Los encargados de abrir la noche fueron Herbasana, una banda local de versiones de clásicos del rock español. Sabían lo que la gente había venido a buscar, y se aseguraron de darlo desde el principio, encendiendo a los asistentes temazo tras temazo. Nos dejaron como simpática anécdota el hecho de que para calentar un concierto de Obús sonasen clásicos de Barón Rojo, como «Los Rockeros Van al Infierno» y «Casi Me Mato». Las viejas rivalidades no tienen sentido en 2026.

Herbasana cumplió su misión con un notable alto, y desde la mitad de su actuación ya todo el mundo estaba cantando y coreando los estribillos de los temas que interpretaban. Dejaron la sala caliente y preparada para que los protagonistas de la noche rematasen la faena, y vaya si lo hicieron.

He de confesar que nunca he sido un gran seguidor de los madrileños, y que fui al concierto al concierto con ciertas dudas. Al final, uno es consciente de que viene a ver a unos músicos que rondan los 70 años, e intenta medir las expectativas. Sin embargo, todas las dudas que pudiera tener se esfumaron desde el momento en el que Obús comenzó con su actuación.

Fue una auténtica tormenta rockera, con un sonido impecable. Fernando Montesinos sonaba muy contundente al bajo, y Carlos Mirat era una auténtica bestia en la batería. Mientras, Paco Laguna demostró desde el comienzo que el talento con la guitarra no se pierde con el tiempo, siendo capaz de hacer que la gente empezase a saltar y agitar su cabeza desde el primer riff. Y Fortu, madre mía Fortu. A sus 72 años el frontman demostró tener una energía que ya le gustaría a muchos de los treintañeros que he visto en directo alguna vez.

Que ya en la primera mitad del setlist nos encontrásemos con bombazos como «El que más» o «Pesadilla nuclear» era un claro aviso de que venían a darlo todo. Y pese a tener ya a todo el público en el bolsillo, Fortu terminó de ganarse a todos diciendo que siempre va a Alcossebre de vacaciones (un pueblo muy cercano de la provincia), y que su familia está ahí. Y claro, entonces Obús dejó de ser un grupo madrileño para pasar a jugar en casa. Eso se notó en las gargantas de los asistentes, que siguieron dándolo todo con clásicos como «Te visitará la muerte» o «Que te jodan».

Si Fortu estuviera jugando a rol en la Salatal, podríamos decir que todas sus tiradas de carisma estaban siendo críticas. Cada gesticulación, cada saludo a la primera fila, cada guiño de ojos o beso lanzado tenían su efecto y metían a la gente aún más en el bolo. Sabía que era el gran protagonista y abrazó ese rol con seguridad y determinación. Estuvo bailando, saltando y gesticulando de principio a final, como un auténtico Mick Jagger español. Mientras, su banda seguía lanzando temazos sin parar. Eran una ametralladora, entrelazando temas con pocos y cortos descansos ocasionales entre ellos.

Después de «Prepárate» llegó el momento de las presentaciones, y de nuevo volvieron a demostrar carisma. Sonó el «Ace of Spades» cuando presentaron a Montesinos, y luego vino uno de los momentazos de la noche. Fortu hizo salir al escenario a su madre, la Mari, de 92 años. El público se volcó con este momento, y ella se mostró encantadísima saludando a todo el mundo. Fue un detalle maravilloso. Luego vino la presentación de Mirat, y él cogió sus baquetas e hizo un solo en una escalera plegable mientras Fortu ocupaba su lugar en la batería.

Después el cantante saludó a su esposa, que estaba en el merchan, y a su amigo Paco Laguna con quien llevaba 50 años compartiendo escenarios. Para terminar, fue el propio Laguna el que presentó a Fortu entre una tormenta de aplausos, y le dieron el broche final a su actuación con «Vamos muy bien». En ese último tema, en una nueva tirada crítica de carisma, el vocalista le dio la mano a una chica de primera fila para ayudarla a subir al escenario para cantar con él, y luego fue él quien bajó del escenario para cantar los últimos estribillos entre los asistentes.

Y de esta manera Obús conquistó Castellón de la Plana con un auténtico bolazo, y una sala llena a reventar absolutamente entregada a la banda. Todos cantaron y vibraron, y los músicos demostraron que se encuentran en un estado de forma espectacular. Y yo que fui con mis dudas salí encantado, sonriente, deseando volver a verles pronto y agradeciéndole de corazón al amigo que me había animado a ir con él a verlos.

Yúbal Fernández

Experto en tecnología y amante de la buena música. Abierto a todo tipo de géneros, pero amante del prog en particular. Me encontrarás más en conciertos de pequeñas bandas locales y nacionales que en los de grandes leyendas del rock internacional, y también en algunos que otros festivales.

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La cita fue el pasado sábado 28 de marzo en la Salatal de Castellón, a la que Annacrusa consiguió poner por primera vez el cartel de sold out. Eso se notaba, porque entrando media hora antes de la hora indicada para el comienzo del directo ya podías ver el puesto de merchandising abarrotado, con una creciente cantidad de gente acercándose al escenario o buscando a los músicos para saludarles antes de que comenzara el show. Cuando solo pasaban tres o cuatro minutos de las ocho de la tarde las luces se apagaron, y empezó a sonar la pista de «El murmullo del hielo» a modo de introducción. Cuando terminó, se levantó el telón y comenzó el concierto. No se anduvieron con chiquitas, y comenzaron directamente con «Leviatán», una de las mejores pistas de su último trabajo. Otros grupos quizá hubieran dejado el tema para cerrar su actuación, pero ellos decidieron empezar directos a la yugular.

En sus discos el cuarteto sabe combinar muy bien el rock independiente y el progresivo, con canciones potentes y complejas pero asequibles. Pero a su directo hay que añadirle la inconfundible energía que son capaces de transmitir. A ambos lados del escenario estaba el bajo de Bola y la guitarra de Sevi, con dos décadas de trayectoria en el death y black metal que se nota con cada movimiento que hacen. No paran, se mueven, gesticulan, lo dan todo, y eso el público lo nota perfectamente. Y Sevi también demostró ser un guitarrista al servicio de las canciones que escribe. No busca el lucimiento, no busca solos imposibles y kilométricos. Todo lo que hace está destinado únicamente a mejorar las canciones, con solos sencillos pero muy efectivos. Entre ellos, Anna se mueve sin parar, alternando el cantar con tocar su sintetizador, y dándole tiempo a bailar, saltar y arrodillarse sin fallar una nota. Increíble, versátil y con una voz preciosa. Y detrás de ellos Leny, esa auténtica ametralladora a la batería que imprime un ritmo contundente. Quizá los baterías siempre pasan desapercibidos, pero la potencia que transmite y sus baquetas fluorescentes hacían que fuera imposible ignorarlo.

