacío, tanto que hasta un mocoso como yo llegó a estrecharle la mano al divo desde bajo del escenario (¡y eso que yo
que siempre estoy detrás!).

Pues sí, en esos tiempos aciagos para la industria metalúrgica apareció un CD importado de Brasil llamado Angels Cry (aparecido en 1993). Una auténtica maravilla que se acercaba a sonoridades que surgían en Europa pese a venir de Brasil. En esos tiempos una banda de Brasil practicando heavy metal alemán era una rareza sólo comparable a unos tales Labÿrinth que provenían de Italia. Mezclaban música clásica, había doble bombo, orquestación a teclados, unos coros angelicales y un cantante con una voz prodigiosa, encima tenían toques progresivos, eso sí, los justos para adornar los temas sin necesidad de perderse en virguerías inacabables. Pero si Angels Cry era una maravilla, sólo era el principio, Angra todavía tenía muchas cosas que decir y aportar.

Portada y concepto

La solemnidad y el buen gusto que guardaba el ángel de piedra con un ramo de rosas en sus manos de su ópera prima dio paso a una rosa de los vientos y un mapa antiguo en tono ocre. Latitudes, vientos y continentes ya nos daban a entender que el disco encerraba cierto ambiente marítimo y unos textos cargados de referencias a la navegación. El desplegable, de enorme calidad, estaba coronados con unos querubines que portaban un texto del poeta lusitano Fernando Pessoa, místico, escritor, nacionalista y visionario portugués que pasó parte de su vida navegando entre mundos vía mar. Nunca he leído ni he oído referencias sobre que dicho
álbum sea conceptual, pero está claro que la mayoría de sus letras guardan cierta conexión, así como la música.

El disco

Decepción, esa fue la palabra que la mayoría de fans del Angels Cry articularon ante un disco tan aparentemente diferente a su anterior. Razón no les faltaba pues el disco adolecía de temas himno tipo “Carry On” y a la primera escucha uno quedaba realmente descolocado ante esa sucesión de cortes lentos, repletos de orquestaciones, coros y una delicadeza suma trabajada al milímetro.

La intro “Crossing” es una delicada pieza vocal susurrada in crescendo totalmente elegante. Un acercamiento al gregoriano con un parón de truenos y relámpagos que nos anuncia que viene tormenta. Y tras la calma… “Nothing To Say”, una de
las piezas más conocidas de la banda, un corte redondo muy definitorio de las posibilidades del grupo. Puedo afirmar sin temor a dudas que es uno de los inicios más redondos que se han hecho en los últimos tiempos.

Otro crescendo con guitarras entrecortadas y un juego constante de ritmo y golpes en las baquetas de Confessori a la vez que el bajo de Mariutti gana protagonismo. El tema navega cual velero en aguas de tormenta, hay momentos veloces a doble bombo, paradas para el teclado sinfónico y subidas y bajadas. El estribillo es de puño en alto y las orquestaciones se dan de la mano con la melodía principal, eso sí, tienen un protagonismo enorme que enriquece la composición, ya de por si magistral.

El siguiente puerto a visitar es “Silence And Distance”. Aquí se juega con el volumen y con un inicio lento y melancólico muy evocador. La soledad de un navegante ante la noche estrellada y la inmensidad del mar. Se da paso a un medio tiempo con constantes cambios de ritmo y un estribillo con unos coros originales y un final que repite la melodía inicial.

Si hay un tema que pueda considerarse “la canción” de Angra es la siguiente: “Carolina IV”. La percusión brasilera hace acto de presencia y el trío Bittencourt, Confessori y Matos firman un inicio festivo que es hasta bailable. Un extenso corte que abarca desde pasajes clásicos pausados a cabalgadas trepidantes a doble bombo. Carolina IV es el nombre de un barco y la letra nos habla de laexperiencia náutica de una tripulación. Atención al interludio progresivo salpicado de percusiones brasileñas. El nivel instrumental del grupo les permite sobrarse a la que pueden. Este tema ya merecería una página sólo para él, tan sólo añadir
que Matos sube y sube a medida que la canción avanza.

