Angry Machines
15 de octubre de 1996
SPV Records
El 15 de octubre de 1996, Dio publicó en Estados Unidos uno de los discos más controvertidos de su trayectoria. Angry Machines cumple treinta años en 2026 y sigue siendo una pieza incómoda dentro de la discografía de Ronnie James Dio. No porque carezca de personalidad, sino porque representa el momento en que una de las voces más reconocibles del heavy metal intentó encontrar su sitio en una década que estaba cambiando las reglas del juego.
Dio, después de construir una carrera monumental junto a Rainbow, Black Sabbath y su propia banda, se encontraba ante un panorama muy diferente al de los ochenta. El grunge había sacudido los cimientos del rock comercial, las guitarras sonaban más ásperas y las nuevas generaciones buscaban otras formas de expresión. En ese contexto, Angry Machines fue un intento de adaptación que terminó convirtiéndose en una de las decisiones más discutidas de su protagonista.
La formación reunida para la ocasión explica buena parte del resultado. Ronnie James Dio estaba acompañado por Tracy G a la guitarra, Jeff Pilson al bajo, Vinny Appice a la batería y Scott Warren a los teclados. Tracy G aportaba un enfoque más áspero y contemporáneo, mientras que la base rítmica conservaba el músculo necesario para sostener la voz de Dio. Sin embargo, la combinación se alejaba de aquella fórmula de riffs memorables, melodías monumentales y fantasía épica que había convertido al cantante en una leyenda. En una entrevista publicada por Chronicles of Chaos el 16 de marzo de 1997, el propio Dio explicó qué pretendía conseguir con aquella transformación. Sus palabras ayudan a entender que el cambio no fue accidental:
“We’re much more like a Soundgarden now, I think, than like Dio was [in the past].” («Creo que ahora nos parecemos mucho más a Soundgarden que a lo que era Dio anteriormente»).
La comparación con Soundgarden no significaba que Dio pretendiera convertirse en una banda grunge, se trataba, más bien, de incorporar una actitud distinta, abandonar algunas convenciones y acercarse a un sonido más propio de los noventa. El problema es que actualizar una identidad musical tan reconocible no resulta sencillo, especialmente cuando buena parte del público espera precisamente aquello que te hizo grande.
El título Angry Machines resume bien la preocupación central del disco: la tecnología, el control y la deshumanización ocupan un espacio importante en unas letras que se apartan de los habituales mundos medievales, los héroes y las criaturas fantásticas de Dio. En la misma entrevista de Chronicles of Chaos, el cantante explicó el concepto detrás del título:
“Will they eventually take over our lives, will God be a computer, will your wife be a computer, will whatever be a computer, will humans then no longer be necessary?” («¿Acabarán controlando nuestras vidas? ¿Será Dios un ordenador, será tu mujer un ordenador, será cualquier cosa un ordenador? ¿Dejarán entonces de ser necesarios los seres humanos?»).
Vista desde 2026, la reflexión tiene una vigencia evidente. El miedo a que las máquinas terminen sustituyendo a las personas ya no pertenece exclusivamente a la ciencia ficción. Con todo, eso no convierte automáticamente el álbum en una obra profética, pero sí demuestra que Dio estaba mirando hacia preocupaciones que iban más allá de los tópicos habituales del heavy metal.
El disco
Musicalmente, “Institutional Man” abre el álbum con una contundencia que deja claras las intenciones. El riff es oscuro, el ritmo resulta insistente y la interpretación vocal mantiene esa autoridad que parecía imposible de perder. Hay menos épica luminosa y más tensión. Dio sigue siendo Dio, aunque el paisaje que lo rodea haya cambiado. “Don’t Tell the Kids” conserva la pegada y una estructura directa, mientras que “Black” apuesta por una atmósfera más sombría. Por su parte, “Hunter of the Heart” recupera parte del nervio clásico del grupo y permite disfrutar de una interpretación vocal que recuerda por qué Ronnie James Dio fue uno de los grandes frontmen del género.
Aún así, no todo funciona igual de bien. “Stay Out of My Mind” se extiende durante casi siete minutos y evidencia la voluntad de explorar otros territorios, aunque su desarrollo no alcanza siempre la intensidad que necesita. Por otro lado, “Big Sister” y “Double Monday” mantienen el carácter inquieto de la propuesta, mientras que “Golden Rules” y “Dying in America” prolongan esa mirada crítica hacia el mundo contemporáneo.
El resultado es un álbum con buenas ideas, momentos convincentes y una personalidad propia, pero al que le cuesta encontrar un equilibrio entre experimentación y composición. En ocasiones, la atmósfera pesa más que las melodías y algunos temas se diluyen en lugar de rematar con la contundencia que cabría esperar. Con los años, Angry Machines terminó ocupando un lugar incómodo incluso para su creador.
No estamos hablando de una interpretación posterior de la crítica ni de una supuesta leyenda entre bastidores. En una conversación con Classic Rock, recuperada por Louder en su artículo The A-Z of Ronnie James Dio (16/5/2024), el vocalista fue especialmente contundente:
“It was a real confusing piece of garbage for me. I had no idea what was going on. It wasn’t the kind of music I wanted to make.” («Para mí fue una auténtica basura confusa. No tenía ni idea de lo que estaba pasando. No era el tipo de música que quería hacer»).
La declaración es demoledora, sobre todo porque procede del hombre que puso voz a algunos de los discos más importantes de la historia del heavy metal. Pero también obliga a distinguir entre un álbum fallido y un álbum sin interés. Que su autor reniegue de una obra no elimina su valor como documento de una época ni invalida las canciones que sí funcionan. De hecho, la etapa posterior demostraría que Dio todavía tenía mucho que ofrecer.
Ya lo dijimos en esta misma casa respecto a Magica, disco con el que recuperó buena parte de la fantasía, la narrativa y la identidad sonora que sus seguidores echaban de menos. El regreso a un universo más reconocible confirmó que la experimentación de los noventa había sido una desviación, no un punto de no retorno.
Veredicto
Treinta años después, Angry Machines merece una escucha sin prejuicios, aunque tampoco hace falta reivindicarlo como una obra maestra escondida. Su mayor virtud es documentar a un músico legendario intentando responder a un escenario que ya no era el suyo. Su principal debilidad es que esa búsqueda no siempre se tradujo en canciones a la altura de su talento. Hay riffs sólidos, interpretaciones vocales imponentes y letras que se apartan de los caminos habituales. También hay decisiones de producción y composición que restan impacto a algunos temas.
La comparación con los clásicos de Dio resulta inevitable, pero quizá sea más justo medirlo por lo que intentó hacer que por lo que dejó de ser. En este sentido, Angry Machines no necesita convertirse en el disco favorito de nadie para justificar su lugar en la historia. Basta con reconocer que incluso una figura como Ronnie James Dio podía equivocarse, cuestionarse y tratar de reinventarse. A veces, el resultado no es el esperado. Pero hasta los tropiezos de las leyendas pueden contar algo importante sobre el momento en el que se produjeron.
Jordy Stanley. Profesor de Lengua y Literatura, historiador y freaky en general, posee diferentes obras de ámbito académico y divulgativo. Su último libro, Conan a lo largo de los filmes (PanoArtBooks, 2022) ha agotado sus dos ediciones. Entre lo destacado de su discografía, podemos hallar Henry Dark (2009), de su anterior banda, HENRY DARK y el flamante LP, KISS my Covers (2024), donde tributa a KISS, la banda de su vida, de una manera muy particular. Guitarrista y cantante, otra de sus múltiples facetas es la de youtuber y redactor musical.
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