Annacrusa siguió intercalando las canciones más cañeras y potentes de sus discos anteriores con otras del nuevo material. En este concierto no había lugar para baladas o canciones introspectivas, era todo caña desde el principio, sin ningún respiro. En sus entrevistas, ellos siempre dicen que el tercer disco evoca al mar con sus vaivenes, pero este directo era un auténtico tsunami que no te daba ningún descanso. Se escucharon clásicos como «La ventana», y podías notar a los asistentes cantando los estribillos a viva voz. El quinto tema del set fue «A tus pies», otra sorpresa para mí que tocasen tan pronto mi canción favorita de su último trabajo, pero había prisa porque nos tenían que entregar un set de casi una veintena de canciones.

La ambientación era también perfecta. Quizá abusaron un poco del humo, pero este combinaba muy bien con un espectacular juego de luces que sumaba todavía más fuerza a la actuación. El sonido también fue sublime, sonaron como nunca. Cada dos o tres temas había un pequeño descanso y Anna o Sevi aprovechaban para decir algo, presentar canciones o simplemente agradecerle a los asistentes su entrega. Fueron varias las ocasiones en las que se les veía notablemente emocionados, tanto por cómo había respondido la ciudad a su concierto como por dedicarle algunas de las pistas a personas especiales que ya no estaban entre nosotros. También hubo saludos para esa gente que tanto ayuda y no siempre es reconocida como debiera, como su mánager Vicent Perales por todo el aliento que les da, el técnico de sonido Vicent Ros que hizo un espectacular trabajo o el técnico de luces Nacho Torrat, que hizo de este uno de los conciertos más visuales de la carrera de la banda. También hubo agradecimiento para Ana Laballo, muy experimentada en trabajar con artistas, y que también está ayudando a que su música llegue más lejos.

«Campo de batalla», «Destino», «Perder la fe», los temas se iban sucediendo y el público no paraba de cantar con un set list hecho para que nadie saliera de la silla diciendo eso de «pero se han dejado tal canción». Y entonces, cuando ya habíamos pasado el ecuador del bolo se subieron al escenario dos de los invitados especiales: el cantante Ángel Belinchón de Dry River y Pablo Serrano, ex-guitarrista de Dandy Wolf. Ambos se unieron a Annacrusa para interpretar «Comenzar de cero», con un Ángel pletórico que le dio un extra de potencia y efusividad marca de la casa, cantándola como si fuera suya, como si llevase años interpretándola. A continuación se subió Aroa Morcillo, legendaria bajista de la ciudad. Bola le cedió el bajo y se acercó a uno de los micrófonos para cantar. Eran ya siete sobre el escenario, mucha gente, pero convirtieron el tema «Nunca Jamás» en una auténtica fiesta.

Todavía hubo tiempo para cuatro canciones más, terminando la actuación con «Sin perdón», que es uno de sus pepinazos más potentes y cañeros. Se fueron del escenario y el público empezó a pedir más, pero añadiendo ese clásico canto de «oe oe oeee» que solo se escucha cuando los asistentes a un concierto están absolutamente entusiasmados por lo que están viviendo. Y entonces volvieron para darnos dos últimos temas, que fueron «Tu vacío» y «Bitácora».

Y fue entonces cuando el que será uno de los mejores conciertos de Castellón en este 2026 terminó. No se dejaron nada, nadie echó de menos ningún tema. y todos los asistentes estaban sonrientes y comentando entre ellos la experiencia vivida. Se esperaba que fuera un buen concierto, pero no que hubiera una asistencia masiva y que hubiera tanta compenetración entre banda y audiencia, una química que demuestra que sí, hay quien puede ser profeta en su tierra. Annacrusa es una banda pequeña, de esas que solo los locales conocen y que tampoco mueven tanta gente en su ciudad. Sin embargo, este lleno demostró que ha habido un crecimiento notable desde la presentación de su segundo disco dos años atrás, y nos deja a todos con ganas de volver a verles. Ahora solo queda que se anuncien más fechas para volver a repetir. Y sí, sé que quizá no he sido muy imparcial en mi crónica, pero me hubiera gustado que quienes la estáis leyendo hubierais estado allí para saber que todas mis palabras están justificadas.

Yúbal Fernández

Experto en tecnología y amante de la buena música. Abierto a todo tipo de géneros, pero amante del prog en particular. Me encontrarás más en conciertos de pequeñas bandas locales y nacionales que en los de grandes leyendas del rock internacional, y también en algunos que otros festivales.

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La entrada Annacrusa revienta la Salatal de Castellón convirtiendo la presentación en directo de su tercer disco en un auténtico tsunami musical se publicó primero en Stairway to Rock.

Tras muchos meses de trabajo, su tercer disco vio la luz el pasado 6 de marzo, dejándonos excelentísimas sensaciones en nuestra reseña. Y tras haber salido del estudio y lanzado el disco, ahora toca presentarlo con una gira que tendrá varias paradas, la primera de ellas en Castellón. El resto de conciertos los irán anunciando en las próximas semanas.

El concierto va a tener lugar el sábado 28 de marzo en la Salatal de Castellón de la Plana. La apertura de puertas será a las 19:00, mientras que el bolo debería comenzar una hora después. Las entradas anticipadas tienen un precio de 12 euros y las puedes comprar en TicketFever. En taquilla tendrán un precio de 15 euros.

Este será un concierto sin teloneros, o sea que solo vamos a tener a Annacrusa reventando el escenario. En él podremos ver a Anna, Sevi, Bola y Leny dándolo todo con un set donde se interpretarán todas las canciones del nuevo álbum excepto «Incondicional», que está reservada para los shows acústicos que también están acostumbrados a realizar. Además, también harán un repaso de las canciones más cañeras de los álbumes anteriores.

No estarán solos en el escenario, porque tal y como nos han hecho saber contarán con tres colaboraciones de músicos de Castellón con un largo recorrido musical. El primero de ellos será Ángel Belinchón, cantante de Dry River. Sobran las presentaciones para uno de los mejores cantantes del país, quien lidera una de las mejores bandas de rock progresivo en español.

También estará Aroa Morcillo, bajista de Nube Naranja. Aroa viene de una familia importante en la música de Castellón, al ser sobrina de Morcillo, músico que marcó a toda una generación. Ya desde joven viene dándole caña a los escenarios, habiendo sido la bajista de Gatas Negras.

Y el tercer invitado será Pablo Serrano, quien hasta hace poco era el guitarrista de Dandy Wolf, y que ha tenido otros proyectos musicales como Mon Lafayette. Mientras espera a su próxima aventura musical se sumará al concierto de Annacrusa, tocando en casa para su gente.

Recuerda, la cita es el próximo sábado 28 de marzo a partir de las 19:00 en la Salatal de Castellón.