Flautas, djembés, triángulos, cajas chinas, congas… Todo lo que tienen tiene cabida en este disco. “Holy Land” es un tema enriquecido con todo tipo de instrumentos, otro medio tiempo “in crescendo” con una base de teclado, percusiones varia y una voz excepcional de Matos. Ésta, juntamente con “The Shaman” son los cortes que pasan más desapercibidos, sobretodo esta última que contiene una narración del Shaman.

El corte más rápido del disco es “Z.I.T.O”, velocidad y lucimiento para los hachas Loureiro y Bittencourt. Los coros quedan algo forzados y pese a que el tema es bueno sólo aguantó en el set-list una gira y gracias a que era la canción más rápida y fuerte, que no la mejor. Mucha gente discute si “la balada” de Angra es “Lisbon” o la que aparece en este disco: “Make Believe”. Para un servidor no hay duda alguna, me quedo de largo con esta preciosidad que es puro sentimiento. Pocas veces una balada me ha llegado tanto, pero para los que no les termine de tocar la fibra que prueben con la versión acústica y después me cuenten.

El final del compacto está formado por dos baladas a cada cual más sobrecogedora. “Deep Blue”, que tiene un aire pop sobretodo por que es André Matos su compositor, y un epílogo que es “Lullabye For Lucifer”, apenas dos minutos de lírica preciosa
que transcurre entre el remor de las olas y el canto de las gaviotas. “Deep Blue” posee un órgano de iglesia y unos pasajes con un coro de voces muy clásicas.

La repercusión

Holy Land supuso para Angra el paso definitivo hasta el estatus de “grande”. Japón y Francia (especialmente) cayeron rendidos a base de giras y acústicos de más de dos horas. Su siguiente paso, en plena resaca exitosa fue sacar un EP llamado Freedom Call con material inédito y otro EP en directo grabado en París. Para continuar explotando el filón apareció una edición con camiseta de regalo y una caja con un unplugged en el FNAC de París y el Holy Land para coleccionistas. Este disco les sirvió para embarcarse de teloneros de Stratovarius por toda Europa, eso sí, depende del país en que tocaban Angra eran cabezas
de cartel.

Veredicto

El debate entre los fans de los sudamericanos nunca ha alcanzado una respuesta clara. Angels Cry es una maravilla y es mucho más duro que su predecesor, pero, a diferencia de este, cabe decir que hay grupos y discos que se parecen a Angels Cry pero ninguno a Holy Land. Con su disco debut les colocaron el cartelito de power metal melódico, con el Holy Land rompieron toda posible clasificación.

Metal, percusión tribal, orquestaciones, canto gregoriano, pop sinfónico, barcos y poetas lusitanos. Podríamos hablar de lo acaeció después en el seno del grupo y sus posteriores trabajos, así como de los nuevos Angra y los Shaman, pero todo esto bien merece otro reportaje. Para los que no tengan este disco recordarles que existe una edición especial con Angels Cry y Holy Land a precio de sencillo, sin duda una de las mejores inversiones que se pueden hacer.

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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21 de marzo de 1996

RCA Records

Me da la sensación de que España nunca se llegó a enterar de la enorme dimensión de Ska-P y de los muchos logros que han conseguido. Fueron un auténtico fenómeno en su día que traspasó fronteras y se avanzaron una década al auge del estilo festivo y mestizo si bien ellos combinaban como nadie el rock urbano de las letras con una música pegadiza, fresca y totalmente de raíces ska, reivindicativa y de barrio. Personalmente, en su día, me parecieron un fenómeno curioso, muy festivo y poco más… pero visto en perspectiva, ojalá volvieran estos sonidos a la trascendencia de su tiempo.

Sudamérica, Francia, Italia… El vals del obrero fue un éxito global si bien también hubo una gran inversión por parte de una discográfica importante que tenía bien claro que tenía entre manos algo potente y vendible, para todos los públicos, más allá de su posicionamiento político. Lo más triste de todo es que tras 25 años las letras siguen vigentes y los mismos personajes siniestros de sus letras siguen en el poder tocando la pandereta patria. Si te queda alguna duda del nivel y éxito de convocatoria que poseen Ska-P mírate su video en el Woodstock de Polonia en el que tocan delante de 500.000 personas y la gente no solo se vuelve loca con ellos, sino que canta a pleno pulmón el “Cannabis”.