Yúbal Fernández

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• Jero Ramiro: Guitarras
• Isaac Palón: Voz
• Javier Canseco: Bajo
• Rodrigo de Lucas: Batería

Este es el comunicado completo con el que Jero Ramiro ha anunciado su nueva banda:

El momento ha llegado.

Tras su histórica y legendaria etapa en Saratoga, el guitarrista que ayudó a definir el heavy metal en castellano abre un nuevo capítulo.

Y no es un regreso… es el comienzo de algo grande.

Jero Ramiro presenta su nueva banda: un proyecto con identidad propia, formado por músicos de trayectoria sólida y talento incuestionable.

Una alianza construida para marcar una nueva etapa en el metal nacional.

PRIMER ÁLBUM EN CAMINO

La maquinaria ya está en marcha. La banda se encuentra inmersa en la preproducción y grabación de su primer disco.

Un trabajo que promete recuperar la esencia del heavy metal más puro, con la madurez, la experiencia y el hambre creativa de músicos que saben perfectamente quiénes son… y hacia dónde van.

El viaje empieza ahora.

¿Estáis preparados?

Junto al comunicado tenemos la primera foto de esta nueva banda, tomada por Dany Ferández.

Jero es uno de los guitarristas más importantes de la historia del heavy metal en España. Desde los 80 formó parte en bandas como Ñu y Santa, junto a la legendaria vocalista Azuzena Dorado. Pero su época dorada vino después con su banda Saratoga, creada junto a Niko del Hierro, donde compuso muchos de los himnos más importantes del metal en nuestra lengua. En 2006 abandonó su banda por primera vez para embarcarse en un disco en solitario primero, y en la banda Santelmo después, donde también nos dejó temazos como «Junio del 44». En 2014 volvería a Saratoga, donde ha permanecido hasta su marcha definitiva el año pasado.

En cuanto al resto de integrantes, nos encontramos con Isaac Palón, un cantante con una dilatada trayectoria con dos trabajos en solitario, y habiendo formado parte de bandas como Viga. Su voz es totalmente diferente a la de Tete, menos potente pero más versátil, por lo que Jero va a poder experimentar todo lo que quiera en todas las direcciones, marcando también un nuevo comienzo sin comparaciones en su banda. Si quieres escucharle cantar, puedes ir a su canal de YouTube.

También nos encontraremos al carismático Javi Canseco, un grandísimo bajista con una presencia inigualable encima del escenario, y que ha formado parte de proyectos como Cuatro Gatos y BajopresióN. Javi se había retirado de los escenarios tras el último concierto de BajopresióN, pero cuando recibió la llamada de Jero no pudo decir que no, y gracias a ello volveremos a tenerle en los escenarios. Junto a ellos tenemos a Rodrigo de Lucas, un gran batería que ha formado parte de We all fall y Evil Impulse, y cuyo grandísimo talento podemos ver en su canal de YouTube.

Tal y como reza el comunicado, la maquinaria está en marcha y esta nueva banda se encuentra ya en fase de grabación del que será el primer disco. Será entonces cuando podamos ver lo que nos ofrece esta formación, y podamos empezar a disfrutarlos en directo. Hasta entonces solo nos falta tener paciencia y esperar.

Yúbal Fernández

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5 de marzo de 2026

Autoeditado

Annacrusa es uno de los mayores tesoros musicales de Castellón. En una ciudad que ha visto nacer excelentísimas bandas como Dry River, Runic o Lèpoka, nos encontramos con un proyecto de rock alternativo con mucha atmósfera y personalidad. «Perder la Fe» es su tercer disco de estudio, y en él han sabido fusionar las personalidades de sus dos anteriores trabajos. Si en 2020 «Duelo» nos ofrecía mucha atmósfera y capas melancólicas y en 2023 «La Espina» era musicalmente mucho más crudo, directo y sin artificios, este tercer álbum es una mezcla de ambos. «Perder la Fe» sigue buscando ser un álbum con mucha autenticidad musical, con instrumentos con un sonido orgánico y auténtico, que suenan como lo harán en directo, pero con mayores pinceladas atmosféricas y ambientaciones que su predecesor, aunque sin llegar al nivel del álbum debut.

Otra cosa que vamos a notar en este trabajo es que está notablemente influido por el mar. Ya no solo en la portada, donde aparecen los cuatro integrantes de la banda en la playa y con el agua casi por las rodillas, sino también en la música. En este trabajo nos encontraremos tanto referencias explícitas o metafóricas en las letras como en la misma estructura de las canciones. Todas las composiciones van alternando momentos de suavidad y potencia, suben y bajan igual que las olas del mar. Por eso, pese a que musicalmente algunos sean bastante diferentes a los otros, todos mantengan una cohesión que los hace encajar.

Pero en definitiva, lo importante es que se nota que es un álbum hecho desde el corazón, con letras que hablan de sentimientos y del mundo que nos rodea. Alguna de sus piezas entra a la primera, son temas directos y fáciles de escuchar, y otros requieren más de una escucha. Pero el sentimiento es que cuanto más escuchas «Perder la Fé» más te gusta, más te atrapa y más valoras esos detalles que tiene aquí y allí.

El cuarteto sigue manteniendo su formación, con Anna Dobón demostrando nuevamente tener una de las mejores voces del país que todavía no has descubierto, y Jesús Martín «Sevi» encargándose de las guitarras y la composición. No es un músico al que le guste lucirse con solos imposibles en cada tema, de hecho encontrarás muy pocos solos en «Perder la Fe», pero todos ellos están al servicio de la canción y no del espectáculo, y tienen un sentido dentro de cada composición. Los motores los lleva Leny Orzáez, una auténtica fuerza de la naturaleza con su batería, y el pegamento que supone el bajo de Carlos Pauls «Bola», siempre presente, siempre sabiendo cuál es la nota acertada.

El disco comienza con «Leviatán», el primer single de este nuevo trabajo, y también posiblemente una de las mejores canciones. Es una carta de presentación perfecta, demostrándonos todos los puntos fuertes de la banda. Es una composición de rock alternativo con toques progresivos, y se apoya en un magnífico y enérgico estribillo. Es quizá uno de los cortes más pegadizos que han hecho nunca, y entra a la primera. Y después tenemos «Universo», una pieza totalmente diferente en lo musical. Comienza con unas estrofas con un ritmo más sinuoso y complejo, para luego nos llevan a un estribillo potente, pero que mantiene esa personalidad y atmósfera de toda la pieza. También tenemos lo que yo llamo «momentos Annacrusa«, que son unos guitarreos muy rockeros y expresivos que suelen meter en muchas de sus composiciones, y que en directo funcionan especialmente bien. El caso de «Universo» no es una excepción, y sirve como un momento de desenfreno después de uno de los estribillos musicalmente más complejos del álbum.

Después llega el turno de «Bitácora», que ofrece un viaje donde se mezclan melancolía con energía. Es un tema expresivo y que une muy bien partes muy diferentes musicalmente: estrofas enérgicas y estribillos suaves y pausados. Es como si la energía de la canción fuese y viniese, como si fueran olas del mar. Además, la intensidad va creciendo igual que una marea. Luego tenemos «Incondicional», una pieza corta y delicada, una balada acústica y melancólica dedicada a esa fiel mascota que se nos va después de habernos acompañado en mil y una aventuras durante los años dándonos su amor incondicional.

Tras secarnos la lagrimita seguimos con «Palabras necias», una crítica social que denuncia a quienes construyen y difunden relatos de odio con la intención de salir beneficiados del dolor de los demás. Musicalmente es un tema marca de la casa, con estrofas suaves y un estribillo que te pega con fuerza en el pecho. A mitad de su minutaje hay un parón con música más lenta, para luego eclosionar en otro momento Annacrusa. Le sigue «Perder la Fe»,  una balada que se les fue de las manos. Es una pieza con muchas capas, y donde se vuelven a intercalar momentos de máxima intensidad y otros de más suavidad, como demuestra su solo de guitarra. También tiene un excelente clímax musical donde el riff de guitarra queda en segundo plano, y el protagonismo se lo llevan Leny y Bola con la batería y el bajo, que llevan en volandas a la voz hasta catapultarla en su maravilloso final.

«A tus pies» es sin duda uno de mis temas favoritos del disco. Un medio tiempo que comienza con el teclado marcando el ritmo, y unas estrofas acompañadas con un efectivo riff de guitarra en el fondo, así como algún que otro punteo. El estribillo tiene el contraste de estar cantado de forma lenta pero con mucha energía y efusividad. También tenemos un excelente solo de guitarra, seguido de una efectiva parada con redoble de batería que va subiendo de intensidad para llevarnos al magnífico crescendo final. «La ley de la atracción» es una increíble pieza progresiva que juega a sorprenderte. Empieza con puro rock & roll y mucha energía, pero en su ecuador se transforma, todo se ralentiza, y la guitarra empieza a trazar una melodía a la que poco a poco se van uniendo el resto de instrumentos. Es una melodía que nada tiene que ver con el inicio de la canción, y se va repitiendo mientras navega por diferentes paisajes musicales, hasta incrustándose en el cerebro de forma que te sorprendes silbándola al día siguiente.

Y el viaje termina con «Nunca jamás», más asequible y con ritmos pop rock. Es una canción compacta, quizá con menos oscilaciones, y con un ritmo bastante enérgico y positivo, y un excelente clímax al final en el que Anna vuelve a demostrar lo que puede dar de sí su magnífica voz. Cuando termina, se quedan unos pausados acordes de la guitarra de Sevi marcando el final del viaje. Nuestro barco llega a puerto y se nos queda un sabor agridulce en los labios.

Debo confesar que le tenía un poco de miedo a «Perder la Fe». Annacrusa es una de mis bandas favoritas, por lo que siempre te queda la duda de si su nueva música estará a la altura de unos predecesores tan sobresalientes. Pero he de decir que han cumplido e incluso superado todas mis expectativas, y este disco tiene algunas de las que se van a convertir en mis canciones favoritas de la banda. Además dan un auténtico recital musical, demostrando cada uno de sus cuatro integrantes que dominan a la perfección sus instrumentos. Aunque no puedo dejar de destacar la voz de Anna Dobón, que da un auténtico espectáculo tanto en los momentos intensos como en otros más recogidos y melancólicos. En definitiva, un trabajo excelente que estoy deseando ver en directo.

Yúbal Fernández

Experto en tecnología y amante de la buena música. Abierto a todo tipo de géneros, pero amante del prog en particular. Me encontrarás más en conciertos de pequeñas bandas locales y nacionales que en los de grandes leyendas del rock internacional, y también en algunos que otros festivales.

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31 de octubre de 2025

Bakers Ink

Muchos tenemos el acto reflejo de que cuando sale el nuevo disco de alguien que suele aparecer en programas de televisión enseguida nos ponemos a la defensiva, con la predisposición a que no nos guste incluso si no conocemos bien a esta cantante. Es lo que me pasó con «Blacksheep», el álbum lanzado en 2025 por Ruth Lorenzo y su banda RUTH, que tras varias escuchas acabó siendo una auténtica delicia para los amantes del rock clásico.

Es un trabajo que consigue transmitir que a la cantante murciana le da igual las etiquetas que le pongan, porque ella ha decidido hacer lo que le gusta, aunque sea algo que parece salido de otra década o siglo. El álbum me ha gustado mucho. Tiene muy buenas composiciones, y han dejado claro que no querían alargar artificialmente sus temas más de lo estrictamente necesario, porque todos oscilan entre los tres y tres minutos y medio, a veces menos. Esto hace que también sea un trabajo que te escuchas en un rato, porque pese a sus 11 pistas dura apenas media hora.

Pero esa independencia y hacer lo que le venga en gana también ha hecho que «Blacksheep» se quede un poco en tierra de nadie: su música es demasiado buena para el mainstream televisivo, pero la vocalista es demasiado televisiva y con la etiqueta de comercial como para que la escena rockera más conservadora se la tome en serio. Y es una lástima, porque es una carta de amor al rock clásico, con la que Ruth Lorenzo ha vuelto a sus orígenes más rebeldes.

El disco fue grabado en cinta analógica en los estudios Real World de Peter Gabriel, en Londres, bajo la dirección de Rafa Sardina. La mezcla y el master corren a cargo de Sylvia Massy, que si no te suena su nombre solo tienes que saber que ha trabajado con bandas como Tool, System of a Down, Johnny Cash, Prince y otros. Y como no podría ser de otra manera, el resultado es uno de esos álbumes que suena demasiado bien como para ser de una artista española, que supura rock clásico y alternativo, pero que a la vez tiene unos toques algo progresivos que lo hacen un poco más complicado de digerir.

En cuanto a RUTH, la banda de Ruth Lorenzo, está formada por Nando Robles, David Lozano o Ricardo Ruiz, ex miembros de la banda Second. Les acompaña Sergio Bernal, ex-baterista de M-Clan. El sonido del disco es directo, crudo, de esos que capturan el directo de la banda. No tiene adornos, es pura honestidad, igual que si lo estuvieras escuchando en el estudio. Esto es algo que, sin duda, hará que puedan llevarlo al directo sin ningún tipo de artificio.

El álbum comienza con «I Hate My Life», una letanía muy visceral de apenas minuto y medio, construida de forma minimalista sobre una línea vocal sencilla y quejumbrosa, con otra que hace coros en el fondo, y a la que luego se le suman muchas más. Bonita, sencilla e inspiradora, una apertura que nos mete en la atmósfera introspectiva del trabajo. Después tenemos «Sticks & Stones», que es puro hard rock. Un bajo que comienza marcando el ritmo hasta que luego entran los riffs de guitarra, y una batería contundente de fondo. Es un tema rebelde en contra de la opresión religiosa, bastante sencilla en cuanto a composición, y extremadamente corta. Hace más bien de introducción.