“Ska-P fueron importantísimos para mi. Yo tenía diecinueve años cuando llegó ese disco a Italia. No llegó como disco físico, pero en esos días estaba Napster. Lo conocí cuando estaba en la escuela y ya te digo que me cambió mucho. Cambió especialmente mi forma de tocar. Fue una de mis grandes primeras influencias cuando empezaba a tocar”. (Dema, líder de Talco)

Ese día de 1996 en que la Emisión Pirata trastocó toda su programación para dejar de emitir heavy metal y dedicarse a desgranar todo el disco de El vals del obrero me indignó, pero… poco a poco fui cayendo en las redes de todos sus temas. Si algo posee esta obra es la inmensa variedad y calidad de las composiciones, algunas de ellas, auténticos himnos del estilo. Madness del Manzanares con ese toque imprescindiblemente patrio en una obra de la que hay que destacar especialmente la enorme calidad de composición de la mitad de sus temas.

Portada y detalles

La portada es icónica mostrando a un obrero oprimido con ganas de rebelarse con el poder. Manejando los hilos un ser repugnante representando el poder y el pasado patrio disfruta manejando y siendo un “Master of Puppets”. Puro, corbata, diente de oro y aguilucho conforman todos los tópicos del patrón opresor. Cabe remarcar la excelente labor de Tony López como productor y hay en la carpeta el mejor y primer agradecimiento para él: “Gracias por aguantarnos”. Completando algunos detalles hay una foto del Subcomandante Marcos, todo un revolucionario moderno de los 90 y acompañan en el libreto fotos de infancia de cada miembro del grupo.

El disco

El inicio es arrollador con algo tan festivo y definitorio como “El gato López”. Ya en su anterior y primer disco ese gato callejero ya tomaba la portada, y al igual que en Los Suaves, era el símbolo del combo vallecano. Diversión, baile, gran trabajo instrumental y excelentes juegos de coros le dan todo el color. Destaca especialmente la voz de Pulpul.

En “Ñapa Es” hay una crítica directa al país que sigue vigente cada vez que enciendes la televisión. Hay ritmo de pasodoble castizo, castañuelas por parte de Maria Rosa Jiménez y la trompeta de Angelo Mancini (Hechos contra el decoro). La letra es brillante sin buscar poesía y hay ese toque endurecido de guitarras que siempre agradecen los fans metaleros. Hay varios himnos atemporales y el tema que da título a la obra es quizá la más rotunda de todas ellas. Desparrame ska y una oda al proletariado. Los contratiempos propios del estilo conviven con gritos mariachis o un vals en el interludio funcionando a pleno rendimiento.

En “Revistas del corazón” hay ska de libro si bien el tratamiento de la línea vocal es totalmente cercana a lo que perpetraban Def Con Dos. Grandes juegos de metales y una letra crítica. Ahora las revistas del corazón han sido sustituidas por algo peor: Sálvame  con famosos que solo son famosos en ese programa. De entre lo más excepcional del disco, que es bastante, hay esa maravilla titulada “Romero el madero”. Un retrato fidedigno e imaginativo del antidisturbios patrio. El riff vocal es inmenso y la letra es imaginativa y redonda. Pulpul vuelve a dar otra demostración vocal acompañada de sirenas y con el acordeón invitado de César Zubiri. Destacaría también el trabajo a la batería de Nuno que sin buscar prodigios técnicos debe lidiar con contratiempos y ritmos 3×4.

Pero si ha quedado un tema para la posteridad y para deleite de la Celtiberia es “Cannabis”. Es tan perfecta que un poco les ha hecho más mal que bien pues ha tapado muchos grandes cortes del disco. Es un “Fiesta pagana” en toda regla y les elevó a lo más alto. Puedes estar de acuerdo o no con la legalización de la marihuana, pero en la fiesta de pueblo lo vas a dar todo… y lo sabes.