Después llega «The Game», más dinámico y con mayor instrumentación, que juega con contrastes de suavidad en las estrofas con un estribillo más desgarrado, como es desgarrado el mensaje de no venirse abajo cuando juegan con nosotros. Sorprende mucho el final, con un coro de gospel y arreglos de cuerda dándole un dramatismo adicional. La cuarta pista es «Hey!», una canción donde al hard rock se le dan pinceladas punk. Es más visceral, rebelde y directa, con guitarras sin adorno y una actitud desafiante. Luego tenemos «Cry», que contrasta radicalmente con la anterior al ser una balada blues lenta y recogida. Aquí tenemos guitarras más limpias, un órgano de fondo, y una voz limpia que transmite vulnerabilidad, y un excelente final donde la vocalista murciana luce de forma notable su voz.

Tras el descanso viene «Road Rage», un interludio de 44 segundos que suena con un sonido distorsionado en la voz que recuerda al de los viejos vinilos, pero que contrasta con una orquestación completa. Y ojo, porque ahora llega el turno de «Don’t Break My Heart», un auténtico pelotazo que es como una mezcla entre Queen y Pink Floyd. Es como una explosión de rabia controlada en forma de rock progresivo. Es elegante y teatral, una montaña rusa emocional con subidas y bajadas, en cuyo climax final Ruth Lorenzo demuestra su magnífico chorro de voz.

«Dirty Love» es otro cambio radical, un tema mucho más directo y potente, a la yugular. Con un excelente riff de guitarra, un bajo muy presente y ganchos pegadizos, pero a la que quizá le hacía falta un poco más de distorsión y suciedad en el sonido. «Bad Blood» vuelve a cambiar totalmente el ambiente. Comienza con un riff de guitarra y campanas de fondo, con una atmósfera pesada y oscura. Me ha recordado a una especie de mezcla entre Shania Twain y Bonnie Tyler, una composición añeja pero con sonido más pulido y moderno.

«The Night After Tonight» es una balada acústica que empieza de forma muy sencilla, solo con guitarra y voz. Luego, el sonido se va expandiendo con un elegante cello de fondo, al que después acompañan un piano y arreglos de cuerdas. Es recogida y suave, pero también cuenta con una delicada atmósfera etérea. Y terminamos con «Carry Me Home», una especie de power ballad que comienza con voz y órgano, a los que luego se les incorpora el resto de instrumentos. También fusiona otros elementos que nos hemos ido encontrando durante el recorrido sonoro del disco, como una guitarra blusera, arreglos de cuerda y coros. Empieza lenta pero va ganando en intensidad, y sirve muy bien en su propósito de cierre.

Yúbal Fernández

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La segunda edición del Solidari Rock Fest tendrá lugar el sábado 18 de abril de este 2026. Como hemos dicho, se celebrará en la plaza de toros de Castellón de la Plana, y la apertura de puertas será a las 16:00. El precio de las entradas es de 20 euros, y puedes comprarlas online en Entradium y Entradas.com. También puedes comprarlas en formato físico en el Pub Terra, Pub Manowar y Discos Arpegio en Castellón, así como en El Bar del Belga en Vila-Real. Los beneficios que se obtengan con este festival irán destinados a varias asociaciones locales que luchan contra el cáncer.

Estos son los artistas que conforman el cartel del festival:

• Leo Jiménez (Heavy Metal)
• Lèpoka (Folk Metal)
• Dry River (Metal Progresivo)
• Laura DSK (Punk, Rock, Ska)
• Curial (Folk Metal)
• Veteranos (Tributo a Loquillo)
• Miseria (Punk Rock)

Como puedes ver, es un festival con unos estilos muy variados dentro del rock, perfecto para que cualquiera que quiera pasarse encuentre algo a su gusto. Evidentemente, destacan Dry River y Lèpoka, las dos principales joyas del rock y metal de Castellón, y un cabeza de cartel a la altura del legendario Leo Jiménez. Pero también hay propuestas más jóvenes y frescas que harán las delicias de quienes quieran descubrir nuevos talentos locales.

Pero hay más, porque el 21 de marzo se celebrará su fiesta de bienvenida. Se trata de un concierto de presentación donde actuará Lujuria, con su carismático cantante Óscar Sancho a la cabeza. Estarán acompañados de dos buenas bandas emergentes como son The Wild Boories y Ultrabellum. Este concierto se celebrará en la Salatal de Castellón, y habrá mercandishing y sorteos. Incluso puede que consigas entradas para el festival el próximo mes.

Por lo tanto, muy ambiciosa esta edición del festival, que busca dar un golpe sobre la mesa y consolidarse dentro de la provincia. Les deseamos mucha suerte.

Yúbal Fernández

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Su tercer trabajo llevará por título «Perder la Fé», un canto necesario a un planeta que sigue navegando hacia el caos. En este trabajo, que será lanzado el próximo 6 de marzo, la banda nos regalará canciones que apelan a lo más humano de nuestros días. Eso podemos ver en uno de sus dos primeros adelantos, «Leviatán», un nuevo himno para el repertorio de esta joven banda.

Este disco ha sido compuesto a fuego lento, y lo han grabado junto al productor Sam Ferrer en los WZ Estudi. Los componentes de la banda siguen siendo el guitarrista Sevi Guilles, con la voz de Anna Dobón, el bajo se encarga Carlos Pauls, y la batería Leny Orzaez. Son músicos que han tenido trayectorias bastante plurales, tocando estilos que van desde el rock indie hasta el metal extremo.

En este trabajo, la banda también ha hecho evolucionar su sonido. Nos vamos a encontrar con menos atmósfera y oscuridad, y con un sonido más limpio y directo. En esta evolución, Annacrusa consigue que los instrumentos suenen a si mismos, manteniendo la garra y la fuerza de los riffs y la contundencia y profundidad de los estribillos.

Además del lanzamiento, ya tenemos la primera fecha de su próxima gira, un concierto de presentación del nuevo trabajo que tendrá lugar el 28 de marzo en la Salatal de Castellón. Las entradas se pueden comprar a través de Ticketfever, o físicamente en el Pub Manowar de Castellón y El Bar del Belga de Vila-Real.

Yúbal Fernández

Experto en tecnología y amante de la buena música. Abierto a todo tipo de géneros, pero amante del prog en particular. Me encontrarás más en conciertos de pequeñas bandas locales y nacionales que en los de grandes leyendas del rock internacional, y también en algunos que otros festivales.

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16 de enero de 2026

Silver Lining Music

Soen lleva varios años posicionándose en lo más alto del metal progresivo melódico moderno, con una apuesta de canciones bien elaboradas, un sonido cuidado y mensajes profundos. Con el tiempo han pulido una fórmula tan característica que su música es fácilmente reconocible, una de las claves que les han ayudado a alcanzar su gran reconocimiento. Esto es algo muy positivo, pero también puede ser negativo si no arriesgas demasiado a la hora de lanzar «nuevo» material.

«Reliance» es un trabajo que se queda en un punto intermedio demasiado peligroso. Por una parte, muchos de sus temas nos recuerdan demasiado a otros de trabajos anteriores, llegando hasta el punto de que alguna canción parece recuerde demasiado a anteriores, y que te quedes dándole vueltas a la cabeza a la idea de que esto ya lo has escuchado antes. Hay poca evolución, hay poco riesgo, y eso puede hacer que si lo escuchamos de forma superficial acabemos aburridos y que se nos haga bola al parecer más de lo mismo.

Es difícil tomar decisiones cuando una fórmula tan marcada como la de los suecos te ha llevado al éxito, porque puede que decidas tomar demasiados pocos riesgos y te encasilles. Y en muchos momentos eso es lo que parece que les ha pasado con este álbum, que a primeras parece un poco más de lo mismo, aunque eso no quiere decir que sean malas canciones. Pero si te paras a escuchar con atención cada una de las composiciones te das cuenta que hay detalles aquí y allá, de que hay algunos cambios que le dan algo de personalidad propia, y que salen dos o tres veces de la zona de confort. De hecho, el último tema se sale totalmente de la fórmula sonora de los anteriores, y es tan refrescantemente diferente que te hace terminar pensando que sí, que hay Soen para rato, que todavía pueden hacer cosas diferentes.

La primera pista de este trabajo es «Primal», que cuenta con una base rítmica sólida y muy potente, como un rugido de pecho, y aunque la primera estrofa diluye esta potencia, luego se va recuperando cuando la voz y el sonido se dan la mano para llevarnos a un estribillo marca de la casa, muy lucido y hermoso. En el resto de la pieza sigue jugándose con la suavidad de algunas estrofas y la fuerza con la que entran luego las guitarras. «Mercenary» le sigue con una contundencia similar, siendo más melodiosa al principio, aunque cuando entra la voz lo hace acompañada con unos riffs y batería muy contundentes. Luego, en el puente se suaviza con varias capas de voces, y llegamos a un estribillo que recuerda mucho, quizá demasiado a temas como «Unbreakable». Hay momentos en los que parece, si no la misma canción, si un poco mezcla de varias anteriores.

Con «Discordia» tenemos una composición que se sale un poco de la fórmula, sorprendiéndonos positivamente. Comienza con un ritmo lento y casi etéreo, que luego gana mordiente en el estribillo. Es aquí donde Soen sale un poco de su zona de confort con un par de breakdowns y un pasaje muy suave con teclados, perfecto para una composición que mezcla introspección melancólica y potencia, y que usa unas texturas más oscuras de lo que nos tienen acostumbrados. «Axis» comienza con una energía galopante, un medio tiempo con unas guitarras y batería con un groove progresivo que la hacen destacar. La fórmula de la composición es bastante similar a lo que podemos encontrar en trabajos anteriores, aunque con un sonido algo más diferenciado.

«Huntress» es una pieza con melodías más brillantes y un desarrollo más accesible. Su comienzo es pura dulzura, pero luego desemboca en un estribillo inspirado con guitarras que doblan a la voz desde un segundo plano. Destaca un solo de guitarra muy sentido, y que me ha recordado a los de David Gilmour en Pink Floyd. Pasado el ecuador llega «Unbound», que de nuevo nos devuelve a los Soen más continuista, con música enérgica y un estribillo muy coreable. Es pura marca de la casa, muy dentro de su zona de confort, y que refuerza el mensaje que ya dieron con «Primal» de luchar contra los males heredados.

“Indifferent” es una balada clásica que lo apuesta todo a la suavidad de su música y la sensibilidad de su melodía. Comienza con unos acordes de piano suaves acompañados de guitarras limpias, con una atmósfera muy íntima, casi de concierto acústico. Tras este respiro llega «Drifter», que mezcla unos riffs de guitarra muy pesados con un sintetizador de sonidos fríos, dándole un toque épico de atmósfera etérea. La canción alterna secciones suaves con otras robustas y más pesadas, terminando con una efectiva y emotiva progresión de guitarra.

“Draconian” suena diferente al principio, con una voz más grave y alejada, aunque enseguida nos llega sonidos mucho más familiares, con un estribillo que se viene arriba para volver a traernos esa sensación de que esto ya lo hemos escuchado antes. Y para terminar tenemos «Vellichor», que personalmente es la que más me ha gustado de todo el disco. Es tranquila, casi fúnebre, con sonido disperso como si se cantase entre la niebla. Poco a poco la canción va ganando instrumentos, va ganando cuerpo manteniendo su tranquilidad, y acaba creciendo paulatinamente en dramatismo hasta regalarnos un excelente final. Es una pieza totalmente diferente al resto, un soplo de aire fresco que nos hace terminar la escucha con un sentimiento muy positivo.

Como conclusión, escuchar este último disco de Soen me trae varios sentimientos encontrados. En primer lugar un poco de hastío, ya que varios de los temas son demasiado parecidos a los de discos anteriores, como si hubieran preferido jugar a salvo y arriesgarse poco. Pero también tengo la felicidad que te transmite el que si escuchas atentamente descubres que cuatro o cinco de ellos sí que tienen rasgos distintivos. Y por último tengo esperanza, porque «Vellichor» es un cierre con un sonido tan maravillosamente diferente y refrescante que demuestra que la fórmula de los suecos no tiene por qué estar agotada, que saben girar en otras direcciones y que hay cabida para evolución y sonidos distintos en el futuro.

Yúbal Fernández

Experto en tecnología y amante de la buena música. Abierto a todo tipo de géneros, pero amante del prog en particular. Me encontrarás más en conciertos de pequeñas bandas locales y nacionales que en los de grandes leyendas del rock internacional, y también en algunos que otros festivales.

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5 de diciembre – Pub Terra – Castellón de la Plana

Crónica y fotos: Yúbal Fernández

Morti es uno de esos cantantes que, casi sin quererlo, lleva varias décadas colocando alguna canción en la banda sonora de nuestras vidas. Sobre todo a finales de aquella época dorada del metal español, cuando grupos como Saratoga o WarCry empezaban a coger fuerza. Con un primer grupo llamada El Fantástico Hombre Bala, el cantante catalán saltó a la primera línea de la mano de Skizoo, proyecto creado por Jorge Escobedo y Antonio Bernardini tras la separación temporal de Sôber, con la que lanzó dos discos brillantes en 2005 y 2007. Quien escribe estas líneas llegó a ellos no por ser fan de Sôber, sino porque el batería de aquella primera formación de la banda era Dani Pérez, recién llegado desde los mencionados Saratoga después de esa gran escisión en la que él y Leo Jiménez se fueron.