El resto del disco no es tan rotundo si bien hay un muy buen nivel general como en “Sectas”. Aquí sí que Madness es el espejo en el que se miran con ese saxo. El paro es el protagonista en “No te pares”, una canción a revindicar en pleno 2021. Letra dura pero música entretenida y algo feliz. No hablaremos de relleno, pero comparado todo con las canciones anteriormente mencionadas baja el listón. “Insecto urbano” posee un gran estribillo, siendo una oda al nini perroflauta orgulloso. Alguna intro hablada ahora ha quedado desfasada, eso no impide que “Animales de laboratorio” toque el tema animalista con acierto. Pulpul canta en el tema más teatral del disco armado otra vez con acordeón.

Un banjo suena en “La sesera no va” para abordar la conquista de América y la realidad posterior. Ojo a la gran frase: “Colón qué hiciste… ¿por qué los descubriste?”. Afortunadamente el disco termina con otro tema tan notable como “Sexo y religión” en una de las canciones más exigentes a nivel vocal. Lo festivo y lo crítico se dan la mano con grandes resultados en otro himno para los vallecanos. Sigue estando en muchos de sus directos actuales…

Veredicto

Lo más triste de todo es que este disco habla de unos temas que siguen siendo vigentes en la actualidad. Aznar y González siguen campando a sus anchas sin que nadie se atreva a ponerles un dedo encima… Recuerdo en esos tiempos que los niños de primaria de toda España conocían a la banda, cantaban sus canciones y llevaban sus camisetas. El posterior Eurosis les hizo seguir creciendo si bien el gran disco de Ska-P es El vals del obrero. Con temática abordando tabúes y males, con música variada y letras ingeniosas irrumpió Ska-P dando color y reivindicación a la España de los 90. El problema en España es que el grupo ha quedado como un recuerdo de los años 90, cuando fuera, siguen teniendo trascendencia y éxito. ¿Y esa eterna discusión de que un grupo anticapitalista sacara un disco con una multinacional?

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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16 de marzo de 1981

Brain Records

Cuando hablamos de Accept siempre os vendrán a la cabeza Metal Heart, Walls to the Wall y Restless and Wild, pero el disco que cambió su historia es sin duda alguna el que nos ocupa: Breaker. Vale, la portada es más fea que pegarle a un padre, pero aquí por vez primera el grupo demuestra que tiene un proyecto con canciones capaces de encandilar a una generación. Probablemente fue un intento de captar la reacción que puede tener alguien al escucharles y subrayar lo de metálico y punzante con esa concertina que penetra en las orejas entrando y saliendo. Ya era la segunda portada con una chica de protagonista, tan mala como la primera…

Obviamente soy de los que revindicará siempre sus dos primeros discos Accept y I’m a Rebel, pero aquí no necesitan de AC/DC para que les compongan un éxito, cosa que sí sucedió con “I’m a Rebel” en su anterior obra. Aquí Accept daba el golpe sobre la mesa y sentaba sus bases sin interferencias externas. Hay aquí hasta cinco composiciones imprescindibles del grupo de un total de diez, lo cual es todo un hito.

El disco

No cuentan con la mejor producción ni el mejor sonido posible, pero están replicando lo que viene de la pérfida Albión doblando la apuesta: más rápidos, más duros y más afilados. Incluso se atreven a atacar pasajes clásicos, algo que no llegará a Inglaterra y Estados Unidos en terrenos netamente heavies hasta unos lustros más tarde (obviamente en cuanto a hard rock Deep Purple ya lo tenían). El tema título es absolutamente insultante con un riff demoledor y a una velocidad mayor que sus coetáneos de la NWOBHM no habían llegado. Podemos hablar de heavy metal con todas las de la ley.