Pero ya sea llegando desde el power metal en busca de un sonido más melódico u oscuro, o venidos directamente desde un Sôber que llevaba petándolo muchos años, fuimos muchos los que encontramos en Skizoo un refugio musical. Junto a este proyecto, Morti también lanzó esa excelentísima propuesta musical llamada Bushido junto a Carlos Ann, Enrique Bunbury y Shuarma. Más adelante, su carrera continuaría con proyectos como ExMundus o InMune. En total, son ya varias décadas sobre los escenarios, y el vocalista está haciendo una gira especial celebrando esa trayectoria.

Y ha sido esta gira la que le ha llevado al Terra, el pub más particular y con más personalidad de Castellón de la Plana, decorado de una manera ecléctica. Casualidad o no, esa decoración tan de en sueño parece casar perfectamente con la música que los asistentes íbamos a escuchar. El concierto tuvo algunos claroscuros, siendo el principal punto negativo la falta de asistencia. No hubo una gran entrada, aunque todos los que fuimos acabamos encantados y coreando esos himnos goticofestivos que habíamos ido a escuchar. La parte positiva es que la sala sonó como nunca, y que los artistas invitados y teloneros también tuvieron un nivel muy alto.

Los primeros en subir al escenario fueron Pòstum-0, que iniciaron su descarga de Metal y Hard Rock poco después de que se abrieran las puertas, y todavía con muy poca gente dentro. Pero esto no impidió que lo dieran todo en un concierto especial, puesto que era el último de su batería. Su sonido fue muy bueno desde el principio, y su música cañera, en la que destacaba una voz muy potente y rockera. Quizá su estilo musical se alejaba algo de la propuesta del cabeza de cartel, pero he de decir que yo no les había escuchado nunca y me convencieron totalmente. Sobre todo por el buen quehacer en los solos de guitarra y su gran personalidad a la hora de presentar las canciones.

Esto último lo digo porque lo hacían a dos voces. Por una parte el vocalista de la banda hablaba normal sobre cada tema, pero luego su bajista usaba una especie de vocecilla cómica que les daba un punto diferencial y divertido. Esto en las presentaciones, porque cuando se ponían a tocar el bajo hizo unos muy buenos coros que acompañaban a la perfección la versatilidad del cantante, que era capaz tanto de desgarrar la voz como de hacerla limpia. Muy buenos temas, muy buena actuación y un excelente sabor de boca, sobre todo al cerrar con «El Amo», una canción de metal clásico que es muy directa y pura energía. Con ella, ayudaron a que el público se encendiese.

Los siguientes en tocar fueron House of Damn, el proyecto del cantante Jacob Cámara con un sonido 100% americano y una mezcla de Southern Rock, Post-Grunge, Metal y Country. La combinación musical funcionó a las mil maravillas, acompañada del excelente sonido de la sala. Su música fue enérgica y directa, y con muchos matices al tener una guitarra eléctrica con la que en ocasiones le ponían un efecto de acústica. Sus temas eran cortas pero muy cañeras, y la voz de Jacob potente y capaz de transmitir todo tipo de sentimientos. De hecho, el vocalista iba presentando cada uno al detalle, diciendo desde lo que quería expresar con ellas y añadiendo pequeños discursos motivacionales. Esto hacía que los asistentes nos involucrásemos más con cada canción y las disfrutásemos de una manera más profunda.

Sonaron muy bien, impecables, con unos excelentísimos solos por parte de Víctor López,  así como el buen hacer del siempre carismático Juanba Nadal, el conocido bajista de Dragonfly, donde coincide con el batería Jorge Alcázar que también formaba parte de este grupo. De hecho Alcázar fue una de las grandes sorpresas de la noche, no solo por marcarse un doblete tocando tanto con House of Damn como con Morti después, sino por impresionarnos a todos con su potencia y técnica. La sala ya empezaba a tener más gente, y Jacob encendió al público bajando dos veces con su guitarra a tocar entre los asistentes y refiriéndose a ellos como espartanos. Se metieron al público en el bolsillo, tanto en los temas potentes como en alguna balada acústica, dejándonos a todos los que no los conocíamos con ganas de más. Espero que vuelvan a tocar pronto cerca.

Y tras estos dos magníficos entrantes, llegaba la hora del plato principal. Con todos los integrantes de su banda en el escenario, salió Morti con su característica vestimenta emogótica que lleva acompañándole durante toda su carrera. En una mano el micrófono, y en otra un atril con las letras. No parecía dispuesto a arriesgarse a fallarle a quienes habían ido a disfrutar de sus himnos inmortales. La sala no estaba tan llena como se merecía, pero en un comienzo en el que la segunda canción ya fue «No todo está perdido» y la siguiente «Partir de cero», esos nostálgicos del Skizoo de los años 2000 que nos habíamos reunido allí ya estábamos totalmente metidos en el bolo. Tan metidos que el vocalista catalán, al terminar muchas de sus canciones, le indicaba al público que siguiera cantando, y muchos de los temas terminaron con los asistentes cantando a capela los estribillos.

El sonido del concierto fue inmejorable. Sé que me repito, pero la sala Terra brilló a muy buena altura, y en el setlist había un amplio repertorio por todos los proyectos por los que el cantante había pasado. La voz de Morti también estuvo muy a la altura, ni una flaqueza, es como si realmente hubiera sido un vampiro y los años no hubieran pasado por él. Dos integrantes de la banda que les acompañaba brillaron especialmente. Por una parte el guitarrista Mai, «el Maiden», que al ser de Castellón jugaba en casa y todos le estuvimos vitoreando. Y luego estaba el batería Jorge Alcázar, que en este concierto también se volvió a salir, terminando varios de los temas con florituras y pequeños solos. Hasta el propio Morti miraba hacia atrás sorprendido en más de una ocasión. Pero el resto de miembros también lo hizo de una manera magnífica, con Eduardo Meseguer demostrando su gran quehacer al bajo, y Víctor González marcándose muy buenos solos de guitarra.

Para mitad del concierto empezaron a llegar pesos pesados como «Arriésgate», cuya presentación fue acompañada de un «ooooohhh» coreado por un público poco numeroso pero entusiasmado. «Sólo estás tú» fue una canción muy coreada, igual que «Desmejorado», uno de los temas del proyecto Bushido donde también participaban voces como la de Bunbury, Shuarma o Carlos Ann, y que más tarde Morti versionó en su banda InMune, un arreglo que fue el que sonó esta noche. Luego, siguieron otros temas como «Habrá que olvidar», o la balada «Algún día» en la que se veían bastantes ojos vidriosos.

En definitiva, fue un concierto en el que todos recibimos lo que fuimos a buscar, una muy buena ración de música aliñada con nostalgia. Hubo un excelente sonido, todas las bandas acompañantes brillaron a buen nivel, y al final, todos los asistentes disfrutamos de un bolazo. Me queda una espina clavada, la de ver que no fue tanta gente como se merecía, aunque Morti siempre fue un artista navegando entre géneros, quizá un poco demasiado de nicho para la comunidad rockera, y eso junto a fechas como un puente pudieron influir. Pero bueno, si has leído hasta aquí puedo ser sincero, que j… fastidien esos que no fueron porque fue maravilloso.

Yúbal Fernández

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Los amantes del rock y metal progresivo tienen una cita ineludible el próximo septiembre con la nueva edición del Be Prog! My Friend 2026. El festivá traerá como cabezas de cartel a Soen presentando su nuevo álbum «Reliance», y a The Ocean con una nueva formación y material inédito. Además, también tendremos a Agent Fresco, que tras diez años esperando su tercer disco parece que empiezan a hacer conciertos de nuevo, y a Einar Solberg en su carrera en solitario.

También tenemos apuestas impresionantes como Green Carnation, o el virtuosismo de Rendezvous Point. Además, tendremos por primera vez en España a Iotunn, que tras su segundo disco «Kinship» es ya una de las mejores nuevas bandas internacionales de los últimos años, así como los ya anunciados The Dear Hunter. Por último, se han incorporado también al cartel dos auténticas joyas nacionales como Serapis Project y After Lapse.

El Be Prog! My Friend 2026 tendrá lugar los días 25 y 26 de septiembre del 2026 en “La Carpa” de Poble Espanyol en Barcelona, Cataluña. Es un festival con un aforo muy limitado, con espacio solo para 1.200 personas, por lo que conviene no encantarse demasiado a la hora de hacerse con las entradas. Todos los detalles los tienes en su web oficial, beprogmyfriend.com, y las entradas puedes comprarlas en madnesslive.es.

Yúbal Fernández

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29 de noviembre – Salatal Club – Castellón de la Plana

El Garaje Producciones

Crónica y fotos: Yúbal Fernández

Con una dilatada carrera que iniciaron en el ya lejano 1987, Hamlet sigue girando por nuestro país presentando su disco «Inmortal» lanzado en este 2025. Una de las paradas de esta nueva gira ha sido en Castellón, donde el pasado 29 de noviembre descargaron en la Salatal. Durante toda su carrera, esta ha sido una banda que ha ido variando y experimentando con diferentes estilos de metal extremo, desde el Nu Metal hasta el Groove o Hardcore, y todo ello lograron demostrarlo en este directo, donde además de hacer un amplio repaso por su discográfica tocaron varios palos diferentes.

A título personal, he de decir que son una banda que siempre ha estado fuera de mi radar, aunque siempre he oído hablar de ellos, por lo que fui al concierto sin saber muy bien lo que me iba a encontrar. Y lo que me encontré fue un grupo muy serio y muy, MUY en forma. Uno puede pensar que cuando vas a ver una quinteto de los ochenta ya estarán algo cascados por el paso del tiempo, pero cada uno de los miembros rindió a muy buen nivel, pero quien más sobresalía fue el cantante J. Molly, que no paró de moverse de un lado al otro del escenario en todo momento, y dejó un amplísimo repertorio vocal.

El bolo empezó con bastante puntualidad, y ya en los primeros minutos vimos que Hamlet había venido a jugar en serio. Pura energía desde los primeros temas, abriendo con «Limítate» y «Queda mucho por hacer», de su disco homónimo del 2002. Son temas menos conocidos, pero suficientes para comenzar a encender a los asistentes. El sonido también les acompañó, con mucha potencia y todos los instrumentos sonando bastante bien. La única pega estaba en el micrófono, que quizá por la distorsión que llevaba hacía que la voz sonara bastante poco nítida, y que no se entendieran bien las letras de la mayoría de canciones. Pero más allá de eso, todo se escuchaba bien, sobre todo el bajo, que sonaba brutal.

La sala estaba bastante llena, aunque sin haber llegado al sold out. Eso hizo que, sobre todo en los primeros compases mientras los asistentes aún estaban fríos, hubiese un poco de hueco entre el escenario y las primeras filas. Pero el vocalista de la banda conseguía transmitir tanto que, sin necesidad de pedirle nada a nadie, fue haciendo que todos se acercasen, y enseguida estaban todos adelante saltando y dándolo todo. Porque los asistentes se movían, se contagiaban de la energía y la electricidad del grupo, y a mita de concierto ya empezaron los primeros moshpit.

Otra cosa a resaltar en la actuación es que Hamlet iba a saco desde el principio. Enlazaba una canción tras otra, y apenas pararon 3 o 4 veces para coger un poco de aire y hacer alguna presentación. Pero cuando llevas tantos años no hace falta presentar mucho, casi todo son himnos. Una de las ventajas de esta manera de afrontar el bolo fue que, al no perder el tiempo en palabrerías, lo aprovechaban todo para tocar. Esto se nota en el amplio setlist de 20 temas que sonaron en algo más de hora y media de tiempo.

En el ecuador del show, cuando ya la gente se estaba desatando más y ya estaba arriba del todo, llegó «Denuncio a Dios», un pepinazo que todos cantaron y corearon. Cuando la terminaron ya se habían ganado a los asistentes, que gritaron «Hamlet, Hamlet» en el pequeño descanso antes de seguir adelante. Fue entonces cuando J. Molly le agradeció a todos los asistentes su presencia. Siguieron entonces con «El Gran Teatro», donde el vocalista demostró que la edad es sólo un número con un buen repertorio de guturales y rugidos.

El concierto siguió, y la intensidad no paró. Todos los músicos lo daban todo, moviéndose de un lado a otro, sobre todo el vocalista, que no paraba en todo momento. Con «Egoísmo» demostraron que podían ser muy rápidos y potentes, con mucho más bombo y pegada, y «Tu Medicina» tuvo un buen momento en el que todos los músicos hicieron una especie de corro, como si estuvieran en el local de ensayo. La enlazaron con J.F. o «Jodido Facha», con unos potentes riffs panteriles y un estribillo que toda la sala cantó a pleno pulmón.

Hubo entonces un pequeño descanso en el que los músicos se retiraron, pero a los pocos minutos volvieron para ofrecernos tres bises. Como no podía ser de otra manera, el último de ellos fue «Irracional», un himno que algunos asistentes llevaban ya media hora pidiendo, y que fue el perfecto punto final para una noche de pura energía. Al final, todos aplaudieron, y todo fueron caras felices. Por mi parte, sin haber sido nunca un seguidor de la formación y tras haber ido sin expectativas, ni buenas no malas, diré que salí muy positivamente sorprendido. Fue un concierto brutal, con pura energía y en el que todos los asistentes lo dieron todo. La química entre banda y seguidores fue total, y Hamlet demostró que les queda cuerda para muchos años más.

Yúbal Fernández

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