En “Starlight” se sientan muchos cimientos de lo que es la personalidad de Wolf Hoffman, especialmente por ese solo de inspiración clásica. El sonido es poco pulido y la influencia de AC/DC es más que obvia si bien se nota que el combo teutón apuesta por algo más duro y metálico. Riff monolítico con un Udo afilado como el acero y guitarras dobladas por parte de Wolf y Jörg Fischer. Hay un tratamiento hímnico para “Run If You Can”, si bien, y a pesar de ser un muy buen tema, palidece entre el elevado nivel de la otra mitad del LP. A pesar de que a Hoffman no le gusta hablar de baladas siempre han sido una parte importante en sus inicios y la agónica voz en medio tiempo de “Can’t Stand the Night” bien lo muestra.

La explícita “Son of a Bitch” es uno de sus clásicos más celebrados y tocados en toda su historia. Puramente Accept a todos los niveles con un estribillo memorable. “Hijo de puta, puedes besarme el culo”. En Solingen no estaba Garcilaso de la Vega, y tampoco se lo esperaba… Tuvieron que cambiar letra y título para el mercado inglés. Llegamos a uno de los momentos culminantes de Accept con “Burning”, que fue grabada como si de un directo se tratara.

Un poco devuelven el favor a AC/DC por “I’m a Rebel” grabando un tema propio y atemporal. Si queremos jugar un poco… imaginad este tema escrito y tocado por AC/DC… estaríamos ante uno de lo más grandes clásicos de los australianos. Rock n’ Roll decibélico de la grande tradición austral en manos de unos locos germanos. Espectacular. Si quieres buscar el momento de conexión entre ambas bandas, más allá del “I’m a Rebel” este es lo es. Por cierto… Wolf Hoffman sigue buscando esa cinta en la que Angus Young canta el “I’m a Rebel”. Existió esa cinta según él. Sería glorioso dar con ella…

Otro tema maravilloso es el “Midnight Highway” en la que vuelve a planear el espíritu AC/DC y que queda como himno atemporal. Enorme está el bajista Peter Baltes cantando el puente antes del estribillo. Las guitarras me continúan sonando tremendamente a los Scorpions de los 70, en la era Uli Jon Roth, y sí, es historia viva del rock alemán. Hay una evidente búsqueda de sonar comerciales y es una vía que no fue explotada y se les daba muy bien. Antes hay ese tema cuadriculado en su concepción y que tanto influirá en la carrera luego de Udo: “Feelings”. Excesivamente encorsetado y caricaturesco de lo que es Accept. El estilo nacía, para bien y para mal…

Baltes vuelve a cantar en la preciosa “Breaking Up Again” demostrando las posibilidades de un grupo enorme, doblándose la voz y jugando con gongs. Hasta este disco había esa tradición de baladas acústicas como las encontramos en “King” o “Seawinds”, algo que se les daba enormemente bien, pero que se aparcó a partir del posterior Restless and Wild. Completa la obra “Down and Out” en otra canción prototípica y que ya empieza a aunar todas las características que harán grandes a los teutones a partir de ahora. Grandes riffs, canciones para el recuerdo y una banda inmensa.

Veredicto

Los fans de Accept te pueden decir que es el mejor disco del grupo (muy a pesar de su portada) y pueden tener razones obvias para convencerte.  La gloria en Accept arranca de verdad con este disco y la leyenda queda forjada aquí. A partir del siguiente álbum la velocidad sería su razón de ser, pero aquí estaríamos hablando de que hay un genio compositivo a desarrollar y de un material por encima de la media habitual.

Las premisas para el triunfo esta vez fueron claras: primero, no dejar que nadie ajeno influyese, nadie de fuera de la banda iba a aconsejarles. Segundo, no ir en busca de un hit single como objetivo número 1 y ser ellos. Y el tercero es meter en tareas de mezcla a Michael Wagener. Ya lo tenían, ahora tocaba hacer una portada decente…

Jordi Tàrrega Amorós

Licenciado en INEF y Humanidades, redactor en Popular 1, miembro fundador de TheMetalCircus y exredactor en webs y revistas como Metal Hammer, Batería Total, Guitarra Total y Science of Noise. Escribió el libro «Shock Rock: Sexo, violencia y teatro». Coleccionista de discos, películas y libros. Abierto de mente hacia la música y todas sus formas, pero con especial predilección por todas las ramas del rock. Disfruto también con el mero hecho de escribir.

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